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Don Jon

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Si hay algo para lo que sirven las buenas comedias románticas (aparte de reírse un rato) es tomarle el pulso a las relaciones de pareja de la época en la que están situadas: desde “When Harry Met Sally…” (1989) y la jovialidad de la amistad sobre el amor romántico de los 80’s, a “Annie Hall” (1977) y el cinismo y reevaluación de las relaciones tradicionales en la era del Watergate, e incluso “(500) Days Of Summer” (2009) y la aparente muerte del amor eterno. Esta última es protagonizada por Joseph Gordon-Levitt, quien escribió, dirigió y protagonizó “Don Jon”, película que podría ganarse un pequeño lugar entre las más grandes del género.

DON JON 01Jon Martello (Joseph Gordon-Levitt) vive sin problemas en un mundo real donde lo tiene todo: un buen departamento, un ruidoso auto, su rutina de gimnasio, su familia, y su iglesia, además de una impecable técnica para seducir solteras; pero nada de eso se compara con su real placer: la pornografía. Será en una de sus farras de fin de semana cuando conocerá a Bárbara Sugarman (Scarlett Johansson), una mujer lo suficientemente atractiva como para hacer que el arrogante Jon dude de todos sus gustos y vicios.

De entrada, “Don Jon” muestra que no va a andar con rodeos en su argumento: acá el romance y el amor quedan relegados a un segundo plano frente al sexo y el porno. Así es como la película trabaja el paralelo entre las falsas expectativas que crea la industria del sexo gráfico, frente a una realidad que ni se le acerca (el mismo Jon justifica su afición en que las conquistas de sus fines de semana nunca están a la altura de los videos). De esta misma forma, se puede hacer la conexión con “Her” (2013), en cuanto al comentario de cómo la tecnología está afectando la naturaleza de las relaciones afectivas en la actualidad.

A pesar de esto, la película se preocupa de mantenerse en su género, pero también declara algunas diferencias: donde la mayoría de las comedias románticas giran en torno a una pareja de exitosos jóvenes de clase media-alta, cultos y educados, que discuten tanto sobre literatura como de su relación, “Don Jon” prefiere adentrarse en el mundo del whitetrash norteamericano, donde sus personajes están más preocupados de ir al gimnasio o tener su auto a tono, que de cuestiones existencialistas.

Para esto, uno de los grandes puntos de la cinta son sus actuaciones, con Gordon-Levitt convencido en su papel. Pero la que realmente sorprende es Scarlett Johansson, quien se convirtió de pies a cabeza en el tipo Jersey Shore: mascando chicle con la boca abierta en todo momento, pronunciando mal las palabras, y tratando de moldear a Jon en un monigote de familia tradicional, Bárbara es tan superficial e histérica que a ratos incluso deja de parecer atractiva. A esto hay que sumarle a la familia de Jon, donde su padre (un increíble Tony Danza) llega a niveles scorsesianos en su interpretación del italoamericano bruto. De todas formas, son personajes reales y aterrizados, con sus defectos a flor de piel y muy representativos del mundo que habitan.

El humor también está presente en todos lados, pero de una forma menos obvia que en la comedia romántica promedio. Dejando de lado el chiste preparado o la situación frontalmente hilarante, la obra saca carcajadas que van más por la vergüenza ajena, sea por la brutal misoginia del protagonista, las quejas y gritos de su padre, o cada vez que el personaje de Johansson abre la boca. Esta clase de humor resulta más gratificante y vigente al paso del tiempo, en cuanto emana de los personajes mismos.

En su último tercio la película pierde algo de ritmo al hacer espacio para la reflexión más seria, pero por suerte se aleja de pretender sermonear. En su totalidad, “Don Jon” resulta una comedia adulta en todos sus aspectos, tanto en evitar el humor burdo y adolescente de muchos de los coetáneos de Gordon-Levitt (James Franco debería tomar nota), como en discutir un aspecto tan vigente como los cambios en las relaciones de pareja, donde las expectativas irreales, contrastado con la preponderancia del individuo frente a la pareja, parecen ser la tónica imperante.

Por Lucas Rodríguez

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5 Comentarios

5 Comments

  1. El Sellao (@iSellao)

    02-Abr-2014 en 11:42 am

    Hace rato le tenía ganas a Her y la tenía agendada para este finde, a esta igual le había echado el ojo, más que nada por ver otra peli de la guapa Johansson y de JGL, con el review quede más que convencido de verla y se agrega para la cartera del finde, ahí veré que tal ambas, de entrada, van a favor ambas. saludos!.

  2. marcelo

    02-Abr-2014 en 12:17 pm

    y julianne moore qué hace

  3. absolutamente recomendable, la he visto como 3 veces y me cago de la risa jajajaja VÉALA

  4. cristian

    02-Abr-2014 en 4:00 pm

    la vi hace unos dias y no me gusto, malas actuaciones, mal guion y mala direccion

  5. Juan Pablo

    06-Abr-2014 en 7:29 pm

    Concuerdo totalmente con el review en cuanto a que la pelicula es el fiel reflejo de lo que son muchas de las relaciones de pareja de hoy en día, sobre todo de las nuevas generaciones. Actuaciones impecables. Veala no lo va a lamentar.

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Milagro en la Celda 7

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Milagro en la Celda 7

Los lazos familiares y los obstáculos que estos deben sortear para mantenerse firmes, es un tema recurrente en producciones que tienen como principal objetivo conectar emocionalmente con la audiencia, generando un vínculo que apele a las sensibilidades del espectador. Sin embargo, aquel objetivo no es fácil de alcanzar si no se cuenta con personajes que logren representar con honestidad las complejidades de las relaciones familiares.

“Milagro en la Celda 7” es el remake turco de “7-Beon-Bang-Ui Seon-Mul”, una cinta surcoreana estrenada con gran éxito en el año 2013. La historia se centra en la vida de Memo (Aras Bulut Iynemli), un hombre con discapacidad intelectual, y su hija Ova (Nisa Sofiya Aksongur), quienes ven cómo su apacible vida cambia cuando él es acusado de asesinar a una niña y, teniendo todo en contra, deberá demostrar su inocencia.

La primera y principal característica que resalta en “Milagro en la Celda 7” es la entrañable relación entre padre e hija, siendo cada una de sus interacciones el corazón de una historia que no pretende ser más de lo que está relatando en pantalla. En ambos se puede ver el compromiso que existe hacia el bienestar del otro y lo que están dispuestos a sacrificar (dentro de sus posibilidades) para poder estar juntos. El fuerte vínculo que los une es el motor que los mantiene firmes una vez que deben estar separados, y es así cómo el relato hace lo posible para poder resaltar aquellos momentos.

Para alcanzar tal objetivo y que resulte con naturalidad, la actuación de ambos actores interpretando a sus protagonistas logra la complicidad necesaria para hacer de su relación un vinculo creíble y capaz de enternecer la mirada de la audiencia. La dinámica de ambos juega a favor cuando quieren mostrar con total espontaneidad la relación que se ha construido, pero, además, en el momento en el que se ven distanciados, cada uno logra destacar en el entorno en el que se ven expuestos. De esta forma, logran crear personajes verosímiles y capaces de trascender a la historia en la que se ven insertos.

Por otra parte, la cinta es lo suficientemente honesta consigo misma al momento de plantear sus objetivos y lo que quiere generar en el espectador. Por lo tanto, utilizará todos los recursos necesarios para encausar y mantener el relato en el drama y, aunque a veces existen momentos de respiro para sus protagonistas, estos vuelven rápidamente a sumergirse en obstáculos que pretenden impedir esos momentos de calma. En ese sentido, su construcción narrativa está apuntando constantemente en enfatizar las dificultades que les ha tocado atravesar, donde la compasión y la empatía se vuelven esenciales para acompañarlos.

Utilizando recursos que a ratos podrían parecer insistentes, su relato se arma con el propósito de conmover a quien está viendo una cinta que no niega de su melodrama. Y aunque las técnicas utilizadas empujan con fuerza hacia las lágrimas, la sinceridad con la que se sostiene pide que esos elementos sean aceptados como las piezas que le dan el corazón a su narración.

Considerando que dicho melodrama permea cada rincón de la película, esta característica se acentúa no tan sólo con su guion, sino que también a través del montaje y la música, características que podrían poner en riesgo la complicidad con la que se ha trabajado la relación entre el relato y el espectador. Sin embargo, dichos elementos están incluidos para empujar la aflicción y lograr su principal finalidad: conmover a su público.

Con todo a su favor para lograr su propósito, “Milagro en la Celda 7” no es más que lo que promete ser: un drama familiar con los elementos necesarios para encontrar conflicto en cada paso que dan sus protagonistas. De esta forma, logra transformarse en una cinta honesta y directa cuando empieza a encausar su estructura y, a pesar de casi transitar en la desdicha, es capaz de entregar momentos de calidez apoyándose en la sencillez e ingenuidad de sus protagonistas.


Título Original: Yedinci Kogustaki Mucize

Director: Mehmet Ada Öztekin

Duración: 132 minutos

Año: 2019

Reparto: Aras Bulut Iynemli, Nisa Sofiya Aksongur, Deniz Baysal, Celile Toyon Uysal, Ilker Aksum, Mesut Akusta, Yurdaer Okur, Sarp Akkaya, Yildiray Sahinler, Deniz Celiloglu


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