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Un Día Lluvioso en Nueva York

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Resulta imposible separar la obra del autor de manera absoluta cuando toda ella está empapada de su personalidad, y el caso de esta entrega no es distinta. Woody Allen lleva nuevamente a la pantalla grande una comedia romántica con los personajes y las temáticas que lo hicieron triunfar desde sus inicios, satisfaciendo las expectativas de ver aquello a lo que se está acostumbrado en su cine, sin mayor exploración o reinvención más allá de la entrada de nuevas generaciones de prometedores actores. La consecuencia de ello es que mantiene ciertos parámetros y estereotipos que pueden resonar de manera negativa especialmente en estos tiempos, pero que no pierden del todo su atractivo. “Un Día Lluvioso en Nueva York” revive la idea de estar contemporáneamente en presencia de un clásico.

Gatsby Welles (Timothée Chalamet) y Ashleigh Enright (Elle Fanning) son una pareja de jóvenes universitarios privilegiados que se proponen pasear un fin de semana por Manhattan, aprovechando la oportunidad que a ella le surge para entrevistar allí al destacado cineasta Roland Pollard (Liev Schreiber). Sin embargo, ocurre una seguidilla de situaciones inesperadas que aplazan el encuentro de la pareja, dividiéndolos en lo que será un día de aventuras y encuentros por caminos propios.

La película comienza con la voz del mismo protagonista, quien nos introduce sobre el tipo de relación que mantiene con Ashleigh en el contexto universitario para luego adentrarse a los paisajes de Manhattan y al mundo del cine, donde Ashleigh se verá arrastrada de una historia a otra, en momentos con los que sólo podría soñar y que dejan a Gatsby fuera del mapa. Fanning representa aquí a una mujercita que, con su dulzura no corrompida e ingenuidad, logra ser el blanco de atención de diversos hombres que buscan en ella una musa, un escape o sólo sexo. Emocionada con todo lo que está viviendo, siendo torpe debido a los nervios que las situaciones le producen, recorre la ciudad buscando ayudar a su gran ídolo, que está atravesando una crisis artística, mientras en el camino se va topando con paparazis, los chismes faranduleros de Ted Davidoff (Jude Law) y con el atractivo actor Francisco Vega (Diego Luna).

Chalamet, por su parte –que se presta como cuerpo y voz de un joven Allen–, personifica a un estudiante de aire soberbio, talentoso para los juegos de azar y que repudia las costumbres de la clase alta donde se crio, pero que mantiene de todas formas. Gatsby, turbado por la idea de que su novia se codee con importantes figuras del cine dejándolo plantado a él, se resigna a continuar vagando por los que fueron sus barrios, evitando toparse con alguien de su familia que lo fuerce a asistir a la celebración con su madre, de la que ya se había justificado. En su recorrido encuentra la mejor compañía en Chan (Selena Gómez), con quien intercambia recuerdos e impresiones de un pasado común.

La puesta en escena que se despliega logra crear un escenario encantador para un romance y toda clase de encuentros. La música instrumental, locaciones, dirección de arte e iluminación construyen una imagen clásica, elegante y acogedora, que no es arrebatada por la agitación de la cámara en ciertas escenas ni por la lluvia, por lo que, independiente de la afinidad que tengamos con la historia o personajes, la atmósfera que se crea resulta agradable.

Tanto la comedia como el romance cumplen su función: mantienen la risa o, al menos, ala atención durante la proyección, siendo Ashleigh quien lleva principalmente la batuta de la comedia, mientras Gatbsy la del drama y romance. De esa forma, se nos indica ya desde el afiche la importancia del nuevo romance que se forma con la llegada de Chan, sin embargo, esta relación no se construye de tal manera que logre una trama ni conversaciones lo suficientemente interesantes, limitando los mecanismos de atracción mutua a vanos clichés que empiezan con la tensión de un beso. En general la narración, la comedia y la construcción de personajes de esta película está cargada de estos clichés o estereotipos recurrentes en la filmografía del director. Por ejemplo, el sexismo no resulta nada nuevo y confirma que no se tuvo intención de ser modificado, y si bien el género se permite ser políticamente incorrecto, no pasa desapercibida ni deja de ser ofensiva la representación de sus personajes femeninos a través del tiempo, especialmente desde el contexto que envuelve su exhibición. Desgraciadamente, muchos de estos estereotipos siguen siendo aún parte de nuestra realidad, por lo que Woody Allen no deja de ser interesante al ser capaz de burlarse del comportamiento humano y las construcciones culturales que nos rigen.

Así, a sus 84 años recién cumplidos, Woody Allen continúa cada año imprimiendo sus intereses y sus conflictos de una manera divertida, desde fórmulas propias más que comprobadas, que parecen no tener un límite de explotación. Esto puede dejar cierta sensación de ya no existir un gran esfuerzo de nuevas reflexiones o exploración hacia nuevas formas de discurso, pero, al menos en esta película, aciertan con el plan de pasar un buen rato con diálogos cargados de referencias y chistes que a ratos apuntan a un interés psicoanalítico, aunque también abordados de una manera ligera y superficial.


Título Original: A Rainy Day In New York

Director: Woody Allen

Duración: 92 minutos

Año: 2019

Reparto: Timothée Chalamet, Elle Fanning, Selena Gomez, Jude Law, Diego Luna, Liev Schreiber, Annaleigh Ashford, Rebecca Hall, Cherry Jones, Will Rogers, Taylor Black, Kathryn Leigh Scott


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La Mirada Incendiada

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La Mirada Incendiada

Tiempos de dictadura, un hijo de exiliados políticos que vuelve a Chile por cuenta propia y un crimen de crueldad inconmensurable por parte de las fuerzas de orden. El tercer largometraje de ficción de la directora Tatiana Gaviola, “La Mirada Incendiada”, inicia con las palabras “Inspirada en un hecho real”, tomando como punto de partida el conocido Caso Quemados, atentado en el que Carmen Gloria Quintana y Rodrigo Rojas de Negri fueron víctimas de un ataque incendiario por parte de militares a plena luz del día en la vía pública.

Protagonizado por Juan Carlos Maldonado en el papel de Rodrigo, el filme prometía sin duda ser un aporte para la memoria de nuestro país, dada la historia en cuestión y su contexto, sin embargo, esta promesa metamorfoseó hasta convertirse no sólo en polémica, debido a la nula influencia que tuvo la familia de Rojas de Negri en materias de decisión cinematográfica, sino que también es una cinta que no cumple del todo con los objetivos que parece perseguir.

El inicio de la película muestra a Rodrigo volviendo a Chile con una cámara bajo el brazo y el propósito de desempeñarse cómo fotógrafo profesional. Tras andar un rato medio perdido, y luego de ser ayudado por una amiga vecina de su tía, logra llegar a la casa de esta y sus dos primas menores, quienes cariñosamente lo acogen a lo largo de la trama. Tras esto, se forjan lazos emotivos que dan cuenta de la personalidad dulce y templada del protagonista. De esta forma, se retrata claramente cómo Rodrigo influyó en la vida del resto de los personajes mediante escenas variadas, que muestran momentos íntimos en los que estos interactúan, desde conversaciones nocturnas y abrazos diurnos, hasta experiencias traumáticas que refuerzan vínculos.

A lo mencionado anteriormente, se suma la manera en que los personajes se comunican entre sí. Si bien, el guión resulta claro y conciso, los intercambios de palabras se articulan principalmente a través de diálogos medianamente breves y en ocasiones incluso un poco rígidos, cayendo en la sobre explicación del contexto dictatorial en el que ocurren los eventos una y otra vez, resultando en parte obvios. Además, el guión demuestra la clara intención de introducir gran variedad –y cantidad– de expresiones y/o dichos chilenos, dando así a entender una identidad lingüística acertada, que da cuenta de aspectos de nuestra cultura, pudiendo haber sido presentado de manera igualmente oportuna, pero a través de matices más sutiles.

Por otro lado, Rodrigo es retratado a través de conversaciones y acciones como un joven que no se encuentra realmente al tanto ni de la situación a nivel país, ni de las restricciones que esto implica, modificando el relato y añadiendo romanticismo mediante la presencia de un protagonista en parte inocente, que sueña con denunciar las injusticias del golpe sin pensar en repercusiones. En este sentido, resalta también el carácter poético que busca reflejar la voz en off de narradora de la historia –perteneciente al personaje de Carmen Gloria Quintana–, sugiriendo la existencia de una profunda relación previa al hecho incendiario entre Carmen Gloria y Rojas de Negri, interpelando acciones y decisiones tomadas por el protagonista. Esto agrega de manera similar un toque de romanticismo que resulta algo forzado y, sobre todo, algo lejano a la realidad de los hechos.

En cuanto a la atmósfera, la película logra reflejar el miedo colectivo y la tensión de la época, además de espacios y elementos característicos que resultan clave para retratar el período, tales como cacerolazos, protestas y allanamientos. Las escenas no son demasiado largas, por lo que hacen que la cinta sea dinámica y en su mayoría liviana, teniendo en consideración la carga del tema que trata. Sin embargo, esto mismo es lo que también genera que en algunas ocasiones se pierda un poco la continuidad entre una escena y la siguiente.

Por último, cabe destacar que, si bien las heridas dejadas por el flagelo dictatorial a lo largo y ancho de este territorio siguen estando cargadas de un rojo fresco y humeante, vale la pena que historias como estas vean a la luz en el formato cinematográfico, alimentando la memoria de nuestro país mediante expresiones artísticas cargadas de historia. Por desgracia, “La Mirada Incendiada” no cumple del todo con este objetivo, quedando al debe principalmente en temas de fidelidad con la memoria histórica nacional y la empatía hacia víctimas del caso, ya que, a pesar de que se deja en claro que el filme tan sólo se inspira en los hechos reales, este sin duda abre paso a preguntas que vale la pena hacerse. ¿Hasta qué punto es viable mezclar realidad y ficción? ¿De qué manera abordar temáticas delicadas de la manera más empática posible? Lamentablemente, en ese sentido “La Mirada Incendiada” desarrolla su narrativa omitiendo aquel elemento tan importante.


Título Original: La Mirada Incendiada

Director: Tatiana Gaviola

Duración: 102 minutos

Año: 2021

Reparto: Juan Carlos Maldonado, Catalina Saavedra, Gonzalo Robles, María Izquierdo, Cristina Aburto, Constanza Sepúlveda, Belén Herrera, Pascal Balart, Estrella Ortiz


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