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Francofonia

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La preocupación del reconocido cineasta ruso Alexander Sokurov por el arte, la política y la historia, ha permeado transversalmente su filmografía. Y ya sea en formato documental o en ficción, el ahínco por explorar preguntas que se extienden más allá de la cinta que utiliza como excusa para plantearlas se mantiene de forma crítica y valiente. Su película más reconocida es “Russkiy Kovcheg” (“El Arca Rusa”, 2002), famoso plano secuencia de más de 90 minutos, donde se recorría el Museo del Hermitage en San Petersburgo, y sobre esa línea no sorprende que el foco de “Francofonia” sea el museo del Louvre, desde el cual esta vez se posiciona.

“Francofonia” se despliega como un documental en partes ensayístico, que utiliza diferentes recursos para hacer reflexiones sobre el propósito del arte y su relación con la historia, en este caso la Francia de la Segunda Guerra Mundial. La línea central especula sobre la relación entre Jacques Jaujard (Louis-Do de Lencquesaing), director del museo del Louvre en 1940 y el conde Wolff-Mettenrich (Benjamin Utzerath), designado por Hitler para hacerse cargo del museo durante la ocupación alemana en París. Fueron reuniones poco documentadas y el director -que opera también como narrador- reconoce en uno de los varios momentos autorreferenciales de la cinta que son sus propias conjeturas las que está recreando con la ayuda de actores.

Otra de las líneas narrativas incluye al mismo Sokurov comunicándose por videollamada con un hombre en un barco a cargo de containers con piezas de arte; el bote amenaza con volcarse y las obras con perderse. Es lo que incita la reflexión sobre aquel período durante la guerra en que París se vio ocupada –sin mayor resistencia comparado con Rusia, plantea Sokurov– y que lo lleva a divagar sobre el propósito de la preservación de piezas de arte. Recalca la insistencia europea por plasmar su historia en edificios, pinturas y esculturas, y desde allí lo fundamental de la misión de resguardar y proteger las obras en momentos en que peligran.

Jaujard enfrentó complicaciones éticas al seguir trabajando en el museo tras la ocupación alemana, pero continuó por la razón mayor de proteger parte de la historia francesa. Por su parte, Wolff-Mettenrich se metió en problemas por excusarse mediante burocracia para no llevar las piezas a Alemania y mantenerlas seguras en lugares ocultos. Sokurov parece insinuar que ambos entendían que el arte viviría más allá de cualquier guerra, y ocupa también a Napoleón y una figura que representa al país de Francia para enseñar las distintas razones por las que se hizo necesario el Louvre en primer lugar. Los estados no pueden vivir sin museos, sin reflejos de su historia y las personas que pasaron por ella y cómo estos vivieron. Si los artistas crean identidad, los museos la preservan, y nunca fue más importante esa función que en tiempos de una guerra que amenazaba con destruir la identidad de distintas naciones para imponer la de una sola.

Pero hablar de cómo la guerra afecta al arte parece reductivo para una película que es más ambiciosa en las inquietudes que plantea. “Franconfonia” es crítica, reflexiva, solemne y compasiva, y si a veces no parece tener una dirección clara, es por la inmensidad del tema que explora y las preguntas que Sokurov busca que el espectador se haga. Se destaca la intención de un director que se ha dedicado a un cine distinto y con un fin noble, que nos remece para recordarnos el no dar por sentado instituciones que han velado por proteger la historia, incluso cuando no era fácil hacerlo.

Por Ignacio Goldaracena

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Coco

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Coco

Pixar ha demostrado con cada uno de sus estrenos la capacidad que existe para mezclar universos narrativos complejos, que logran conectar profundamente con el espectador, y una construcción visual que sirve como escenario perfecto para desarrollar estas historias. “The Good Dinosaur” (2015) fue la última cinta con una historia original antes de dar paso a “Finding Dory” (2016) y “Cars 3” (2017), instaladas en universos ya conocidos por el público. Por lo tanto, la llegada de una nueva historia con personajes desconocidos crea la expectación necesaria para el estreno de “Coco”, cinta basada en la festividad mexicana de Día de Muertos y que pretende ser un fiel reflejo de la cultura de aquel país.

Miguel es un niño de doce años que sueña con convertirse en un gran músico, pero los conflictos del pasado han hecho que la música sea prohibida en su familia, cuya tradición es la zapatería. Justo en la noche de Día de Muertos, Miguel viaja mágicamente a la Tierra de los Muertos, donde descubrirá historias de su pasado familiar que lo acercarán a su sueño.

Retratar una cultura ajena aparenta ser un gran desafío al transitar entre el homenaje y los estereotipos. Afortunadamente, esta cinta logra retratar las tradiciones de la cultura mexicana, teniendo un particular cuidado con los detalles que componen el pueblo ficticio de Santa Cecilia, donde todo parece real y puesto de tal manera, que sirva como fiel reflejo de lugares en el que abundan tradiciones. Por lo tanto, la celebración de Día de Muertos sirve como pretexto perfecto para simbolizar visualmente estas ideas, a ratos recordando a “The Book Of Life” (2014) –cinta basada en la misma festividad–, pero profundizando mucho más en las razones de ella, donde las flores conocidas como cempasúchitl, el papel picado y las ofrendas adornan también la pantalla.

La historia gira en torno a Miguel y su sueño de ser músico, quién en un pequeño y escondido cuarto en el entretecho de su casa da rienda suelta a su pasión, mientras practica guitarra sin que nadie pueda oírlo. Y a pesar de su estrecha relación familiar, la oposición de estos hará que él forme un carácter obstinado y perseverante. Así, su pasión por la música será lo único que pueda ayudarlo cuando quiera encender una llama inerte en su familia, una que tiene que ver con el perdón y el olvido. Miguel emprenderá el viaje del héroe para poder alcanzar sus sueños, pero aprendiendo más de lo que esperaba.

El primer acto de este relato está centrado en explicar el contexto familiar del protagonista, pero una vez que llega el día de la festividad y sorpresivamente Miguel logra cruzar a la Tierra de Los Muertos, la cinta arranca rápidamente en un viaje lleno de atractivos visuales, con un trabajo de animación que caracteriza al estudio y que se manifiesta al crear un original y colorido mundo, el que se asemeja a una ciudad, pero exacerbando sus atributos y fantaseando con la idea de la vida después de la muerte. Este lugar poblado de magia, donde se pasean los esqueletos de difuntos y alebrijes que cobran vida, es el escenario para que Miguel se encuentre con antiguos miembros de su familia, quienes intentarán llevarlo al mundo de los vivos, pero las condiciones de este hecho podrían acabar con su sueño para siempre, por lo que emprende una cruzada para volver, a su manera y arriesgando el apoyo de su familia.

En un principio su propuesta narrativa podría parecer simple, pues la dicotomía entre el sueño del protagonista y su deber familiar o social es una temática que ya ha sido trabajada en cintas animadas, sin embargo, una de las características de Pixar es sorprender con la sólida construcción de una historia que logre emocionar a partir de un entramado narrativo que va encajando piezas hábilmente. Y aunque a veces se toman decisiones que podrían ser predecibles y el desarrollo de su antagonista quede un tanto débil, la sorpresa y las situaciones conmovedoras están garantizadas y bien trabajadas para no parecer superficiales.

Basada en aquella festividad mexicana, es inevitable que la muerte esté presente como temática, pero no lo hace desde un punto de vista lúgubre y distante, más bien se concentra en los recuerdos y cómo estos conforman los lazos humanos y, sobre todo, familiares. Tal como en “Kubo And The Two Strings” (2016) acá se trabajan con delicadeza estas temáticas: la familia también está puesta al centro, pero alrededor ronda el perdón, el olvido y cómo ciertos sacrificios son realizados con el propósito de fortalecer aquellos lazos cuando se busca el bienestar desinteresado del otro.

“Coco” destaca principalmente por su detallada construcción narrativa, la que entrega como resultado una historia emotiva, centrada en la familia, con personajes carismáticos que otorgan momentos de diversión, insertos en un mundo que mezcla la realidad y la fantasía. Y, al mismo tiempo, capturando gracias a su un encanto visual un claro homenaje a México y sus tradiciones.


Título Original: Coco

Director: Lee Unkrich y Adrian Molina

Duración: 109 minutos

Año: 2017

Reparto: Animación

 


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