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Cine

La Prima Cosa Bella

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Los italianos, como pocos en el mundo del cine, logran a través de historias mínimas, sin excesos ni aspavientos, retratar en los subtextos la idiosincrasia de un pueblo marcado por las tradiciones y la moral conservadora, pero que por su espíritu festivo y alegre también alberga el buen humor, la fiesta y el exceso. Un ejemplo contemporáneo de esa dicotomía es “La Prima Cosa Bella”, película del director Paolo Virzì, estrenada durante 2010 en su país de origen y que llega a las salas nacionales.

El nombre surge de un tema de Nicola Di Bari, que es cantada en diferentes instantes del metraje. Uno de ellos es justo en el comienzo. Durante el estío de 1971, en el balneario de Livorno se realiza un festival donde se elige a la Madre del Verano. El premio recae en Anna (Ramazzotti), madre de Bruno (Bibbiani) y Valeria (Burgalassi). El hecho desencadena los celos de Mario (Albelli), su esposo, y la separación de la pareja. En este punto comienzan el devenir de una familia disfuncional italiana, pero familia al fin y al cabo.

La historia transcurre en dos líneas temporales: entre 1971 y 1981, y durante 2009. En la época contemporánea nos enteramos de los avatares de Bruno (Mastandrea), el hijo mayor de Anna (Sandrelli), quien se ha convertido en un profesor de literatura soltero, vive en Milán junto a su novia (a quien llama “co-inquilina”), es adicto a la marihuana y con un desapego total con la figura materna, su familia e incluso la ciudad donde nació y se crió. Tanto así, que es obligado casi a la fuerza por su hermana a retornar a Livorno, para compartir los posibles últimos días de su madre, ya anciana e internada por un cáncer.

El film es un relato clásico, donde los recuerdos a modo de flashback nos permiten conocer las motivaciones del rencor de Bruno, las razones de su malestar con su madre, una mujer bella, atada a una vida que al parecer no quería, y que ha cometido excesos en pos de ilusiones hedonistas. Los conflictos existenciales y afectivos del hijo están en los sueños y anhelos de la madre. Ella desea y proyecta una vida en otro lugar, más libre, ligada a las luces y la ilusión del trabajo cinematográfico, alejada de los celos enfermizos de Mario.

La nostalgia del pasado no está sólo en la estética cuidada de los viajes a la década del ‘70, ni menos en el homenaje velado a las comedias italianas de esa época, que incluso tiene una referencia explícita al citar a Dino Rissi y Marcello Mastroianni. Es también parte del  concepto más importante de la película, que además es clásico en la cinematografía del país de la bota: la familia como lo más importante en la vida de las personas.

Ya sabemos, en la temprana separación de Anna y Mario, y la precariedad de la vida de Bruno y Valeria, que la familia principal del relato es disfuncional: la madre se separa del padre, pero se siguen frecuentando; la hermana de Anna está enamorada de Mario y lo consuela, hasta vivir con él y ayudarlo a criar a los niños; y Anna jamás asume completamente la responsabilidad de ser madre. Bruno, por otra parte, pese a su edad en el presente, no tiene familia ni está casado; y Valeria mantiene una relación de más de 20 años con Giancarlo, que al parecer no le satisface completamente, y con quien tiene 2 hijos adolescentes.

A pesar que el núcleo familiar no sea ortodoxo, los personajes necesitan y deben redimir sus pecados del pasado y reconciliarse, para seguir adelante. Y ese perdón está única y exclusivamente en esa familia fragmentada, con ramificaciones impensadas, pero que todo lo acoge y todo lo cobija en un abrazo fraternal.

Aquí es clave entender a Valeria (Pandolfi), que se ve postergada a ratos en el metraje. Sin embargo, es ella la que hace de bisagra entre Bruno y su madre, como si entendiera de forma instintiva, que si ellos no se reconcilian ella tampoco podrá liberarse. Valeria en ningún momento guarda el rencor que vemos explícito en el silencio y la indiferencia de Bruno, pero tal vez su drama es más profundo: no quiere repetir los errores de su madre y se autoimpone un apostolado de madre ejemplar y mujer fiel, ocultando hasta la rabia impulsos que la igualen a su progenitora.

La riqueza de “La Prima Cosa Bella” está en su nula intención de teorizar sobre problemáticas sociales que puedan parecer densas, o de pontificar sobre imposiciones morales añejas que para lo único que sirven es para coartar la felicidad. Nunca se hace necesario cuestionar un modelo de familia o apuntar con el dedo los deslices de Anna. Por el contrario, esta es una historia de bondad, donde los errores están en no comprender al otro, donde las culpas se expían con pequeños gestos –un abrazo o un beso- y se dejan de lado para vivir la vida sin pesadas mochilas morales o sociales.

Por eso los últimos 25 minutos de la cinta se disfrutan a concho. Porque muestran la felicidad de la reconciliación, el valor de la familia tal cual es; porque todo se soluciona con un abrazo apretado, un llanto reconfortante y un beso en la mejilla. Acá ya todo está resuelto, ya no es necesario visitar el pasado, todo está al frente: el mar, la familia, la vida.

Por Juan Pablo Bravo

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El Rey León

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El Rey León

“The Lion King” de 1994 es sin duda una de las películas de Disney más veneradas y queridas de todos los tiempos. Y se nota que Jon Favreau siente este mismo respeto y cariño por ella, ya que esta nueva versión incluye mucha de la imaginería de la película original, además de enaltecer y volver incluso más épicos varios momentos. Sin embargo, es el mismo cariño y respeto por la película noventera lo que impide que este remake logre sostenerse por sí mismo, veinticinco años después, y hace que se sienta anticuado.

La historia está ambientada en una versión idealizada de la sabana africana, donde el rey león Mufasa (James Earl Jones) intenta mantener el equilibrio natural de la cadena alimenticia, el Círculo de la Vida. Cuando nace su hijo Simba (Donald Glover) y se transforma en el próximo heredero al trono, Scar (Chiwetel Ejiofor), hermano del rey, decide asesinar a Mufasa para quedarse con el trono. Simba se ve obligado a escapar siendo un cachorro, y Scar se transforma en un rey déspota y despiadado. El príncipe deberá, entonces, reencontrarse con su identidad para volver a su hogar a restaurar el balance.

La historia es simple y fácil de entender, pero sus personajes y temáticas son tratadas de forma cuestionable veinticinco años después de la película original. Mientras que durante los últimos diez años muchas películas infantiles han volcado sus valores y temáticas hacia la acogida de lo diferente y la empatía por los demás, como “Ratatouille” (2007) o “Paddington” (2014), y la aceptación de uno mismo tal cual es, como en “Frozen” (2013), “El Rey León” tiende casi a ideas opuestas.

Durante gran parte de la película se idealizan la fuerza física y la valentía, igualándolas con justicia y virtud en Simba y particularmente Mufasa, mientras que la debilidad física se iguala con el engaño y maldad, a través de las figuras de Scar y las hienas. Se subentiende que estos personajes, al ser inherentemente inferiores, deben recurrir a trampas y engaños para ser capaces de vencer. Estas ideas no sólo se sienten anticuadas, sino que además generan personajes unidimensionales, cuya única característica reside en qué extremo de ese espectro residen.

Por otro lado, una de las principales temáticas de la película es el concepto de identidad, que es explorado a través del viaje de Simba. Sin embargo, su arco es tratado de forma menos que óptima, ya que su evolución se da por procesos internos, sino que a través de estímulos externos. No es él quien se encuentra a sí mismo, sino que son otros los que le dicen quién debe ser y qué debe hacer para transformarse en ello. Esto hace que su cambio se sienta vacío, y por otro lado entrega ideas problemáticas sobre la relación entre identidad y deber, ya que nunca le es dada a Simba la elección de qué hacer y quién ser. Estas dos ideas, el deber ser por sobre el querer ser y la virtud en la fuerza física, no han envejecido bien y se sienten anticuadas, y hacen que narrativamente la película se sienta de igual manera.

Visualmente la cinta funciona bastante bien. Los modelos 3D se sienten realistas y la imaginería tiene un gran poder visual. Tal como Favreau quiso, se siente tan épico como un documental de naturaleza de la BBC, sin embargo, es el mismo realismo en los modelos de los personajes lo que afecta negativamente a la hora de generar conexión emocional con la audiencia, ya que los animales resultan poco expresivos. Esto es algo que se nota particularmente en escenas de alto nivel emocional, como la muerte de un personaje, ya que las reacciones de los demás no alcanzan a estar a la altura debido a su falta de expresión. Además, esto se ve mezclado con una mala elección de casting vocal, particularmente en el caso de Simba en su adultez. Donald Glover puede funcionar muy bien frente a cámara, pero su voz suena plana y poco expresiva. Esto, mezclado con la falta de emoción en el rostro de Simba, hace que la audiencia se aleje incluso más del protagonista y su evolución como personaje.

Finalmente, más allá sus debilidades técnicas y de dirección, “El Rey León” falla principalmente por no atreverse a desafiar los conceptos narrativos y temáticos de la película original. Sus ideas, valores, beats narrativos y personajes se sienten aún como un producto de su tiempo, y no han envejecido bien. A la hora de retomar películas universalmente queridas y veneradas, es importante alejarse un poco y mirar detenidamente qué ideas se mantienen vigentes y cuáles no, y que ese respeto y cariño se refleje al evolucionar la historia para mantenerla actualizada.

Este remake se apoya demasiado en la nostalgia y el cariño que se le tiene a la película original, y toma el camino fácil apelando al recuerdo que el público tiene de ella. Lamentablemente, es difícil que el público actual recuerde esta película en veinticinco años más con el mismo cariño con que las generaciones anteriores lo hacen con la película original.


Título Original: The Lion KingEl Rey León

Director: Jon Favreau

Duración: 118 minutos

Año: 2019

Reparto: (Voces) Keegan-Michael Key, Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, James Earl Jones, John Kani, Billy Eichner, Alfre Woodard, Florence Kasumba, Beyoncé


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