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Ella

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El futuro en el que Spike Jonze sitúa “Ella” –su más reciente película como director y su primera como guionista exclusivo- se siente como algo perfectamente verosímil. Es lo suficientemente lejano como para presentar personajes que interactúan de formas más avanzadas que nosotros, pero lo suficientemente próximo como para que los dilemas que estos enfrentan sean los mismos que nos afligen actualmente.

HER 01Es así como su protagonista, Theodore Twombly (Joaquín Phoenix), tras recientemente haberse separado de su esposa y encontrarse retraído en una nostálgica monotonía, busca llenar ese vacío con tecnología que le promete compañía y comprensión. El resultado es la adquisición de Samantha (voz de Scarlett Johansson), un sistema operativo con la capacidad de procesar infinita información, comunicarse e incluso interactuar. Sin creer estar preparado para una relación humana, y con la inquisitiva presencia de Samantha demostrando interés por todo lo que la rodea, hombre y máquina comienzan a enamorarse y forman una relación.

Scarlett Johansson interpreta a Samantha –divertida, ansiosa, devastadora- con el entusiasmo de alguien que no conoce el miedo ni las inseguridades, ya que no ha vivido lo suficiente como para encontrarse con ellos. Su personalidad es justamente lo que Theodore necesita, y a pesar de no aparecer físicamente en ningún cuadro de la película, su voz hace que el personaje logre instalarse como una presencia creíble, dotando a la relación de una verosimilitud inquietante y sugiriendo que esta podría desarrollarse de la misma manera si estuviera compuesta por dos personas.

HER 02Más allá de hacer una parodia o una crítica a nuestra relación con la tecnología, Jonze extiende la descabellada premisa inicial impidiendo que se agote, sin dejar ninguno de los rincones de esta idea sin explorar, dotándola de sentimiento y dando giros a la historia que demuestran que es más que lo que su sinopsis sugiere. Y es ahí donde radica el valor de “Ella”: en que logra trascender la premisa “hombre se enamora de computador” más allá de su relativa simpleza, tanto estructural como temáticamente.

En cuanto a estructura, la cinta se divierte con esta situación anecdótica inicial, pero pronto avanza más allá, complejizándola y sorprendiendo en el proceso, y el foco deja de estar en la posibilidad de que un amor tan inusual pueda existir y pasa a situarse en lo que tienen que aprender el uno del otro y cómo sobrellevar una relación semejante, cuyas complicaciones tienen raíces en las mismas inseguridades y demonios que acechaban al protagonista en sus relaciones anteriores, por más humanas que fueran

HER 04Y, temáticamente, Jonze utiliza dicha premisa como mera herramienta para explorar aspectos mayores y más universales, y así “Ella” deja de ser una película sobre el amor entre un hombre y su sistema operativo y se convierte en una historia sobre los compromisos que hacemos y lo lejos que estamos dispuestos a llegar para ser felices. Theodore, después de mucho tiempo de aislamiento, empieza a atreverse a salir de su zona de confort y permitirse a sí mismo experimentar nuevas situaciones y reencantarse con la vida. “Estamos en la tierra brevemente”, le responde una amiga cuando él pide su consejo, “…y mientras estoy aquí quiero permitirme ser feliz”. Como mensaje, eso trasciende.

“Ella” es una película llena de ideas, rebosante de ellas, todas como pequeñas cápsulas dentro de la película, pero alineándose para apuntar hacia lo mismo. Estas ideas dan forma a la historia y transmiten los temores del protagonista, yendo desde el ensimismamiento, al que al parecer nos encaminamos inevitablemente, hasta cómo nos comunicamos con quienes nos rodean, el significado que le damos a nuestro pasado y el miedo que genera el pensar que ya sentimos todas las emociones y sensaciones que la vida tenía para ofrecernos.

HER 03La fotografía refuerza este aspecto y apunta a la evocación del sentir. A pesar de lo planas y genéricas que se quiere hacer ver las calles de este Los Angeles futurista y los ordenados interiores teñidos de tonos pasteles y grises, la cámara aquí busca capturar sensaciones y emociones, llamar la atención a cada detalle, deteniéndose en texturas –una partícula de polvo, las gotas de agua en la ducha- y haciendo vívidos momentos, realzando un mundo que Theodore puede sentir, pero en el que Samantha jamás se va a encontrar.

Conmovedora, divertida, inteligente y reflexiva, “Ella” exige solamente que suspendamos la incredulidad para demostrarnos que las historias de amor pueden existir en cualquier forma y empaque, y el mensaje que quiere transmitir una película puede hacerse presente hasta en las premisas más inusuales. Son la maestría y originalidad de un director las que las dotan de verdadera belleza, y Spike Jonze se vale de la ciencia ficción no por su aparataje, curiosidad o atractivo, sino con el fin de contar de forma original y novedosa algo que puede ser tan simple como la historia de alguien que quiere ser feliz, y se permite hacerlo.

Por Ignacio Goldaracena

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2 Comentarios

2 Comments

  1. Mariana (@Lady_Mari)

    26-Feb-2014 en 12:16 pm

    Muy buen comentario!! La vi el lunes y refleja completamente mi percepción. Linda película 🙂

  2. Carlos Navarro

    27-Feb-2014 en 9:36 am

    Es una buena película con originalidad es cierto, pero con deficiencia en el mismo aspecto en el asunto de fondo (no escapa de un tema muy retratado, pero pasa a ser un detalle). Por otra parte esta crítica es interesante, sin embargo, puede que hierre en su premisa principal (“hombre se enamora de máquina”) y esta debiese ser realmente “la soledad y lo sustituible de las relaciones humanas así como su futilidad”, quizás de esa perspectiva se hubiese logrado otra perspectiva del film, por lo tanto, seguiré buscando otros análisis. Es probable que el cine no hable mucho más de esta película, pero si la sociología y hasta la filosofía. Inteligente crítica de todas formas. Saludos.

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Artículos Cine

Star Wars y el auge de los efectos visuales

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Star Wars

Desde prácticamente siempre, ha existido un odio irracional hacia las precuelas de Star Wars, aquella trilogía de películas que estrenada entre 1999 y 2005 que prometía conectar todos los hilos en torno a la historia que George Lucas iniciara en 1977. Amparado bajo una segunda explosión de popularidad de la saga, el director comenzó a principios de la década del 90 lo que sería la concepción de una idea que ya tenía cuando trabajaba “El Imperio Contraataca”, y que, según sus propias declaraciones en múltiples ocasiones, no le era posible filmar debido a las limitancias tecnológicas propias de la época. Así, el desarrollo del CGI hizo que Lucas pudiera adentrarse en la realización de una nueva trilogía, donde, más allá de su cuestionado argumento e innecesaria creación de fallas argumentales para la saga original, terminó por transformarse en una revolución gracias al elemento que fue más destacado por la crítica: los efectos especiales.

Fue en 1997 cuando comenzó el rodaje de “La Amenaza Fantasma” (1999) y, aunque se mantuvieron algunos elementos como la marioneta de Yoda y una utilización de escenarios reales con un cuidado diseño de producción, la transición se fue desarrollando de manera natural a lo que terminaría siendo “El Ataque de los Clones” (2002) y “La Venganza de los Sith” (2005), donde el uso de fondo verde fue más prominente que en ocasiones anteriores. Como dato curioso, y para reforzar la idea de que la animación digital fue el elemento principal de estas cintas, es sabido que no se construyó ni una sola armadura de trooper durante las tres películas, con dichos modelos siendo todos creados por computadora. A pesar de que el uso de CGI ya se había presenciado en otras películas previas –probablemente “Jurassic Park” (1993) siendo el caso más reconocido–, su utilización dentro de la producción de Star Wars significó todo un precedente, gracias a un innovador software donde se crearían los efectos visuales, al punto de que en la primera cinta existe una sola secuencia que no contiene efectos digitales.

A veinte años de su estreno, los efectos visuales en el cine son cosa de cada día, con prácticamente la totalidad de las cintas más taquilleras utilizándolo en su mayoría, lo que en un espectro más crítico ha terminado por omitir en el espectador el deseo de intentar diferenciar qué es real y qué no al momento de mirar una película. Asimismo, los directores actualmente pueden gozar de la misma libertad que Lucas describió a la hora de realizar las precuelas, pudiendo crear un guion a su antojo sin preocuparse de restricciones en torno a la producción, el desarrollo de personajes y, sobre todo, la creación de mundos y criaturas tan fantásticas como se ha caracterizado la saga desde sus orígenes. Todo lo anterior permitió también una reducción en los tiempos de rodaje, comenzándose a producir blockbusters en masa gracias a la implementación de la fotografía digital, y el uso de cámaras digitales que permiten grabar sin la necesidad de revelar el celuloide, pudiendo así montar y modificar escenas de una manera mucho más rápida.

Ya con la trilogía original Lucas había innovado en una serie de técnicas cinematográficas que eran prácticamente desconocidas para la época, pero todo ese trabajo fue opacado en cierta forma gracias al abrumador éxito que la saga tuvo más allá de la pantalla, transformándose en un icono de la cultura pop gracias a la explosiva venta de juguetes y una creciente popularidad que nunca decayó en el período de 1977 a 1983. Y es así como las tecnologías fueron evolucionando en pos de una saga que desde sus orígenes buscó una forma de deslumbrar y crear experiencias nunca vistas, algo que sin duda se logró con todos los contratiempos que pueda significar. Pasar de un aproximado de 365 tomas con efectos visuales en la primera cinta de 1977 a las más de 2200 que tiene la última de la era Lucas en 2005, habla de una necesidad de incorporar la tecnología con el fin de contar historias, derribando límites y permitiendo que la creatividad e imaginación de los realizadores pueda verse reflejada en la gran pantalla.

Hoy en día, con una nueva trilogía que llegará a su fin este 19 de diciembre, se puede ver como las técnicas de las otras seis entregas se van complementando para darle un romanticismo a la producción, omitiendo de plano un uso totalmente digital para seguir incluyendo animatronics, marionetas, maquillaje y otras técnicas de producción. Sin embargo, es imposible no reconocer el trabajo e influencia de George Lucas en el desarrollo del cine de fantasía como lo conocemos hoy en día y, más allá de cualquier falencia narrativa que haya cometido en sus cuestionadas precuelas, el cine y la tecnología comenzaron una relación que ha beneficiado tanto lucrativa como creativamente a la industria.

  • Star Wars: El Ascenso de Skywalker” se estrena el próximo 19 de diciembre. Preventa AQUÍ.

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