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Cine

El Arte de la Guerra

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“El Arte de la Guerra” es una película de artes marciales, pero también es una película de Wong Kar Wai. A primera vista, ambos factores parecen no combinarse bien y  resulta intrigante que el director chino, conocido principalmente por sutiles dramas románticos, eligiera este género para su más reciente película: la historia varias veces documentada de Ip Man, un maestro del kung fu del sur de China.

YI DAI ZONG SHI 01Ip Man (Tony Leung Chiu Wai) nació rico y luego vivió pobre, fue un maestro de las artes marciales y luego un profesor de las mismas. Vivió hasta los 80 años, pero la película se centra en 20 de ellos, desde que el hombre es elegido como el nuevo gran maestro del sur hasta su partida de la región por la invasión japonesa que lo lleva a perder todo. Conoce a Gong Er (Zhang Ziyi), la hija de un maestro retirado del norte, pero la guerra los mantiene separados mientras cada uno se enfoca en su propio viaje.

La importancia del kung fu para Wong está en sus fundamentos, en el honor y en su trascendencia, no en el potencial entretenimiento que se puede obtener de presenciarlo. Las escenas de peleas abundan, silenciosas y sutiles, no siempre como enfrentamientos, a veces como muestra de reverencia entre ambos contrincantes. El director busca alejarse de estas escenas como simples muestras de acción –algo atípico en una película de artes marciales, si es que consideramos a “El Arte de la Guerra” como tal- y busca dotarlas de belleza en su composición, iluminación y significado.

YI DAI ZONG SHI 02Lo hace en cámara lenta y en cámara rápida, con un montaje intenso pero pausado, creando una coreografía que puede confundirse con un baile si uno olvida que es realmente una pelea. Wong entiende el kung fu como un arte y es en su estética en la que decide enfocarse. Construye estas danzas en la que los movimientos físicos son tan relevantes como el entorno en donde se llevan a cabo, con la atención tanto en los luchadores como en sus pies desplazándose por el espacio, los objetos con los que entran en contacto y los ambientes meticulosamente adornados por los que se desplazan. Es cuando notamos los lentos acercamientos de cámara, la atención a los rostros femeninos, la dedicación a las texturas y la atmósfera, que entendemos que “El Arte de la Guerra” es algo distinto a lo que entendemos por “película de artes marciales”.

Es kung fu de autor (si es que tal cosa existe), y son estas escenas los puntos altos de la película. Mientras se pasa de una de estas secuencias a la siguiente, la cinta se compromete a contar la historia biográfica en la que está basada, pero estos pasajes –a los que la historia les debe cabida- terminan siendo los menos atractivos de la cinta. Se cuentan de forma convencional aunque también sublimemente fotografiados, atravesando casi dos décadas en la vida del maestro en medio de una China crecientemente conflictuada en lo político.

YI DAI ZONG SHI 03Pero tratándose de este director,  no se pierde la oportunidad de incluir una discreta historia de amor y un interesante personaje femenino, y también se dedica a explorar la relación entre Ip Man y Gong Er. La distancia física entre ellos y el debate interno de ella, entre honrar su promesa de no dedicarse a las artes marciales y seguir el camino de la venganza, la convierten en el personaje más interesante de la película.

“El Arte de la Guerra” no se siente inconexa o incoherente, pero tiene grandes momentos seguidos de momentos simplemente funcionales. Lo positivo es el empeño del director Wong Kar Wai en que, a pesar de que la historia esté situada en un contexto histórico específico y pertenezca al género de las artes marciales, hace su propia película, implanta su sello y no se limita por convenciones de género o fidelidad histórica. Crea una experiencia rica tanto para los fans del género como para los fieles seguidores del autor, cuya intriga por el proyecto se resolverá apenas experimenten la belleza de la primera escena de su última película.

Por Ignacio Goldaracena

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El Llamado Salvaje

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El Llamado Salvaje

El CGI (Computer Generated Imagery) en el cine es a menudo un tema controversial al ser a veces mal utilizado, o ser técnicamente deficiente. A veces el efecto que genera es simplemente espantoso, como en el caso de “Cats” (2019), en otras busca ser casi lo único valioso en una película, más que historia o personajes, como en el caso de “Avatar” (2009). Esto se debe en gran medida a que es un recurso relativamente nuevo en la historia del cine, y las capacidades técnicas de los efectos especiales siempre están evolucionando. Algo notable de “El Llamado Salvaje” desde un principio es el uso de CGI para generar personajes casi en su totalidad, lo que es definitivamente una apuesta arriesgada. Sin embargo, el resultado, a pesar de no ser perfecto, es un buen camino a seguir para la industria en el futuro.

La historia sigue a Buck, un perro grande y afable, criado por una acaudalada familia en California, que es secuestrado y vendido durante la Fiebre del Oro, y enviado a Yukon, al norte de Canadá. Ahí vivirá diversas aventuras y conocerá a diferentes perros y personas que lo acercarán a su lado más salvaje, lo que finalmente lo llevará a su destino.

“El Llamado Salvaje” es una sólida película de aventuras, en gran medida porque el personaje principal es profundamente querible. Pese a que puede ser sumamente difícil generar empatía con un protagonista que no habla, por lo que se vuelve difícil entrar en su mundo interior, el film toma las decisiones adecuadas de utilizar una voz en off que a menudo nos dice lo que piensa, y hacer uso del CGI para darle al animal un gran rango de emociones y personalidad. Inmediatamente somos capaces de conectarnos con Buck, y además de entender su relación con los otros animales que conoce, los que también son sumamente expresivos.

Y ese es uno de los grandes aciertos de la película. El uso que le da al CGI tiene más que ver con construir personajes expresivos y queribles que con buscar un fotorrealismo que sea técnicamente sorprendente, o con generar un mundo de fantasía que sea el gancho de la cinta. A diferencia de “The Lion King” (2019), acá los personajes caninos están llenos de expresividad y personalidad, incluso a pesar de no tener voz, y esto es casi en su totalidad a lo efectivo del CGI.

Aunque, claro, la falta de prolijidad técnica en la animación de los personajes se siente, y en algunas escenas casi llega a distraer de la historia. Hay momentos en que estos no alcanzan a mezclarse bien con su ambiente y se sienten como personajes de videojuego, moviéndose por un ambiente de manera desconectada. Sin embargo, el film completo genera una sensación de fantasía y plasticidad que se complementa bien con este aspecto.

Básicamente, todo es un poco plástico, pero al menos de manera coherente. Se siente como un film animado, tanto por su textura visual como por su puesta en escena, lo que tiene sentido, considerando que es la primera película live action del director Chris Sanders, famoso por “Lilo & Stitch” (2002) y “How To Train Your Dragon” (2010) y “The Croods” (2013). Esto lleva a que los momentos en que el CGI falla se vuelvan menos choqueantes y nunca lleguen a ser más llamativos que la historia en sí.

“El Llamado Salvaje” no es una película perfecta, tiene algunas falencias de guion, algunos de sus personajes (particularmente los villanos) son algo caricaturescos y el final se vuelve sobre explicativo, alargándose y siendo innecesariamente cursi. Sin embargo, al igual que el viaje de Buck, es una película con altos y bajos: una vez terminada, es un viaje que valió la pena tomar. Y no sólo eso, es también un buen ejemplo de las posibilidades narrativas que puede tener el uso de CGI en el cine, si dejamos de centrarnos en el aspecto técnico y volvemos a concentrarnos en la historia y los personajes.


Título Original: The Call Of The Wild

Director: Chris Sanders

Duración: 105 minutos

Año: 2020

Reparto: Harrison Ford, Dan Stevens, Bradley Whitford, Karen Gillan, Omar Sy, Jean Louisa Kelly, Terry Notary, Cara Gee, Colin Woodell, Wes Brown, Anthony Molinari, Brad Greenquist


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