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Los Niños

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A la hora de introducir el trabajo de Maite Alberdi, es poco lo que se puede decir sin caer en los lugares comunes en los que se enmarca su cinematografía. Desde sus comienzos con “Los Trapecistas” (2005) ya daba atisbos de una profunda mirada a la hora de retratar la realidad documental a través de acercamientos sensibles a sus personajes, sus vidas y sus problemas. Sin embargo, no sería hasta “La Once” (2014) donde la directora conquista audiencias y corazones de manera indiscutible con su propuesta intimista y profundamente reflexiva. Imposible negar una pulcritud en la mirada siempre atenta a los detalles que lleva al espectador a adentrarse, aunque sea por unos minutos, en el mundo documentado. “Los Niños” viene a ser una puesta en escena de todo aquello que Alberdi ya había demostrado, dejando en claro que el trabajo del pasado ha sido bien aprendido, y que el cine nacional posee exponentes de calidad innegables en el género documental.

Con sus 82 minutos llenos de colores que llenan la sala de cine de una mezcla de ternura y desconcierto, “Los Niños” cuenta la historia de un colegio para adultos con Síndrome de Down. En este centro conoceremos los sueños de Ana, Ricardo, Andrés y Rita, adultos que deben luchar día a día con el prejuicio que produce su condición y con las dificultades de la vida en el centro para poder llegar a concretar sus sueños de independencia.

El género documental no sólo se ha dedicado a mostrar una realidad sin más, sino que también ha marcado las distintas opiniones de sus directores a través de su historia; y esta película no es la excepción. La forma en que la directora ha retratado el mundo de sus personajes no sólo lleva a una tensión con la realidad que vivimos como espectadores, sino que también visibiliza que -a pesar de las diferencias- sus sueños, metas y ambiciones no son muy distintas a las nuestras. Este juego de superponer los planos del mundo adulto y el del mundo mal llamado infantil (puesto que son adultos de más de 40 años) se realiza no solamente a nivel narrativo, sino que involucra toda la propuesta de la película en sus múltiples recursos.

Desde el punto de vista del uso de cámara y planos, el film apuesta por una mirada cercana a sus protagonistas. Abundan los acercamientos y planos detalle; mientras que las panorámicas son más bien escasas y la presencia de los adultos no-Down es completamente borrosa debido al desenfoque. Desde este planteamiento es que el espectador acompaña a los protagonistas como si fuese uno más de ellos, para sentir como ellos, para ver como ellos y finalmente ser rechazado o forzado por un mundo externo al igual que ellos.

En lo narrativo, el tono es más bien natural y relajado. No se logra apreciar un diálogo intervenido, sino que se muestra en toda su maravilla la cotidianidad de sus personajes a través de la historia amorosa de Ana y Andrés, que nos transporta desde la risa a la ternura, desde el rubor a la desazón de la tristeza. El trabajo de enlace y cruce entre las distintas líneas de historia de cada una de las personas filmadas es preciso, y no deja espacio a sentir el aburrimiento de lo sobre explicado ni el hambre de lo poco mostrado.

Sin embargo, si se mira estos dos puntos, pareciese que es una película en exceso cargada de un mensaje moralista e igualador. Dicho pensamiento es rebatido por el uso de la música, en un ejercicio que levanta todo juicio moral y encasilla la película no como un llamado de atención, sino como un lugar de reflexión en el cuál somos participes de la vida de otros seres humanos que no son tan distintos a nosotros mismos, pero que no son tratados como tal.

Como bien se dijo en un comienzo, el trabajo de Maite Alberdi puede que carezca de los grandes efectos del cine extranjero, de la complejidad morbosa de los documentales conspirativos o la mirada técnica del documental histórico o zoológico, pero es un cine que sabe diferenciarse a sí mismo, que sabe cómo mostrarse natural y trabajar desde los pequeños detalles para construir espacios de reflexión en torno a cosas que se han tornado invisibles en el día a día. “Los Niños” es un gran exponente de ese trabajo, de esa forma de entender el cine documental y de cómo mostrar una vida haciendo partícipe al espectador que esté dispuesto a seguir a estos niños-adultos durante un viaje que poca o ninguna falla tiene para su género.

Por Ricardo Tapia

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Soledad Rodríguez

    08-Jun-2017 en 2:21 pm

    Su nombre es Andrés, no Luis

    • Ricardo Tapia

      09-Jun-2017 en 10:22 pm

      Muchas gracias por la corrección. La verdad es que se me pasó totalmente el nombre a la hora de escribir la reseña (de hecho tengo anotado Andrés en mi croquera pero por razones que aún no me explico lo anoté mal en el documento). Se agradece el detalle

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El Rey León

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El Rey León

“The Lion King” de 1994 es sin duda una de las películas de Disney más veneradas y queridas de todos los tiempos. Y se nota que Jon Favreau siente este mismo respeto y cariño por ella, ya que esta nueva versión incluye mucha de la imaginería de la película original, además de enaltecer y volver incluso más épicos varios momentos. Sin embargo, es el mismo cariño y respeto por la película noventera lo que impide que este remake logre sostenerse por sí mismo, veinticinco años después, y hace que se sienta anticuado.

La historia está ambientada en una versión idealizada de la sabana africana, donde el rey león Mufasa (James Earl Jones) intenta mantener el equilibrio natural de la cadena alimenticia, el Círculo de la Vida. Cuando nace su hijo Simba (Donald Glover) y se transforma en el próximo heredero al trono, Scar (Chiwetel Ejiofor), hermano del rey, decide asesinar a Mufasa para quedarse con el trono. Simba se ve obligado a escapar siendo un cachorro, y Scar se transforma en un rey déspota y despiadado. El príncipe deberá, entonces, reencontrarse con su identidad para volver a su hogar a restaurar el balance.

La historia es simple y fácil de entender, pero sus personajes y temáticas son tratadas de forma cuestionable veinticinco años después de la película original. Mientras que durante los últimos diez años muchas películas infantiles han volcado sus valores y temáticas hacia la acogida de lo diferente y la empatía por los demás, como “Ratatouille” (2007) o “Paddington” (2014), y la aceptación de uno mismo tal cual es, como en “Frozen” (2013), “El Rey León” tiende casi a ideas opuestas.

Durante gran parte de la película se idealizan la fuerza física y la valentía, igualándolas con justicia y virtud en Simba y particularmente Mufasa, mientras que la debilidad física se iguala con el engaño y maldad, a través de las figuras de Scar y las hienas. Se subentiende que estos personajes, al ser inherentemente inferiores, deben recurrir a trampas y engaños para ser capaces de vencer. Estas ideas no sólo se sienten anticuadas, sino que además generan personajes unidimensionales, cuya única característica reside en qué extremo de ese espectro residen.

Por otro lado, una de las principales temáticas de la película es el concepto de identidad, que es explorado a través del viaje de Simba. Sin embargo, su arco es tratado de forma menos que óptima, ya que su evolución se da por procesos internos, sino que a través de estímulos externos. No es él quien se encuentra a sí mismo, sino que son otros los que le dicen quién debe ser y qué debe hacer para transformarse en ello. Esto hace que su cambio se sienta vacío, y por otro lado entrega ideas problemáticas sobre la relación entre identidad y deber, ya que nunca le es dada a Simba la elección de qué hacer y quién ser. Estas dos ideas, el deber ser por sobre el querer ser y la virtud en la fuerza física, no han envejecido bien y se sienten anticuadas, y hacen que narrativamente la película se sienta de igual manera.

Visualmente la cinta funciona bastante bien. Los modelos 3D se sienten realistas y la imaginería tiene un gran poder visual. Tal como Favreau quiso, se siente tan épico como un documental de naturaleza de la BBC, sin embargo, es el mismo realismo en los modelos de los personajes lo que afecta negativamente a la hora de generar conexión emocional con la audiencia, ya que los animales resultan poco expresivos. Esto es algo que se nota particularmente en escenas de alto nivel emocional, como la muerte de un personaje, ya que las reacciones de los demás no alcanzan a estar a la altura debido a su falta de expresión. Además, esto se ve mezclado con una mala elección de casting vocal, particularmente en el caso de Simba en su adultez. Donald Glover puede funcionar muy bien frente a cámara, pero su voz suena plana y poco expresiva. Esto, mezclado con la falta de emoción en el rostro de Simba, hace que la audiencia se aleje incluso más del protagonista y su evolución como personaje.

Finalmente, más allá sus debilidades técnicas y de dirección, “El Rey León” falla principalmente por no atreverse a desafiar los conceptos narrativos y temáticos de la película original. Sus ideas, valores, beats narrativos y personajes se sienten aún como un producto de su tiempo, y no han envejecido bien. A la hora de retomar películas universalmente queridas y veneradas, es importante alejarse un poco y mirar detenidamente qué ideas se mantienen vigentes y cuáles no, y que ese respeto y cariño se refleje al evolucionar la historia para mantenerla actualizada.

Este remake se apoya demasiado en la nostalgia y el cariño que se le tiene a la película original, y toma el camino fácil apelando al recuerdo que el público tiene de ella. Lamentablemente, es difícil que el público actual recuerde esta película en veinticinco años más con el mismo cariño con que las generaciones anteriores lo hacen con la película original.


Título Original: The Lion KingEl Rey León

Director: Jon Favreau

Duración: 118 minutos

Año: 2019

Reparto: (Voces) Keegan-Michael Key, Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, James Earl Jones, John Kani, Billy Eichner, Alfre Woodard, Florence Kasumba, Beyoncé


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