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El Árbol Magnético

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Esquivar de vez en cuando los convencionalismos del cine hollywoodense está perfecto, ya que estos pueden resultar bastante asfixiantes y comprometedores, logrando en sus peores momentos reducir al cine a una cadena de producción fordista. Pero hay ciertos elementos que son muy difíciles (y poco recomendable) de dejar de lado, y dentro de estos el ritmo es uno de los fundamentales. A menos que sea reemplazado por una visualidad impresionante y un carácter más meditabundo muy bien trabajado, este tópico es central no sólo para mantener la cohesión interna de la narración funcionando, sino que también para conservar a los espectadores interesados. “El Árbol Magnético” sufre principalmente por esto, aunque también por otras cosas.

EL ARBOL MAGNETICO 01La trama gira en torno a Bruno (Andrés Gertrúdix), un chileno que lleva muchos años viviendo en España, y la relación con su familia, a la que viene a ver por unas vacaciones de tres semanas. Aprovechando la ocasión, la familia decide reunirse en una casa fuera de Santiago que, a pesar de estar llena de recuerdos e historias, está pronta a ser vendida. En la última reunión familiar en la casa, Bruno, junto a su prima Nela (Manuela Martelli), revivirán el pasado y reflexionarán sobre lo que les depara el futuro.

De inicio a fin, la película no se mueve más de dos kilómetros de la casa familiar, lo que da cuenta en seguida de su carácter de historia costumbrista. Al poco rato comienzan a llegar más y más familiares, lo que vuelve a estrechar el tópico, situando además  un tono intimista. Ambas características suelen dar espacio para la abundancia de diálogos personales que, dentro de un flujo característicamente natural, esconden subtextos más profundos.

EL ARBOL MAGNETICO 02Esto trata de ocurrir en “El árbol magnético”, pero la mayor parte del tiempo los diálogos se quedan en las nimiedades cotidianas que toda familia comenta en una reunión como la ilustrada. Estos terminan por restarle a la película, aletargando excesivamente el desarrollo de la trama que, cuando logra avanzar, no termina por llegar a ninguna parte. Si se le suma a esto que gran parte del elenco pronuncia sus líneas atonalmente, o con un innecesaria exageración de los modismos nacionales, el atractivo de “El Árbol Magnético” se comienza a desvanecer a pocos minutos de su inicio.

A medida que avanza la cinta, tanto se tienden como sugieren una serie de hilos narrativos que al final no terminan por concretarse en nada complejo ni interesante. Entre estos, una suerte de tensión sexual entre Bruno y Nela, y algunos roces de personalidad entre los personajes secundarios, quienes desgraciadamente responden al principio de la cantidad sobre la calidad, porque entre primos y hermanos, la mitad califica con suerte como unidimensionales, cuando no se están confundiendo como parte de la escenografía. Todo esto confluye en que una película de 85 minutos se sienta cercana a las dos horas, con un ritmo y enfoque personal detallista, pero que no cuenta con ningún aspecto atractivo sobre el que trabajar esta minuciosidad. De todas formas, el estilo de filmación minimalista, en especial el énfasis en los planos generales con más de un personaje interactuando en escena, por sobre la rápida variación de enfoques, es algo a destacar.

EL ARBOL MAGNETICO 03Si hay un subtexto a desenterrar en la película, específicamente en relación al árbol magnético (un supuesto centro de atracción capaz de mover una camioneta) como metáfora de que lo que mantenía unida a la familia era la casa más que los lazos de parentesco, no termina por importar mucho, debido a que el sentimiento y las emociones por la venta no son acorde a lo planteado con anterioridad por los personajes, llegando incluso a parecer algo agregado a última hora.

A fin de cuentas, siempre es un agrado que se estén filmando películas serias y con ambición artística en Chile, y no sólo intrascendencia comercial como “El Derechazo” (2013) o publicidad en pantalla grande como “Tierra de Sangre” (2014), pero con material tan aburrido y vacuo como “El Árbol Magnético”, no da para tener muchas expectativas.

Por Lucas Rodríguez

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Duna

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Duna

Adaptar la novela “Dune” de Frank Herbert a la pantalla grande, ha sido ambición del séptimo arte desde su publicación en 1965. Conocidos son los casos de Alejandro Jodorowsky con un proyecto que, sin nunca haberse concretado, alcanzó estatus de culto, y el de la cinta de 1984 de David Lynch, fracaso crítico y de taquilla, que a la postre se convertiría en la única mochila con la que uno de los mejores directores del mundo ha debido cargar. De esta forma, la adaptación 2021 de “Duna”, a cargo del connotado Denis Villeneuve, se convertía en el esperado gran evento cinematográfico del último tiempo.

Es el año 10.191 y el emperador Shaddam IV mandata a la Casa de Atreides, regida por el Duque Leto, a trasladarse al desértico planeta Arrakis para encargarse de la explotación de la Melange, una sustancia con propiedades asombrosas. Leto se muda junto a Lady Jessica, su concubina y parte de la Bene Geserit (un grupo de misteriosas mujeres con habilidades mentales), y su hijo Paul, un muchacho que es percibido como una especie de mesías, además de todo su ejército y hombres de confianza, pero apenas llegan al lugar, percibe que, más que un servicio de honor, la movida podría ser una trampa del imperio en colusión con la Casa Harkonnen, regida por el malvado Barón Vladimir, para acabar con los Atreides.

En sus primeros minutos, lo primero que llama la atención de “Duna” es su empleo práctico de las secuencias: a diferencia de la cinta de 1984, e incluso de la misma novela, Villeneuve establece el universo de la historia sin muchos guiños a los aspectos filosóficos y psicológicos de los personajes, más bien va dejando en claro quién es quién y cómo se mueven dentro del tablero para luego, tal como ha hecho con sus películas anteriores, ir soltando pequeñas bombas de información y las motivaciones de cada personaje. Y esto se agradece, pues ese mecanismo le permite a la cinta avanzar sin tropiezos en el ritmo que establece en un principio.

Además del meticuloso guión, que denota un esfuerzo por incorporar todos los frentes de los postulados con los que Herbert nutrió su obra, lo anterior es encarnado por un reparto que está más que a la altura de las circunstancias, moviéndose por todos los extremos, mezclando de manera natural la impronta shakespeariana con las más atrevidas acrobacias físicas. En este sentido, Timothée Chalamet, como protagonista y quien más debe hacer gala de aquel rango dinámico, da el ancho a cabalidad. Por otra parte, destacables son las actuaciones de Charlotte Rampling y Stellan Skarsgård, quienes, con un velo sobre el rostro la primera y grandes capas de maquillaje el segundo, impresionan en sus cortas apariciones, sobre todo la presentación del Barón Harkonnen evocando sin empacho alguno a “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola.

Pero “Duna” también es una historia épica y bélica, donde el diseño de producción, los artilugios y el vestuario cumplen un rol importante, y en este aspecto la cinta deja boquiabierto. Se agradece que Villeneuve en su mayoría opte por efectos prácticos y sólo aplique CGI de manera circunstancial (gran acierto la forma en que es representada la Melange en el aire). Está todo tan bien trabajado, que queda la sensación de que uno como espectador jamás ha visto una puesta en escena como la que plantea el director junto a su equipo creativo y técnico, destacando los diseños de Patrice Vermette (con quien también trabajó en “Arrival” de 2016) y la fotografía del australiano Greig Fraser, últimamente un especialista en escenarios épicos, resaltando de distintas maneras en la ambientación de los planetas, cada uno con sus singularidades lumínicas. Como complemento a la maravilla visual, el diseño de sonido es impecable, y el score de Hans Zimmer, pese a sus pocas sutilezas por momentos, acompaña adecuadamente el relato y tiene un par de melodías que dejan sin aliento al son de sus característicos tambores y la destrucción que se muestra en pantalla.

Así como las virtudes de la película son evidentes, también lo son sus pequeños defectos. Al ser una novela con un abanico tan amplio de tópicos, Villeneuve es consciente de que debe elegir caminos, y en ese accionar va perdiendo los temas o, más bien, el foco va alumbrando discriminadamente a medida que el metraje se acerca a su último acto. Lo anterior genera los pasajes más bajos en cuanto a diálogo, ya que se ve en la obligación de desprender información de forma gruesa a través de los personajes para mantener el equilibrio de los hilos conceptuales, desembocando en un cambio de percepción rítmica. También hay ciertos datos que son omitidos, pero que en la cinta terminan siendo cruciales, casi como dirigidos exclusivamente al lector de la novela. Sin embargo, esto es apenas un lunar dentro del gran marco que la película propone, y bajo ningún sentido le resta mérito a todo lo visionado antes de los créditos finales.

“Duna” es un espectáculo narrativo y visual que le hace justicia a la gran obra de Herbert, donde la política, la religión, la ecología y el romance de la novela (este último sólo oníricamente) son tratados respetuosamente por Villeneuve, pese a las libertades creativas que se toma, donde los más puristas podrían poner el grito en el cielo. Si Jodorowsky representó el anhelo y Lynch el ensayo, Denis Villeneuve encarna el sueño cumplido, aunque sea de aquellos en que uno despierta a la mitad y se esfuerza por volver a dormir y retomarlo, simbolizando una segunda parte y final que, como ya es sabido, lamentablemente está supeditada a su resultado en la taquilla.


Título Original: Dune

Director: Denis Villeneuve

Duración: 155 minutos

Año: 2021

Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Zendaya, Javier Bardem, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Chang Chen, Stephen Henderson, Dave Bautista


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