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In-Edit Nescafé 2016: “Blur: New World Towers”

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Luego del exitoso retorno de Blur en 2009, se esperaba que nueva música fuera lanzada, pues un par de singles nuevos y el material en vivo de sus presentaciones no era suficiente. Entre esos lanzamientos, el documental “No Distance Left To Run” (2010) registró el esperado regreso, además de armar en retrospectiva la biografía de la banda. Seis años después, y con la excusa de un nuevo disco, Blur vuelve a ser protagonista de su propia historia en un nuevo documental.

Luego de una fallida gira por Japón, el cuarteto quedó libre por un par de días en Hong Kong, dedicando parte de su tiempo a algunas sesiones improvisadas y componiendo lo que no sabrían sería su próximo disco. Sin haberlo planeado, y casi como un accidente, estas composiciones hablarían justamente de sus experiencia en tierras asiáticas. El resultado final, “The Magic Whip”, traería de nuevo a la banda luego de haber lanzado su último álbum como cuarteto dieciséis años atrás. “Blur: New World Towers” está directamente relacionado con el proceso de composición de “The Magic Whip”, pero no es tan sólo el making of de un disco y lo que se esperaría de ese tipo de documentación, más bien es la descripción actual de los integrantes y lo que ocurre cuando estos actúan en conjunto. Además, el contexto de las composiciones que forman el disco toma protagonismo y se apodera de la pantalla, pues detrás de este trabajo no hubo preparación previa, sino que las peculiares circunstancias llevaron a generar una producción que no se tenía prevista. Así también, la figura de Graham Coxon toma protagonismo al ser él quien haya insistido en retomar el trabajo previo iniciado en Hong Kong y tener la iniciativa de llamar a Stephen Street, quien nuevamente vuelve a producir un disco de la banda.

Considerando la presencia que tuvo Blur en la escena británica de los 90, el director Sam Wrench da por sentado ciertos antecedentes e intenta no volver atrás y revolver los recuerdos de la década en la que fueron protagonistas, decisión que habla de establecer este registro en el presente, asumiendo la carga que el cuarteto arrastra, pero sin indagar en ella con mayor profundidad. Por el contrario, el documental está centrado en la vigencia y validez que tiene Blur en la actualidad. Para lograr lo anterior, se establece una relación de su legado con una contraparte en el presente, dejando espacio a la nostalgia, puesto que habrá insinuaciones del pasado, pero representado en canciones.

Las imágenes que se ensamblan para armar esta historia, se entremezclan entre entrevistas individuales sobre la vida fuera de la banda y el proceso creativo del disco, junto a material grabado en vivo de su presentación en Hyde Park en 2012; una decisión importante al momento de encajar las piezas que demuestran la supervivencia de los himnos de una década, y que apelan a la nostalgia cuando “End Of A Century”, “Beetlebum” o “The Universal” se toman la pantalla. Así también, varios cortes de “The Magic Whip” se ven realzados, pues el disco toma mucha más fuerza en vivo y sus canciones logran transformarse una vez más. Siendo este documental algo más que el registro de composición de un disco, se genera el espacio para hablar de la implicancia que tienen cuatro personas completamente diferentes cuando se juntan y trabajan por un objetivo en común, dejando a un lado las individualidades y convirtiéndose en algo mucho más grande. Ahora nada es forzado, son ellos quienes han dejado que este proyecto siga su curso de manera natural, pues ahora, sin ataduras ni obligaciones, sólo están ahí porque pueden disfrutarlo, dejando cierto espacio a la especulación sobre un incierto futuro en el que las posibilidades son múltiples.

Se podría considerar a este documental como un complemento audiovisual de “The Magic Whip”, pues los conceptos están presentes en cada una de sus imágenes, hablando de cómo un pequeño incidente en una gira logró trae a Blur de vuelta al estudio, y cómo la relación de cuatro integrantes logra mantener viva a la agrupación después de tantos años.

Por Ángelo Illanes

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Star Wars y el auge de los efectos visuales

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Star Wars

Desde prácticamente siempre, ha existido un odio irracional hacia las precuelas de Star Wars, aquella trilogía de películas que estrenada entre 1999 y 2005 que prometía conectar todos los hilos en torno a la historia que George Lucas iniciara en 1977. Amparado bajo una segunda explosión de popularidad de la saga, el director comenzó a principios de la década del 90 lo que sería la concepción de una idea que ya tenía cuando trabajaba “El Imperio Contraataca”, y que, según sus propias declaraciones en múltiples ocasiones, no le era posible filmar debido a las limitancias tecnológicas propias de la época. Así, el desarrollo del CGI hizo que Lucas pudiera adentrarse en la realización de una nueva trilogía, donde, más allá de su cuestionado argumento e innecesaria creación de fallas argumentales para la saga original, terminó por transformarse en una revolución gracias al elemento que fue más destacado por la crítica: los efectos especiales.

Fue en 1997 cuando comenzó el rodaje de “La Amenaza Fantasma” (1999) y, aunque se mantuvieron algunos elementos como la marioneta de Yoda y una utilización de escenarios reales con un cuidado diseño de producción, la transición se fue desarrollando de manera natural a lo que terminaría siendo “El Ataque de los Clones” (2002) y “La Venganza de los Sith” (2005), donde el uso de fondo verde fue más prominente que en ocasiones anteriores. Como dato curioso, y para reforzar la idea de que la animación digital fue el elemento principal de estas cintas, es sabido que no se construyó ni una sola armadura de trooper durante las tres películas, con dichos modelos siendo todos creados por computadora. A pesar de que el uso de CGI ya se había presenciado en otras películas previas –probablemente “Jurassic Park” (1993) siendo el caso más reconocido–, su utilización dentro de la producción de Star Wars significó todo un precedente, gracias a un innovador software donde se crearían los efectos visuales, al punto de que en la primera cinta existe una sola secuencia que no contiene efectos digitales.

A veinte años de su estreno, los efectos visuales en el cine son cosa de cada día, con prácticamente la totalidad de las cintas más taquilleras utilizándolo en su mayoría, lo que en un espectro más crítico ha terminado por omitir en el espectador el deseo de intentar diferenciar qué es real y qué no al momento de mirar una película. Asimismo, los directores actualmente pueden gozar de la misma libertad que Lucas describió a la hora de realizar las precuelas, pudiendo crear un guion a su antojo sin preocuparse de restricciones en torno a la producción, el desarrollo de personajes y, sobre todo, la creación de mundos y criaturas tan fantásticas como se ha caracterizado la saga desde sus orígenes. Todo lo anterior permitió también una reducción en los tiempos de rodaje, comenzándose a producir blockbusters en masa gracias a la implementación de la fotografía digital, y el uso de cámaras digitales que permiten grabar sin la necesidad de revelar el celuloide, pudiendo así montar y modificar escenas de una manera mucho más rápida.

Ya con la trilogía original Lucas había innovado en una serie de técnicas cinematográficas que eran prácticamente desconocidas para la época, pero todo ese trabajo fue opacado en cierta forma gracias al abrumador éxito que la saga tuvo más allá de la pantalla, transformándose en un icono de la cultura pop gracias a la explosiva venta de juguetes y una creciente popularidad que nunca decayó en el período de 1977 a 1983. Y es así como las tecnologías fueron evolucionando en pos de una saga que desde sus orígenes buscó una forma de deslumbrar y crear experiencias nunca vistas, algo que sin duda se logró con todos los contratiempos que pueda significar. Pasar de un aproximado de 365 tomas con efectos visuales en la primera cinta de 1977 a las más de 2200 que tiene la última de la era Lucas en 2005, habla de una necesidad de incorporar la tecnología con el fin de contar historias, derribando límites y permitiendo que la creatividad e imaginación de los realizadores pueda verse reflejada en la gran pantalla.

Hoy en día, con una nueva trilogía que llegará a su fin este 19 de diciembre, se puede ver como las técnicas de las otras seis entregas se van complementando para darle un romanticismo a la producción, omitiendo de plano un uso totalmente digital para seguir incluyendo animatronics, marionetas, maquillaje y otras técnicas de producción. Sin embargo, es imposible no reconocer el trabajo e influencia de George Lucas en el desarrollo del cine de fantasía como lo conocemos hoy en día y, más allá de cualquier falencia narrativa que haya cometido en sus cuestionadas precuelas, el cine y la tecnología comenzaron una relación que ha beneficiado tanto lucrativa como creativamente a la industria.

  • Star Wars: El Ascenso de Skywalker” se estrena el próximo 19 de diciembre. Preventa AQUÍ.

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