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Kong: La Isla Calavera

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Es posible que King Kong, desde su primera versión en 1933 hasta la última adaptación dirigida por Peter Jackson en 2005, sea uno de los personajes más reconocidos en la historia del cine y una de las más populares bestias dentro de las películas centradas en monstruos, sirviendo de inspiración para cintas contemporáneas y despertando en varios realizadores el deseo de revivir el mito. Este año el personaje vuelve a nacer dentro del llamado MonsterVerse que inició “Godzilla” (2014) y que promete juntarlos en una futura producción.

Dirigida por Jordan Vogt-Roberts, “Kong: La Isla Calavera” se centra en grupo de exploradores que viajan a una misteriosa y escondida isla en medio del Pacífico, entre ellos el capitán James Conrad (Tom Hiddleston), el teniente Preston Packard (Samuel L. Jackson) y la fotoperiodista Mason Weaver (Brie Larson). Al llegar a ella, deberán combatir todos los sorprendentes peligros que se les presentan, y enfrentar a quién rige este territorio, el legendario Kong.

Si “Godzilla” hablaba de las consecuencias químicas en la Tierra, la figura de Kong representa la lucha de las fuerzas naturales y cómo el ser humano falla al intentar dominarlas. Sin embargo, esta nueva reinvención de la mítica historia del gigantesco gorila se traslada desde 1930 hasta a mediados de 1973, justo en medio de la Guerra de Vietnam, de esta forma permitiendo que el contexto se torne importante al momento de desarrollar la trama, pues la simbología de la guerra y sus consecuencias estarán presente durante gran parte del relato. Mientras, la psicodélica música de principios de los 70 acompaña gran parte de las secuencias de humanos y sus máquinas de destrucción.

Esta es la película de una bestia soberana en un lugar inhóspito, y en ese sentido Kong es el indiscutido protagonista, no tan sólo porque la narración gira en torno a su figura, sino también porque existe un cuidado particular en su construcción visual y como personaje, sorprendiendo por su realismo y la cuota necesaria de fantasía que enaltece su figura mítica, donde su sensibilidad está puesta en el cuidado de su entorno y las criaturas débiles que tiene a su cargo. El diseño digital destaca cuando la sensación de peso y fuerza se apoderan de la pantalla, potenciando además sus expresiones faciales, las que logran capturar la esencia de una bestia que defiende su territorio, causando temor y a la vez admiración. Por otra parte, la isla se caracteriza por albergar un sinfín de fantásticas criaturas, parte de una mitología que no necesita mayor explicación, pero que complementan el atractivo visual de este universo narrativo.

Si bien, la construcción de Kong como personaje logra su objetivo, la cinta queda desbalanceada cuando el resto de los personajes sólo cumplen con su cuota en pantalla, pues luego de un rato de frases aisladas -que sólo sirven como distracciones- se instala la duda frente a la relevancia que tiene cada uno de ellos, dando la razón cuando se piensa que en este tipo de películas los humanos poco tienen que aportar en la historia, justificando su existencia como carnada para ser vistos dentro de las grandes batallas que las bestias digitales están teniendo a su alrededor. Por lo tanto, no esconde el abandono que sufre su construcción narrativa frente a un atractivo y vibrante desplante visual, dejando claro que al menos en esta producción importa más la forma que el fondo.

En ese sentido, Vogt-Roberts le da énfasis a lo que sostendrá esta cinta en términos visuales, ya que son los escenarios y el diseño de las criaturas que habitan en la isla lo más atractivo de ella a través de un apropiado uso del CGI, estableciendo el tono a través de colores naranjos que extienden los atardeceres y generando una atmósfera que deja ver la influencia del cine de los 70, casi como un homenaje a “Apocalypse Now” (1979), pero en una clave totalmente diferente. Además, la película es honesta al plantarse como un relato de acción y aventura, por lo que gran parte de sus secuencias están enfocadas en potenciar estas características a través de un montaje que genera tensión y asombro, y prevaleciendo el uso de cámaras lentas cuando helicópteros y explosiones se apropian de la pantalla.

“Kong: La Isla Calavera” sin dudas entrega entretención, pues las secuencias de acción se encargan sostenerla y justificarla, potenciando lo mejor del cine de aventuras y trayendo al más popular de sus monstruos en una reinvención que aporta en levantar una vez más su figura. Sin embargo, tanto el diseño de sus personajes como su historia no logran encajar, dejándola incompleta y con una sensación de insatisfacción al estar construida en cimientos narrativos débiles. Al final, resulta ser una cinta con una bonita fachada, pero sin mucho que encontrar en su interior.

Por Ángelo Illanes

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Cine

3 Anuncios Por Un Crimen

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3 Anuncios Por Un Crimen

El director inglés Martin McDonagh ha probado con astucia en dos producciones –”In Bruges” (2008) y “Seven Psychopaths” (2012)– la manera para desarrollar una aguda comedia negra que puede ser entretenida e inquietante a la vez. Su última producción, “3 Anuncios Por Un Crimen”, reciente ganadora del Globo de Oro a la Mejor Película Dramática, se adentra sin miedo en un relato crudo y visceral sobre la violencia, el abuso y la injusticia en tiempos donde la discusión sobre estos temas sigue vigente.

Mildred Hayes (Frances McDormand) ha esperado por meses que se encuentre al culpable del brutal asesinato de su hija. Cuando ya no parece haber respuesta, decide publicar tres grandes anuncios en el camino hacia su pueblo con controversiales mensajes dirigidos hacia el jefe de policía, William Willoughby (Woody Harrelson). Así, Mildred inicia una batalla en contra de las autoridades, destapando la ineficiencia del sistema policial.

“3 Anuncios Por Un Crimen” se centra en el dolor y las consecuencias alrededor de una muerte en medio del desconsuelo de una madre, pues es a través de ella que se canaliza la aflicción y la rabia que la motivan a iniciar una incesante búsqueda de justicia. Mildred es un personaje complejo, que va mostrando sus capas paulatinamente, siendo su carácter impulsivo e impetuoso el causante de provocar decisiones poco predecibles y que pondrán en jaque al resto de los personajes. Gracias a la interpretación de Frances McDormand, Mildred parece real; es una persona que también falla y se ha construido a partir de estas imperfecciones, pero su determinación la hace parecer implacable. La muerte de su hija la empuja a endurecerse aún más, actuando desde el sufrimiento, pero nunca asumiéndose como víctima; por el contrario, toma el control con valentía, enfrentándose a un sistema que se siente capaz de doblegarla, donde su resistencia la hace persistir.

El brutal crimen no sólo trae consecuencias en el núcleo familiar de la joven, sino que repercute en todo el pueblo. La lucha que ha iniciado Mildred está dirigida principalmente hacia la policía del lugar, quienes representan la corrupción moral y la falla estructural de un sistema que no está funcionando, provocando la frustración y decepción de quienes habitan el lugar, quienes han normalizado este fracaso, asumiendo este funcionamiento e incluso cuestionando el actuar de la protagonista.

A través de dos personajes secundarios lo suficientemente fuertes para acompañar este crudo relato, la batalla entre la justicia y el abuso de poder se hace evidente. Por un lado, el jefe de policía es un hombre que cree poseer una amplia compresión del contexto en el que están insertos, pero que asume con decepción el fracaso del sistema, por lo que sus intentos por cambiarlo no parecen ser los suficientes y, aunque comprende el sufrimiento de Mildred, mira con reticencia sus acciones. Por otro lado, el oficial Dixon (Sam Rockwell) es quien encarna el discurso más incómodo de digerir, y que a la vez simboliza de manera tangible uno de los cuestionamientos más complejos del relato.

Las temáticas que la cinta trabaja podrían cargarla hacia un drama pesado y abrumador, pero son los respiros de su humor agudo los que la hacen tomar pausas y situarla como una comedia negra alrededor de un tema sensible. Es a través de diálogos incómodos, mediante el uso de un lenguaje fuerte y desvergonzado, donde abundan los comentarios racistas y sexistas, y planta su naturaleza provocadora y controversial. Sin embargo, estas situaciones se hacen cargo de lugares olvidados y socialmente rechazados desde sus bases. Si bien, este filme no hace un análisis en profundidad sobre el tema, existe la intención de entender su origen y abrir el diálogo hacia la comprensión del contexto sociopolítico de los personajes. En ese sentido, la evolución de uno de sus caracteres lo empuja hacia la redención, situando al espectador en una posición incómoda, donde se nos pide que el concepto de empatía prevalezca, en una cinta en que no se pide ni se entrega perdón.

“3 Anuncios Por Un Crimen” no pasa desapercibida y puede ser una cinta difícil de ver cuando su premisa resulta ser tan delicada, pero la discusión que arma alrededor la vuelve necesaria. En ese sentido, reflexiona bruscamente sobre la violencia, sin pretensiones de enseñar una lección moral. Pone a la frustración y la injusticia al centro de una historia que se cruza y choca con la tolerancia frente a ideas y discursos, donde la empatía se vuelve fundamental para explorar en mayor profundidad los síntomas de una sociedad que sin duda está cambiando.


Título Original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Director: Martin McDonagh

Duración: 115 minutos

Año: 2017

Reparto: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Lucas Hedges, Peter Dinklage, John Hawkes, Abbie Cornish, Caleb Landry Jones, Brendan Sexton III, Samara Weaving, Kerry Condon


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