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Mother Mother

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¡Madre!

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La carrera de Darren Aronofsky se ha caracterizado principalmente por la particular construcción de sus personajes, introduciéndose en la mente de ellos para explorar rincones oscuros donde la búsqueda de significado los lleva a un inevitable colapso. Retratándolos desde las adicciones en “Requiem For A Dream” (2000) o en la búsqueda de la perfección y el éxito en “The Wrestler” (2008) y “Black Swan” (2010), hasta las ambiciones y obsesiones en “Noah” (2014), aquellos son personajes que viven intensamente su realidad, pero que son adictos al escape emocional. A través de un estilo expresionista, existe un deseo ferviente de provocar las más variadas emociones en el espectador, las que pretende explotar en su nueva producción.

Un poeta (Javier Bardem) y su esposa (Jennifer Lawrence) viven en una antigua casa alejada de la ciudad. La buena relación que mantienen ambos comienza a verse truncada cuando un hombre (Ed Harris) y su mujer (Michelle Pfeiffer) aparecen inesperadamente como huéspedes de aquel hogar. A partir de ese momento, los dueños del lugar verán como sus vidas se ven progresivamente perturbadas en una vorágine difícil de escapar.

Para poder abordar “¡Madre!” es importante entender como base su construcción enigmática y que se aleja de convenciones propias de un género, caminando en los terrenos de un thriller psicológico, pero que está dispuesta a desafiar sus límites con osadía, de modo que existe un cuidado especial en sus capas más externas para que puedan ser cruzadas paulatinamente y descubrir con sorpresa una propuesta narrativa incitante. Su esencia está puesta en una construcción narrativa en base a alegorías y metáforas visuales, en un principio sugeridas con sutileza, pero que llegan a ser lo suficientemente explícitas para confirmar sospechas y lograr una inmersión total en el relato. Por consiguiente, cada elemento e idea está puesta para que vaya aportando en esta escalada de símbolos, partiendo por sus protagonistas, quiénes carecen de nombres y sólo podrían ser identificados por la relación que tienen y los roles que cumplen en el hogar que han creado.

Por un lado, el poeta que lucha por encontrar inspiración y poder escribir una nueva obra; en él se ve contenida una lucha interna entre el poder que tiene la creación y la perfección de esta misma. Por otro, es su esposa quien logra canalizar el significado de concebir desde la nada, dando espacio a la creatividad e inspiración. Estas dos visiones de creación se contraponen e intentan convivir, aunque terminan siendo corrompidas. Esta relación que se establece entre ambos personajes está construida para ser ubicada en un punto donde el límite entre lo contemporáneo convive y se mezcla con una forma mucho más antigua de identificar los roles de género, pues la visión de mujer es casi la que habita una novela victoriana, donde era relegada a una función principalmente hogareña y enfocada en la crianza.

Este experimento de fábula oscura comienza a desatar todos sus nudos una vez que los extraños invitados aparecen en la casa, originando la transformación de sus protagonistas e inicien un viaje sin retorno hacia un abismo desconocido. Por lo tanto, se va sintiendo el encierro del lugar y su claustrofóbica atmósfera en una experiencia subjetiva a través de la mirada de la protagonista, donde la cámara no deja de seguirla, dando prioridad a close ups para acentuar su desconcierto y horror, y un ángulo desde su hombro para acompañarla en un viaje donde se nos deja entrar casi como intrusos. Además, la carencia de música extradiegética permite que los sonidos naturales de una casa antigua tengan mayor protagonismo, donde el crujir del piso, la apertura de puertas y el ruido de llaves enfatizan el suspenso y el aislamiento.

La construcción paulatina de la tensión detona en un tercer acto visualmente explosivo, que se sumerge en las profundidades de la miseria en un espiral pavoroso que busca provocar y hostigar visualmente, llevando la simbología previamente expuesta al límite, en cuadros vivientes que rayan en lo aterrador. Toda la edificación de la cinta apunta a estos últimos momentos, y Aronofsky se aprovecha de ellos para poder darle un cierre a una historia que ha transitado por alegorías y representaciones visuales de arquetipos.

Emparentada directamente con “Rosemary’s Baby” (1968) y “Repulsion” (1965), “¡Madre!” no es una cinta fácil de abordar, cayendo a ratos en una ostentosidad que podría ser tildada como pretenciosa, puesto que una vez que se identifica la alegoría a la que alude deja de ser sutil, pero que en su desarrollo exige la total inmersión del espectador para poder acompañar en el viaje propuesto, ofreciendo una experiencia cinematográfica provocadora y desafiante.


Título Original: Mother!

Director: Darren Aronofsky

Duración: 121 minutos

Año: 2017

Reparto: Jennifer Lawrence, Javier Bardem, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, Domhnall Gleeson, Kristen Wiig, Brian Gleeson, Cristina Rosato, Marcia Jean Kurtz, Ambrosio De Luca, Hamza Haq


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1 Comentario

1 Comentario

  1. Bruno

    22-Sep-2017 en 9:44 pm

    No sé si es más pretenciosa la película o el comentario. La encontré muy mala en lo personal, parte de forma interesante, casi como un thriller del teatro del absurdo, pero una vez que está por parir, se abusa demasiado de lo visual, llegando a ser tedioso.
    Lo único que me gustó fueron las alegorías que hacen, pero como bien dice esta reseña, en un momento se vuelve demasiado evidente y también se abusa de eso.

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