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Dunkirk Dunkirk

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Dunkerque

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La guerra, tanto las batallas como el antes y el después de los conflictos, ha sido siempre una fuente invaluable de historias para la televisión y el cine; es el drama humano, el dolor, la esperanza y el honor lo que nos mueve a contar una y otra vez estos sucesos desde cientos de miradas distintas y ángulos que ya han llegado a convertirse en clásicos de este género cinematográfico. Es por esto que plantear una nueva película basada en conflictos bélicos es siempre un desafío a la habilidad del equipo técnico para poder plasmar un hecho conocido desde una manera novedosa y, en mayor o menor medida, capaz de emocionar a la audiencia. La búsqueda de cómo encontrar esa originalidad y conexión con el público es la que lleva a una película como “Dunkerque” a poner especial énfasis en el ritmo con el que se cuenta una historia que, a diferencia de otras películas de rescates, como “Saving Private Ryan” (1998), centra su atención en el desarrollo psicológico de sus personajes más que en tomas de acción que retraten la crueldad de la guerra.

“Dunkerque” se posiciona, entonces, como una nueva entrega de Christopher Nolan, nombre mayormente conocido por su trabajo en la serie de películas que componen la saga de Batman (2005 – 2012), pero que ya posee una trayectoria y una filmografía sensible a los detalles y comprometida con el desarrollo de personajes que se remonta hasta “Following” (1998) y la inolvidable “Memento” (2000).

En esta historia seremos testigos del rescate de 400 mil soldados británicos de Dunkerque a través de los ojos de tres de sus protagonistas: Tommy (Fionn Whitehead), un soldado en búsqueda de volver a casa, un pescador británico (Mark Rylance) que se lanza al mar para ir a recoger a las tropas en la misma Dunkerque, y un piloto de la fuerza aérea británica (Tom Hardy) encargado de derribar a los bombarderos alemanes que evitan la evacuación. La multiplicidad de los puntos de vista genera una rítmica profundamente lograda a lo largo de los 106 minutos de película. Cada una de estas historias tiene un ritmo propio y reconocible, que interactúa con los otros relatos a través de saltos temporales y eventos cruzados que tejen la gran odisea del rescate de la playa de Dunkerque.

Una de las cosas que más destaca dentro de este planteamiento narrativo son los escasos diálogos presentes en el filme. Se esperaría, al tratarse de una película de rescate, encontrarse con un sinnúmero de interacciones verbales que sirvan para contextualizar y agregar tensión a la situación de los soldados, no obstante, estos diálogos no llegan a presentarse en el trabajo de Nolan, sino que son reemplazados por un rico lenguaje no verbal, un juego de cámara brillante y una banda sonora que entrega de manera sobrada la tensión argumental necesaria para que la película funcione sin necesidad de explicaciones, apostando a una inversión emocional que haga sentir la desolación y desesperanza de los soldados desde el silencio cansado que llevan a cuesta, y relegando los diálogos a unas pocas interacciones que articulan las distintas aristas argumentales presentes en cada una de las tres historias.

Desde ese trabajo de guion es que se plantea la sonoridad como esencial para sumergir al espectador en el clima de la película y hacerlo parte del relato. Sin embargo, este elemento no trabaja de manera independiente en forma de canciones envasadas, sino que se construye complementando plenamente la rítmica narrativa de la película, presentando violines y chelos eléctricos que conviven con el sonido de motores de aeronaves y disparos, hasta amalgamarse en una sinfonía que transporta al espectador de clímax en clímax a medida que la historia se mueve a través de las notas musicales y los juegos de cámara.

De igual manera, desde el punto de vista visual, el filme nos entrega una propuesta de encuadre impecable, que sabe utilizar ángulos y tomas centradas en los personajes principales sin caer en el error de sobreexplotar las caras conocidas de su elenco. Por el contrario, se dedica a insertar esos encuadres cercanos con tomas panorámicas que cambian rápidamente a medida que una historia se entrecruza con la siguiente. Del mismo modo, las decisiones de cambio entre los relatos se acompañan de una paleta de colores que caracteriza cada uno de estos momentos, mostrando un trabajo cuidado y decidido sobre la visualidad del filme.

En resumen, “Dunkerque” se presenta como una experiencia fílmica completa; un justo homenaje a los veteranos de la guerra y a los fanáticos del cine, capaz de arriesgarse y tomar su lugar como arte, es decir, hacernos sentir, soñar y emocionar a través de un trabajo consciente y maduro. Es claro que, más allá de lo experimentado de su director, esta película cuenta con una mirada fina de todo su equipo, y es muy difícil encontrarle fallas importantes e imperdonables que superen lo bien logrado de su composición.


Título Original: Dunkirk

Director: Christopher Nolan

Duración: 106 minutos

Año: 2017

Reparto: Fionn Whitehead, Mark Rylance, Kenneth Branagh, Tom Hardy, Cillian Murphy, Barry Keoghan, Harry Styles, Jack Lowden, Aneurin Barnard, James D’Arcy, Tom Glynn-Carney, Bradley Hall


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Milagro en la Celda 7

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Milagro en la Celda 7

Los lazos familiares y los obstáculos que estos deben sortear para mantenerse firmes, es un tema recurrente en producciones que tienen como principal objetivo conectar emocionalmente con la audiencia, generando un vínculo que apele a las sensibilidades del espectador. Sin embargo, aquel objetivo no es fácil de alcanzar si no se cuenta con personajes que logren representar con honestidad las complejidades de las relaciones familiares.

“Milagro en la Celda 7” es el remake turco de “7-Beon-Bang-Ui Seon-Mul”, una cinta surcoreana estrenada con gran éxito en el año 2013. La historia se centra en la vida de Memo (Aras Bulut Iynemli), un hombre con discapacidad intelectual, y su hija Ova (Nisa Sofiya Aksongur), quienes ven cómo su apacible vida cambia cuando él es acusado de asesinar a una niña y, teniendo todo en contra, deberá demostrar su inocencia.

La primera y principal característica que resalta en “Milagro en la Celda 7” es la entrañable relación entre padre e hija, siendo cada una de sus interacciones el corazón de una historia que no pretende ser más de lo que está relatando en pantalla. En ambos se puede ver el compromiso que existe hacia el bienestar del otro y lo que están dispuestos a sacrificar (dentro de sus posibilidades) para poder estar juntos. El fuerte vínculo que los une es el motor que los mantiene firmes una vez que deben estar separados, y es así cómo el relato hace lo posible para poder resaltar aquellos momentos.

Para alcanzar tal objetivo y que resulte con naturalidad, la actuación de ambos actores interpretando a sus protagonistas logra la complicidad necesaria para hacer de su relación un vinculo creíble y capaz de enternecer la mirada de la audiencia. La dinámica de ambos juega a favor cuando quieren mostrar con total espontaneidad la relación que se ha construido, pero, además, en el momento en el que se ven distanciados, cada uno logra destacar en el entorno en el que se ven expuestos. De esta forma, logran crear personajes verosímiles y capaces de trascender a la historia en la que se ven insertos.

Por otra parte, la cinta es lo suficientemente honesta consigo misma al momento de plantear sus objetivos y lo que quiere generar en el espectador. Por lo tanto, utilizará todos los recursos necesarios para encausar y mantener el relato en el drama y, aunque a veces existen momentos de respiro para sus protagonistas, estos vuelven rápidamente a sumergirse en obstáculos que pretenden impedir esos momentos de calma. En ese sentido, su construcción narrativa está apuntando constantemente en enfatizar las dificultades que les ha tocado atravesar, donde la compasión y la empatía se vuelven esenciales para acompañarlos.

Utilizando recursos que a ratos podrían parecer insistentes, su relato se arma con el propósito de conmover a quien está viendo una cinta que no niega de su melodrama. Y aunque las técnicas utilizadas empujan con fuerza hacia las lágrimas, la sinceridad con la que se sostiene pide que esos elementos sean aceptados como las piezas que le dan el corazón a su narración.

Considerando que dicho melodrama permea cada rincón de la película, esta característica se acentúa no tan sólo con su guion, sino que también a través del montaje y la música, características que podrían poner en riesgo la complicidad con la que se ha trabajado la relación entre el relato y el espectador. Sin embargo, dichos elementos están incluidos para empujar la aflicción y lograr su principal finalidad: conmover a su público.

Con todo a su favor para lograr su propósito, “Milagro en la Celda 7” no es más que lo que promete ser: un drama familiar con los elementos necesarios para encontrar conflicto en cada paso que dan sus protagonistas. De esta forma, logra transformarse en una cinta honesta y directa cuando empieza a encausar su estructura y, a pesar de casi transitar en la desdicha, es capaz de entregar momentos de calidez apoyándose en la sencillez e ingenuidad de sus protagonistas.


Título Original: Yedinci Kogustaki Mucize

Director: Mehmet Ada Öztekin

Duración: 132 minutos

Año: 2019

Reparto: Aras Bulut Iynemli, Nisa Sofiya Aksongur, Deniz Baysal, Celile Toyon Uysal, Ilker Aksum, Mesut Akusta, Yurdaer Okur, Sarp Akkaya, Yildiray Sahinler, Deniz Celiloglu


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