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Looper: Asesinos Del Futuro

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Dos sujetos conversan en una cafetería. Discuten acerca de lo que harán en las próximas horas. Lo que para uno son deseos, para el otro son recuerdos. Sus caras se parecen mucho, pero no son padre e hijo, ni hermanos, ni siquiera gemelos –o clones-. Mientras uno lucha por lo que considera su futuro, el otro intenta proteger sus recuerdos, y uno en particular: lo único que considera realmente bueno en su vida. Los dos son la misma persona y, pese a ello, sus destinos chocan; lo que haga uno borrará para siempre al otro. El tópico de los viajes temporales, sus consecuencias y las paradojas que provocarían, es lo central en “Looper: Asesinos Del Futuro”, el tercer largometraje de Rian Johnson, protagonizado por Joseph Gordon-Lewitt y Bruce Willis.

Los looper son los asesinos que se encargan de eliminar a personas enviadas desde el futuro por la mafia. Joe (Joseph Gordon-Levitt) es uno de ellos, y cumple su trabajo con una destacada eficiencia. Pero este trabajo no es para siempre, y tiene una cláusula de rescisión de contrato inapelable: cada looper debe deshacerse de él mismo, quien es enviado 30 años desde el futuro. Pese a que Joe sabe de ese predicamento, un error le impedirá asesinar a su yo del futuro (Bruce Willis), iniciando una persecución que le permita cerrar el “loop”.

Desde el primer instante, “Looper” no esconde su condición de película de género. Como ejercicio cinematográfico, este se asemeja al primer film de Rian Johnson, “Brick” (2005), una reinvención adolescente del cine noir. Todo se cumple siguiendo el manual: un invento posibilita un salto para la humanidad, y ese hecho va planteando cuestiones sobre los alcances de la condición humana. “Looper” enuncia todas las preguntas más comunes del género, sobre qué nos definiría como individuos, cuál es el control que tenemos de nuestros actos y el destino, y qué efectos tienen nuestras decisiones sobre nosotros y los demás.

Sin embargo, hay que aclarar que esta no es simplemente una película de acción, o por lo menos no como las tradicionales que pueblan la cartelera. Sí hay espectacularidad, persecuciones, tiroteos y uso de recursos que acentúan la adrenalina, pero para ser precisos, los adelantos contienen gran parte de las escenas de acción, y el corpus de la película está en secuencias resueltas de manera limpia y sin excesos, o en largos episodios de conversaciones que aumentan la tensión e invitan a preguntarse por las intenciones de los personajes, sus dudas y dramas, y también por los cabos sueltos que la misma trama va dejando. Porque “Looper” se articula sobre las interrogantes que se suceden durante el metraje y son el sustrato de la historia, siendo algunas resueltas en la película misma, y otras dejadas para el debate fuera de la sala de cine.

Es interesante constatar que uno de los blockbusters más esperados del año, evita el lugar común y se decanta más en un relato que intenta hacerse cargo de discusiones más profundas que las acostumbradas por la industria hollywoodense. Quizás este ejercicio está más relacionado con la necesidad de las películas de ser viralizadas a través de Internet, lo que sostiene sus campañas de publicidad en la actualidad. Como ya se ha mencionado, en “Looper” abundan los cabos sueltos, y ya se puede encontrar una gran cantidad de teorías respecto a los personajes, sus relaciones o el universo creado para sustentar la trama. La ventaja en este caso está en la integración armónica de estas cuestiones dentro del relato, sin que parezcan un error del guión o un recurso retórico para engañar al público.

Aunque, haciendo raya para la suma, “Looper” se ubica entre lo mejor del cine comercial de este año, cumple con las expectativas generadas alrededor de ella (por la publicidad y los propios fanáticos) y aporta una mirada fresca, respetuosa e inteligente a la poblada oferta de las películas de ciencia ficción y viajes temporales. Por esta razón la pregunta más interesante es verificar cómo logrará este film superar la barrera del tiempo y convertirse en un referente del género, más allá de su calidad  argumental, puesta en escena y valor dentro del mercado cinematográfico. Habrá que esperar entonces cuántos visionados resiste la cinta, y a modo de confesión personal, este redactor está ansioso por repetirse el plato.

Por Juan Pablo Bravo

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Duna

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Duna

Adaptar la novela “Dune” de Frank Herbert a la pantalla grande, ha sido ambición del séptimo arte desde su publicación en 1965. Conocidos son los casos de Alejandro Jodorowsky con un proyecto que, sin nunca haberse concretado, alcanzó estatus de culto, y el de la cinta de 1984 de David Lynch, fracaso crítico y de taquilla, que a la postre se convertiría en la única mochila con la que uno de los mejores directores del mundo ha debido cargar. De esta forma, la adaptación 2021 de “Duna”, a cargo del connotado Denis Villeneuve, se convertía en el esperado gran evento cinematográfico del último tiempo.

Es el año 10.191 y el emperador Shaddam IV mandata a la Casa de Atreides, regida por el Duque Leto, a trasladarse al desértico planeta Arrakis para encargarse de la explotación de la Melange, una sustancia con propiedades asombrosas. Leto se muda junto a Lady Jessica, su concubina y parte de la Bene Geserit (un grupo de misteriosas mujeres con habilidades mentales), y su hijo Paul, un muchacho que es percibido como una especie de mesías, además de todo su ejército y hombres de confianza, pero apenas llegan al lugar, percibe que, más que un servicio de honor, la movida podría ser una trampa del imperio en colusión con la Casa Harkonnen, regida por el malvado Barón Vladimir, para acabar con los Atreides.

En sus primeros minutos, lo primero que llama la atención de “Duna” es su empleo práctico de las secuencias: a diferencia de la cinta de 1984, e incluso de la misma novela, Villeneuve establece el universo de la historia sin muchos guiños a los aspectos filosóficos y psicológicos de los personajes, más bien va dejando en claro quién es quién y cómo se mueven dentro del tablero para luego, tal como ha hecho con sus películas anteriores, ir soltando pequeñas bombas de información y las motivaciones de cada personaje. Y esto se agradece, pues ese mecanismo le permite a la cinta avanzar sin tropiezos en el ritmo que establece en un principio.

Además del meticuloso guión, que denota un esfuerzo por incorporar todos los frentes de los postulados con los que Herbert nutrió su obra, lo anterior es encarnado por un reparto que está más que a la altura de las circunstancias, moviéndose por todos los extremos, mezclando de manera natural la impronta shakespeariana con las más atrevidas acrobacias físicas. En este sentido, Timothée Chalamet, como protagonista y quien más debe hacer gala de aquel rango dinámico, da el ancho a cabalidad. Por otra parte, destacables son las actuaciones de Charlotte Rampling y Stellan Skarsgård, quienes, con un velo sobre el rostro la primera y grandes capas de maquillaje el segundo, impresionan en sus cortas apariciones, sobre todo la presentación del Barón Harkonnen evocando sin empacho alguno a “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola.

Pero “Duna” también es una historia épica y bélica, donde el diseño de producción, los artilugios y el vestuario cumplen un rol importante, y en este aspecto la cinta deja boquiabierto. Se agradece que Villeneuve en su mayoría opte por efectos prácticos y sólo aplique CGI de manera circunstancial (gran acierto la forma en que es representada la Melange en el aire). Está todo tan bien trabajado, que queda la sensación de que uno como espectador jamás ha visto una puesta en escena como la que plantea el director junto a su equipo creativo y técnico, destacando los diseños de Patrice Vermette (con quien también trabajó en “Arrival” de 2016) y la fotografía del australiano Greig Fraser, últimamente un especialista en escenarios épicos, resaltando de distintas maneras en la ambientación de los planetas, cada uno con sus singularidades lumínicas. Como complemento a la maravilla visual, el diseño de sonido es impecable, y el score de Hans Zimmer, pese a sus pocas sutilezas por momentos, acompaña adecuadamente el relato y tiene un par de melodías que dejan sin aliento al son de sus característicos tambores y la destrucción que se muestra en pantalla.

Así como las virtudes de la película son evidentes, también lo son sus pequeños defectos. Al ser una novela con un abanico tan amplio de tópicos, Villeneuve es consciente de que debe elegir caminos, y en ese accionar va perdiendo los temas o, más bien, el foco va alumbrando discriminadamente a medida que el metraje se acerca a su último acto. Lo anterior genera los pasajes más bajos en cuanto a diálogo, ya que se ve en la obligación de desprender información de forma gruesa a través de los personajes para mantener el equilibrio de los hilos conceptuales, desembocando en un cambio de percepción rítmica. También hay ciertos datos que son omitidos, pero que en la cinta terminan siendo cruciales, casi como dirigidos exclusivamente al lector de la novela. Sin embargo, esto es apenas un lunar dentro del gran marco que la película propone, y bajo ningún sentido le resta mérito a todo lo visionado antes de los créditos finales.

“Duna” es un espectáculo narrativo y visual que le hace justicia a la gran obra de Herbert, donde la política, la religión, la ecología y el romance de la novela (este último sólo oníricamente) son tratados respetuosamente por Villeneuve, pese a las libertades creativas que se toma, donde los más puristas podrían poner el grito en el cielo. Si Jodorowsky representó el anhelo y Lynch el ensayo, Denis Villeneuve encarna el sueño cumplido, aunque sea de aquellos en que uno despierta a la mitad y se esfuerza por volver a dormir y retomarlo, simbolizando una segunda parte y final que, como ya es sabido, lamentablemente está supeditada a su resultado en la taquilla.


Título Original: Dune

Director: Denis Villeneuve

Duración: 155 minutos

Año: 2021

Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Zendaya, Javier Bardem, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Chang Chen, Stephen Henderson, Dave Bautista


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