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Hitchcock

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A estas alturas, el nombre de Alfred Hitchcock debería ser considerado como sinónimo de cine. Desde su primer largometraje silente a “Family Plot”, su último film, el legado que dejó en el lenguaje cinematográfico está fuera de toda duda, y sus películas ocupan los rankings históricos de lo mejor del séptimo arte. Además, para una época en donde aún no se consolidaba al cine como arte, su firma terminó por consolidar la visión del director como autor, con integridad, obsesiones y técnicas únicas. Incluso, y es quizás el punto que lo diferencia de otros expertos de la cámara, sí fue un éxito de taquilla, sus cintas eran esperadas por fanáticos, repetidas en ciclos de cine y en la televisión, gozando de muy buena salud en el mercado del video digital casero.

DSC_8713.NEFEstá claro, este texto no pretende ocultar el fanatismo de su autor, quien considera a Alfred Hitchcock el mejor director de cine de la historia. Parece justificarse, ante un personaje de tal prestigio y fama, el temor que podría significar llevar su vida a la pantalla grande. Este es el riesgo que toma Sacha Gervasi, al mostrar la gestación de una de las tantas obras maestras de Hitchcock: “Psycho” (1960).

Luego del éxito de taquilla y crítica que le significó “North By Northwest”, ya metido en el negocio de la TV y en la cumbre de su carrera, Alfred Hitchcock (Anthony Hopkins) siente el peso de los años, junto al largo matrimonio con Alma Reville (Helen Mirren) y la necesidad de reinventarse en un nuevo proyecto, algo casi imposible para un director respetado por la crítica, el público y la industria. Por eso se la juega por una historia sin mayores luces, una novela menor de un psicópata serial obsesionado con su madre, para filmar “Psycho”. Sin embargo, y tal como el mismo Hitchcock lo dice, “se es tan buen director como la última película que has hecho”, las presiones del estudio, la búsqueda del financiamiento y los problemas personales le empiezan a jugar en contra, con lo cual tendrá que HITCHCOCK 02poner a prueba toda su creatividad, con el apoyo y complicidad de su mujer Alma.

Quizás porque finalmente hacer cine es un juego y un placer, la película nunca pierde el tono de comedia. Algo que comparten muchos relatos en el abismo, donde se retrata el periplo de un creador para sacar adelante una obra. Acá, al contrario de obras como “8 ½” o la hace poco exhibida “Siete Psicópatas”, la ficción que se levanta en pantalla es la realidad, y funciona a modo de spoiler. Ya sabemos, hasta cierto punto, que la obsesión que captura a Hitchcock desde que conoce la historia de Ed Gain será llevada a buen término, y con resultados magníficos.

Por esta razón, la historia está centrada más en la relación de Hitchcock con su mujer. Ahí está el punto más interesante del metraje, donde se construye el conflicto central, y donde se descubren las mayores sorpresas. Porque todos los que nos hemos obsesionado un poco con el séptimo arte, HITCHCOCK 03sabemos la sombra que proyecta el director británico en demasiados aspectos del quehacer fílmico, en casi todos podría decirse. Pero muy pocos saben o intuyen la influencia capital que tuvo Alma en su obra, desde ser el filtro de sus proyectos, correctora de sus guiones, asistente de dirección, e incluso editora.

Más allá del propio descubrimiento histórico de la figura femenina en la vida de Hitchcock, no deja de ser interesante cómo el papel de Hellen Mirren está integrado en el relato, de una forma que lo haría naufragar sin su presencia. Parece ser que, tanto en las películas como en la supuesta “vida real” que construye Sacha Gervasi sobre el cineasta, los temores y miedos están más dentro de la mente que en el mundo real. Es justo cuando Alma se distancia de su marido, que el genio creativo comienza a ser dominado por una imaginación peligrosamente fecunda, a tal punto de albergar todas esas pulsiones que luego liberaban sus protagónicos en el celuloide. Alma es, en la vida de Hitchcock, quien lo mantiene con los pies en la HITCHCOCK 04tierra, algo esencial para el proceso creativo; en contraparte, es Mirren la encargada, con una actuación contenida, enigmática y difícil de descifrar, la que controla el ritmo de la narración, y la que encausa los últimos 30 minutos del metraje.

Dejando de lado todo el entuerto que significó sacar adelante una de las obras cumbre de “maestro del suspenso”, y tal como se adelantó en líneas anteriores, la comedia cruza toda la cinta, desde el principio hasta el final, algo que se agradece. Es común en la crítica cinematográfica una tendencia a tomarse muy en serio el cine, y a cargar a los directores de fobias, manías y otras trancas, que en la realidad –al parecer- no existieron como tal. El Hitchcock de Gervasi, interpretado casi miméticamente por Hopkins, es un viejo bromista, llevado de sus ideas, con una ironía elegante, que dedicó su vida a otear, desde un rincón, las reacciones de la gente. Quizás esa es la diferencia entre el genio y las personas normales: los primeros usan el arte para sublimar las emociones que, finalmente, todos tenemos.

Por Juan Pablo Bravo

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Cine

3 Anuncios Por Un Crimen

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3 Anuncios Por Un Crimen

El director inglés Martin McDonagh ha probado con astucia en dos producciones –”In Bruges” (2008) y “Seven Psychopaths” (2012)– la manera para desarrollar una aguda comedia negra que puede ser entretenida e inquietante a la vez. Su última producción, “3 Anuncios Por Un Crimen”, reciente ganadora del Globo de Oro a la Mejor Película Dramática, se adentra sin miedo en un relato crudo y visceral sobre la violencia, el abuso y la injusticia en tiempos donde la discusión sobre estos temas sigue vigente.

Mildred Hayes (Frances McDormand) ha esperado por meses que se encuentre al culpable del brutal asesinato de su hija. Cuando ya no parece haber respuesta, decide publicar tres grandes anuncios en el camino hacia su pueblo con controversiales mensajes dirigidos hacia el jefe de policía, William Willoughby (Woody Harrelson). Así, Mildred inicia una batalla en contra de las autoridades, destapando la ineficiencia del sistema policial.

“3 Anuncios Por Un Crimen” se centra en el dolor y las consecuencias alrededor de una muerte en medio del desconsuelo de una madre, pues es a través de ella que se canaliza la aflicción y la rabia que la motivan a iniciar una incesante búsqueda de justicia. Mildred es un personaje complejo, que va mostrando sus capas paulatinamente, siendo su carácter impulsivo e impetuoso el causante de provocar decisiones poco predecibles y que pondrán en jaque al resto de los personajes. Gracias a la interpretación de Frances McDormand, Mildred parece real; es una persona que también falla y se ha construido a partir de estas imperfecciones, pero su determinación la hace parecer implacable. La muerte de su hija la empuja a endurecerse aún más, actuando desde el sufrimiento, pero nunca asumiéndose como víctima; por el contrario, toma el control con valentía, enfrentándose a un sistema que se siente capaz de doblegarla, donde su resistencia la hace persistir.

El brutal crimen no sólo trae consecuencias en el núcleo familiar de la joven, sino que repercute en todo el pueblo. La lucha que ha iniciado Mildred está dirigida principalmente hacia la policía del lugar, quienes representan la corrupción moral y la falla estructural de un sistema que no está funcionando, provocando la frustración y decepción de quienes habitan el lugar, quienes han normalizado este fracaso, asumiendo este funcionamiento e incluso cuestionando el actuar de la protagonista.

A través de dos personajes secundarios lo suficientemente fuertes para acompañar este crudo relato, la batalla entre la justicia y el abuso de poder se hace evidente. Por un lado, el jefe de policía es un hombre que cree poseer una amplia compresión del contexto en el que están insertos, pero que asume con decepción el fracaso del sistema, por lo que sus intentos por cambiarlo no parecen ser los suficientes y, aunque comprende el sufrimiento de Mildred, mira con reticencia sus acciones. Por otro lado, el oficial Dixon (Sam Rockwell) es quien encarna el discurso más incómodo de digerir, y que a la vez simboliza de manera tangible uno de los cuestionamientos más complejos del relato.

Las temáticas que la cinta trabaja podrían cargarla hacia un drama pesado y abrumador, pero son los respiros de su humor agudo los que la hacen tomar pausas y situarla como una comedia negra alrededor de un tema sensible. Es a través de diálogos incómodos, mediante el uso de un lenguaje fuerte y desvergonzado, donde abundan los comentarios racistas y sexistas, y planta su naturaleza provocadora y controversial. Sin embargo, estas situaciones se hacen cargo de lugares olvidados y socialmente rechazados desde sus bases. Si bien, este filme no hace un análisis en profundidad sobre el tema, existe la intención de entender su origen y abrir el diálogo hacia la comprensión del contexto sociopolítico de los personajes. En ese sentido, la evolución de uno de sus caracteres lo empuja hacia la redención, situando al espectador en una posición incómoda, donde se nos pide que el concepto de empatía prevalezca, en una cinta en que no se pide ni se entrega perdón.

“3 Anuncios Por Un Crimen” no pasa desapercibida y puede ser una cinta difícil de ver cuando su premisa resulta ser tan delicada, pero la discusión que arma alrededor la vuelve necesaria. En ese sentido, reflexiona bruscamente sobre la violencia, sin pretensiones de enseñar una lección moral. Pone a la frustración y la injusticia al centro de una historia que se cruza y choca con la tolerancia frente a ideas y discursos, donde la empatía se vuelve fundamental para explorar en mayor profundidad los síntomas de una sociedad que sin duda está cambiando.


Título Original: Three Billboards Outside Ebbing, Missouri

Director: Martin McDonagh

Duración: 115 minutos

Año: 2017

Reparto: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Lucas Hedges, Peter Dinklage, John Hawkes, Abbie Cornish, Caleb Landry Jones, Brendan Sexton III, Samara Weaving, Kerry Condon


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