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Historias de Ultratumba Historias de Ultratumba

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Historias de Ultratumba

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Andy Nyman y Jeremy Dyson se dieron a conocer en 2010 con su obra teatral “Ghost Stories”, la cual logró alta notoriedad en Inglaterra al ser una obra de horror que, según críticos y entendidos del género, era capaz de sorprender y sobresaltar al público con revelaciones orquestadas de manera chocante. Con tal augurio entre manos, ambos directores y escritores adaptaron el guion original con tal de llevar su horror a la pantalla grande. Hoy, con “Historias de Ultratumba” los creadores revelan un minucioso trabajo para turbar a la audiencia en un relato visual con más sustos de lo esperado, no obstante, su experimento está algo lejos de lograr el objetivo final.

El profesor Phillip Goodman (Andy Nyman), anfitrión de un programa televisivo que desenmascara supuestos encuentros con el más allá, comienza a investigar tres extraños casos todavía sin resolver. Involucrándose en las historias, Goodman irá descubriendo que muchas veces la lógica no es capaz de explicarlo todo.

Con la premisa de que “nuestro cerebro ve lo que quiere ver”, esta cinta que mezcla horror, suspenso y misterio en forma de un rompecabezas, avanza desde el primer momento manteniendo un enigma por la espalda, el que va creciendo acorde vamos conociendo más detalles guiados por el protagonista. Es este método algo detectivesco e intuitivo el que cobra relevancia a la hora de ir involucrándonos hacia la trama detrás de cada uno de los casos presentados, y el que logra mantener la atención en lo que, de otra manera, sería una nueva adición a las otras cientos de películas del mismo tipo.

Mas hay un gran detalle casi imposible de evadir: desde los primeros minutos existe un elemento perceptible y evidente que, de alguna manera, ensucia una de las grandes sorpresas que veremos ya avanzada la trama. Sea esto un recurso intencional o no, al menos hay otros tres giros tanto o más relevantes si entramos a comparar, pero este “percance” ciertamente no puede obviarse durante la mayor parte de la película y dificulta dirigir la atención hacia otros elementos de mayor peso circunstancial.

Cada historia que el personaje principal estudia –encarnado con bastante falta de carisma por uno de los directores– nos presenta una perspectiva sobre los clichés que por años han acompañado los relatos sobrenaturales, ofreciendo interesantes reveses en uno más que en otros. Las tres desde disposiciones masculinas –un vigilante nocturno, un adolescente inusual y un alto ejecutivo– se dejan caer en las tumultuosas aguas del efectismo simple e irremediable que inundan este tipo de filmes, las que por supuesto logran asustar momentáneamente, pero no alcanzan a interceder más allá de un simple movimiento ordinario del horror tradicional. Incluso con una vaga idea de lo que puede estar ocurriendo, la evidente falla en cuanto a efectos prácticos y un poco en post-producción profesan una obra visualmente frustrada, la cual es posible imaginar de mejor manera en teatro más de lo que finalmente se atestigua bajo el proyector.

Cuento aparte es la legendaria actuación del joven Alex Lawther, a quien hemos podido ver en producciones de streaming como “Black Mirror” (2011), “The End Of The F***ing World” (2018) o como el joven Turing en “The Imitation Game” (2014). Con su rostro particular y su enérgica vibra oscura, nuevamente nos sorprende con una interpretación al borde del trastorno físico y la locura mental.

Con más ruido que satisfacción, “Historias de Ultratumba” triunfa como una historia experimental en el género cinematográfico de horror, incluso con varios guiños hacia sus predecesoras de culto, pero se derrumba antes de ser una cinta para ser recordada o alabada por su inteligente o especial relato. Lo positivo es que más de algún vuelco en el argumento ayudará a que la hora y media avancen mucho más rápidamente de lo esperado.


Título Original: Ghost Stories

Director: Jeremy Dyson y Andy Nyman

Duración: 98 minutos

Año: 2017

Reparto: Martin Freeman, Alex Lawther, Jill Halfpenny, Andy Nyman, Paul Whitehouse, Nicholas Burns, Daniel Hill, Kobna Holdbrook-Smith, Jake Davies, Ryan Oliva, Derren Brown


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El Rey León

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El Rey León

“The Lion King” de 1994 es sin duda una de las películas de Disney más veneradas y queridas de todos los tiempos. Y se nota que Jon Favreau siente este mismo respeto y cariño por ella, ya que esta nueva versión incluye mucha de la imaginería de la película original, además de enaltecer y volver incluso más épicos varios momentos. Sin embargo, es el mismo cariño y respeto por la película noventera lo que impide que este remake logre sostenerse por sí mismo, veinticinco años después, y hace que se sienta anticuado.

La historia está ambientada en una versión idealizada de la sabana africana, donde el rey león Mufasa (James Earl Jones) intenta mantener el equilibrio natural de la cadena alimenticia, el Círculo de la Vida. Cuando nace su hijo Simba (Donald Glover) y se transforma en el próximo heredero al trono, Scar (Chiwetel Ejiofor), hermano del rey, decide asesinar a Mufasa para quedarse con el trono. Simba se ve obligado a escapar siendo un cachorro, y Scar se transforma en un rey déspota y despiadado. El príncipe deberá, entonces, reencontrarse con su identidad para volver a su hogar a restaurar el balance.

La historia es simple y fácil de entender, pero sus personajes y temáticas son tratadas de forma cuestionable veinticinco años después de la película original. Mientras que durante los últimos diez años muchas películas infantiles han volcado sus valores y temáticas hacia la acogida de lo diferente y la empatía por los demás, como “Ratatouille” (2007) o “Paddington” (2014), y la aceptación de uno mismo tal cual es, como en “Frozen” (2013), “El Rey León” tiende casi a ideas opuestas.

Durante gran parte de la película se idealizan la fuerza física y la valentía, igualándolas con justicia y virtud en Simba y particularmente Mufasa, mientras que la debilidad física se iguala con el engaño y maldad, a través de las figuras de Scar y las hienas. Se subentiende que estos personajes, al ser inherentemente inferiores, deben recurrir a trampas y engaños para ser capaces de vencer. Estas ideas no sólo se sienten anticuadas, sino que además generan personajes unidimensionales, cuya única característica reside en qué extremo de ese espectro residen.

Por otro lado, una de las principales temáticas de la película es el concepto de identidad, que es explorado a través del viaje de Simba. Sin embargo, su arco es tratado de forma menos que óptima, ya que su evolución se da por procesos internos, sino que a través de estímulos externos. No es él quien se encuentra a sí mismo, sino que son otros los que le dicen quién debe ser y qué debe hacer para transformarse en ello. Esto hace que su cambio se sienta vacío, y por otro lado entrega ideas problemáticas sobre la relación entre identidad y deber, ya que nunca le es dada a Simba la elección de qué hacer y quién ser. Estas dos ideas, el deber ser por sobre el querer ser y la virtud en la fuerza física, no han envejecido bien y se sienten anticuadas, y hacen que narrativamente la película se sienta de igual manera.

Visualmente la cinta funciona bastante bien. Los modelos 3D se sienten realistas y la imaginería tiene un gran poder visual. Tal como Favreau quiso, se siente tan épico como un documental de naturaleza de la BBC, sin embargo, es el mismo realismo en los modelos de los personajes lo que afecta negativamente a la hora de generar conexión emocional con la audiencia, ya que los animales resultan poco expresivos. Esto es algo que se nota particularmente en escenas de alto nivel emocional, como la muerte de un personaje, ya que las reacciones de los demás no alcanzan a estar a la altura debido a su falta de expresión. Además, esto se ve mezclado con una mala elección de casting vocal, particularmente en el caso de Simba en su adultez. Donald Glover puede funcionar muy bien frente a cámara, pero su voz suena plana y poco expresiva. Esto, mezclado con la falta de emoción en el rostro de Simba, hace que la audiencia se aleje incluso más del protagonista y su evolución como personaje.

Finalmente, más allá sus debilidades técnicas y de dirección, “El Rey León” falla principalmente por no atreverse a desafiar los conceptos narrativos y temáticos de la película original. Sus ideas, valores, beats narrativos y personajes se sienten aún como un producto de su tiempo, y no han envejecido bien. A la hora de retomar películas universalmente queridas y veneradas, es importante alejarse un poco y mirar detenidamente qué ideas se mantienen vigentes y cuáles no, y que ese respeto y cariño se refleje al evolucionar la historia para mantenerla actualizada.

Este remake se apoya demasiado en la nostalgia y el cariño que se le tiene a la película original, y toma el camino fácil apelando al recuerdo que el público tiene de ella. Lamentablemente, es difícil que el público actual recuerde esta película en veinticinco años más con el mismo cariño con que las generaciones anteriores lo hacen con la película original.


Título Original: The Lion KingEl Rey León

Director: Jon Favreau

Duración: 118 minutos

Año: 2019

Reparto: (Voces) Keegan-Michael Key, Donald Glover, Seth Rogen, Chiwetel Ejiofor, James Earl Jones, John Kani, Billy Eichner, Alfre Woodard, Florence Kasumba, Beyoncé


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