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Cine

Hombres de Negro 3

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¿Era necesaria una tercera parte? A más de una década de la olvidable segunda entrega de los Hombres de Negro, cabría preguntarse a quién podría interesarle ver una continuación de la saga. ¿Alguien los recordaba? Confirmando la escasez de ideas originales en Hollywood, tocaba el turno del retorno de Will Smith y Tommy Lee Jones, para protagonizar la tercera parte de una saga, que de no ser por el éxito económico que ha cosechado, estaría relegada al completo olvido. Esta secuela lo ratifica.

Men In Black” (1997) no era ninguna maravilla, pero lograba entretener y tenía cierta inteligencia en su humor, que daba como resultado un divertimento bastante digno en comparación a los blockbusters que estamos acostumbrados a recibir. Unos años después, llegó su continuación, la cual echó por la borda el buen hacer de la primera, tratando de replicar la fórmula, con un guión inconsistente y chistes cuya gracia residía en el carisma de Smith, el cual, lógicamente, no era suficiente para levantar una película que está al borde del despropósito. Sonnenfeld retoma el puesto de director, y filma una cinta que mejora en comparación a su antecesora, pero sigue siendo igual de olvidable.

Todo comienza en una prisión lunar, donde el alienígena Boris “El Animal”, logra escapar de su celda para dirigirse a la Tierra y vengarse del hombre que le cortó el brazo y lo envío a la cárcel, el agente K (Tommy Lee Jones). Sin el poder necesario para vencerlo en el presente, Boris viajará al pasado para cambiar el rumbo de la historia y deshacerse del “joven agente K” (Josh Brolin). Será tarea del agente J (Will Smith), regresar a los años 60 para cubrir las espaldas de su compañero y salvar al mundo de una inevitable invasión extraterrestre.

Los primeros quince minutos de película marcan la pauta de todo lo que propone MIB 3. Will Smith tratando de hacerse el gracioso, lanzando frases carentes de cualquier ápice de comedia ingeniosa y situaciones que pretenden sacar carcajadas, pero que finalmente sólo provocan el sonroje. Los acontecimientos transcurren sin una mayor intriga ni emoción, en una película que sigue una línea casi pareja en cuanto a revelaciones o giros dramáticos. Tomando en cuenta que estamos ante una trama de ciencia ficción, que contiene viajes temporales y sus respectivas paradojas, sorprende que no hayan podido articular una trama un poco más interesante, en un guión que avanza a tropezones, y muchas veces pisándose la cola con la propia historia de los personajes, como el romance del agente K con la agente O (Emma Thompson), que se supone marcó su vida, suprimiendo por completo el pasado amoroso que se nos había presentado en la primera entrega de la saga.

Parte de esta responsabilidad la tienen los productores de la película, quienes hicieron grandes modificaciones al guión, tanto en la estructura de la historia, como en su tono, suavizando la ironía e irreverencia que poseía en un principio, convirtiéndose en el mayor defecto de la cinta. Narrada en el contexto de los Estados Unidos de los años 60, el guión original contenía una serie de chistes sobre la sociedad de la época. Referencias raciales y sexistas, fueron limitadas a un par de momentos que vienen a ser lo mejor del filme y donde se puede sentir una pizca de humor más acabado e inteligente. La mofa al trabajo de Andy Warhol, cuando detienen al agente J por conducir un auto “muy elegante”, o incluso la aparición de Lady Gaga en una de las pantallas de la base de los agentes, siendo identificada como un extraterrestre, son sólo un par de chispas de lo que pudo haber sido.

Quizás lo único rescatable es la actuación de Josh Brolin, quien imita a la perfección al personaje de Tommy Lee Jones, y tiene los mejores momentos de la película, o por lo menos los más relevantes. Más allá de eso, sólo queda un entretenimiento mediocre, que sirve para ser consumido y olvidado unas horas después, y sin necesidad de neuralizador.

Por Sebastián Zumelzu

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1 Comentario

1 Comentario

  1. Nelson

    22-May-2012 en 11:07 pm

    Películas que son meramente relleno innecesario luego de ver The Avengers, y a la espera de Prometheus Y The Dark Knight Rises.

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El Rey León

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El Rey León

“The Lion King” de 1994 es sin duda una de las películas de Disney más veneradas y queridas de todos los tiempos. Y se nota que Jon Favreau siente este mismo respeto y cariño por ella, ya que esta nueva versión incluye mucha de la imaginería de la película original, además de enaltecer y volver incluso más épicos varios momentos. Sin embargo, es el mismo cariño y respeto por la película noventera lo que impide que este remake logre sostenerse por sí mismo, veinticinco años después, y hace que se sienta anticuado.

La historia está ambientada en una versión idealizada de la sabana africana, donde el rey león Mufasa (James Earl Jones) intenta mantener el equilibrio natural de la cadena alimenticia, el Círculo de la Vida. Cuando nace su hijo Simba (Donald Glover) y se transforma en el próximo heredero al trono, Scar (Chiwetel Ejiofor), hermano del rey, decide asesinar a Mufasa para quedarse con el trono. Simba se ve obligado a escapar siendo un cachorro, y Scar se transforma en un rey déspota y despiadado. El príncipe deberá, entonces, reencontrarse con su identidad para volver a su hogar a restaurar el balance.

La historia es simple y fácil de entender, pero sus personajes y temáticas son tratadas de forma cuestionable veinticinco años después de la película original. Mientras que durante los últimos diez años muchas películas infantiles han volcado sus valores y temáticas hacia la acogida de lo diferente y la empatía por los demás, como “Ratatouille” (2007) o “Paddington” (2014), y la aceptación de uno mismo tal cual es, como en “Frozen” (2013), “El Rey León” tiende casi a ideas opuestas.

Durante gran parte de la película se idealizan la fuerza física y la valentía, igualándolas con justicia y virtud en Simba y particularmente Mufasa, mientras que la debilidad física se iguala con el engaño y maldad, a través de las figuras de Scar y las hienas. Se subentiende que estos personajes, al ser inherentemente inferiores, deben recurrir a trampas y engaños para ser capaces de vencer. Estas ideas no sólo se sienten anticuadas, sino que además generan personajes unidimensionales, cuya única característica reside en qué extremo de ese espectro residen.

Por otro lado, una de las principales temáticas de la película es el concepto de identidad, que es explorado a través del viaje de Simba. Sin embargo, su arco es tratado de forma menos que óptima, ya que su evolución se da por procesos internos, sino que a través de estímulos externos. No es él quien se encuentra a sí mismo, sino que son otros los que le dicen quién debe ser y qué debe hacer para transformarse en ello. Esto hace que su cambio se sienta vacío, y por otro lado entrega ideas problemáticas sobre la relación entre identidad y deber, ya que nunca le es dada a Simba la elección de qué hacer y quién ser. Estas dos ideas, el deber ser por sobre el querer ser y la virtud en la fuerza física, no han envejecido bien y se sienten anticuadas, y hacen que narrativamente la película se sienta de igual manera.

Visualmente la cinta funciona bastante bien. Los modelos 3D se sienten realistas y la imaginería tiene un gran poder visual. Tal como Favreau quiso, se siente tan épico como un documental de naturaleza de la BBC, sin embargo, es el mismo realismo en los modelos de los personajes lo que afecta negativamente a la hora de generar conexión emocional con la audiencia, ya que los animales resultan poco expresivos. Esto es algo que se nota particularmente en escenas de alto nivel emocional, como la muerte de un personaje, ya que las reacciones de los demás no alcanzan a estar a la altura debido a su falta de expresión. Además, esto se ve mezclado con una mala elección de casting vocal, particularmente en el caso de Simba en su adultez. Donald Glover puede funcionar muy bien frente a cámara, pero su voz suena plana y poco expresiva. Esto, mezclado con la falta de emoción en el rostro de Simba, hace que la audiencia se aleje incluso más del protagonista y su evolución como personaje.

Finalmente, más allá sus debilidades técnicas y de dirección, “El Rey León” falla principalmente por no atreverse a desafiar los conceptos narrativos y temáticos de la película original. Sus ideas, valores, beats narrativos y personajes se sienten aún como un producto de su tiempo, y no han envejecido bien. A la hora de retomar películas universalmente queridas y veneradas, es importante alejarse un poco y mirar detenidamente qué ideas se mantienen vigentes y cuáles no, y que ese respeto y cariño se refleje al evolucionar la historia para mantenerla actualizada.

Este remake se apoya demasiado en la nostalgia y el cariño que se le tiene a la película original, y toma el camino fácil apelando al recuerdo que el público tiene de ella. Lamentablemente, es difícil que el público actual recuerde esta película en veinticinco años más con el mismo cariño con que las generaciones anteriores lo hacen con la película original.


Título Original: The Lion KingEl Rey León

Director: Jon Favreau

Duración: 118 minutos

Año: 2019

Reparto: (Voces) Keegan-Michael Key, Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, James Earl Jones, John Kani, Billy Eichner, Alfre Woodard, Florence Kasumba, Beyoncé


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