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Transit

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El contexto histórico, social o geográfico, es relevante al momento de contar una historia. Pero cuando dicho relato está particularmente enfocado en la experiencia de sus personajes, la forma de aquella historia puede variar cuando su objetivo está puesto en su fondo. En ese sentido, el director alemán Christian Petzold ha trabajado en su filmografía historias centradas en la experiencia humana universal, puesta en personajes que se encuentran en medio de situaciones inesperadas. Luego de “Phoenix” (2014), su nueva cinta, “Transit” –basada en la novela del mismo nombre de Anna Seghers–, toma la idea de jugar con el contexto para plantear cómo la experiencia de sus personajes se superpone cuando estos desean encontrar su lugar en el mundo.

Georg (Franz Rogowski) busca refugio en Francia luego de arrancar de la Alemania Nazi. Al llegar a Marsella, su identidad será confundida con la de un escritor que ha muerto. Mientras espera en este lugar para ir a su verdadero destino, conoce a una misteriosa mujer que pondrá en duda sus planes y su propia identidad.

La historia original de Anna Seghers transcurre en 1942 en medio de la ocupación Nazi, sin embargo, la cinta de Petzold toma los eventos y personajes de aquella novela para situarlos en una época de características ambiguas, donde no queda claro si es en medio de esta década o en algún tiempo pasado. Lo anterior a causa de escenarios que corresponden a la Francia de la actualidad, pero muchos de los objetos, vestimentas y los mismos personajes pareciesen pertenecer a una era pasada, donde lo digital no era protagonista. Desde el primer minuto se establece esta dicotomía entre anticuado y moderno, pero la invitación para sumergirse en este experimento narrativo es concreta y, mientras se avanza con el protagonista, la ambigüedad temporal deja de importar, puesto que el relato es un estudio de personajes y las temáticas que se esconden en su texto.

La particular característica atemporal del relato es una evidente declaración frente a problemáticas que siguen vigentes, siendo la inmigración uno de sus ejes. Una vez que Georg llega a Francia, debe luchar no tan sólo con el proceso legal de su situación, sino también con el rechazo de la autoridad y de quienes tienen la nacionalidad francesa. Al mismo tiempo, y luego de huir, esconderse y ser marginalizado, se enfrenta en un encuentro forzado con quienes están pasando por la misma situación. Por lo tanto, la compañía en este viaje hará que se sienta menos solo en un lugar que luce un aspecto amigable, pero que les grita con desprecio a quienes no pertenecen. Esta aproximación a las políticas de inmigración y los efectos que estos movimientos causan en un país, es la clara propuesta narrativa y una crítica para hablar de una realidad que es evidente y contingente en todo el mundo.

Si bien, “Transit” es una cinta que destaca por su originalidad en su propuesta narrativa y discurso, se toma de aquellas propiedades para plasmar una historia de amor que a veces se carga al melodrama, encausa el relato y finalmente es lo que prevalece después de haber ahondado en sus personajes y sus historias. Cuando Georg conoce a Marie, la profundidad con la que es construido se deja sentir en su superficie y afloran los conflictos que le darán un ritmo mucho más rápido a un relato que se caracteriza por avanzar lentamente, pero que en ningún momento decae.

“Transit” propone, en sus casi cien minutos de metraje, una historia de amor cargada de drama, logrando traspasar el paso del tiempo y las distancias geográficas, pues su propuesta narrativa atemporal ayuda a que los personajes se vean desprovistos de características propias de una época en particular. La vigencia en sus temáticas invita a la reflexión frente al sentido de pertenencia a un lugar, y la conexión con las personas que lo habitan. Finalmente, la cinta se sostiene sobre la idea de que, independiente de la procedencia geográfica o incluso el contexto temporal, las experiencias humanas logran trascender a estos conceptos.


Título Original: Transit

Director: Christian Petzold

Duración: 101 minutos

Año: 2018

Reparto: Franz Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, Emilie de Preissac, Antoine Oppenheim, Louison Tresallet, Àlex Brendemühl


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Dolor y Gloria

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Dolor y Gloria

Algunos autores lo hacen al principio, no pudiendo escapar de sus propias influencias; otros deciden hacerlo hacia el ocaso de una carrera marcada por logros que no supusieron este nivel de exposición personal. Son creaciones como “8 ½” de Fellini o “Stardust Memories” de Woody Allen donde el autor se refleja sin tapujos en su obra, haciendo explícita su biografía y poniendo como tela de conflicto sus propias inseguridades y ruminaciones. En “Dolor y Gloria” Pedro Almodóvar nos muestra pasajes que, por ser personales, nos afectan más de lo que deberían. El niño que pasa del pueblo rural a la escuela de curas, la madre que le pide no ser retratada, pero a quien homenajea de todas maneras, y un protagonista, de pelo canoso y parado, que se planta temeroso ante su carrera de cineasta.

Aquí Antonio Banderas es Salvador Mallo, un hipocondríaco y enfermo director de cine, que afirma en reiteradas ocasiones que su vida no tiene sentido si no está rodando, pero que se demuestra reticente a volver a escribir o filmar alguna película. Está en un momento de parálisis creativa, una abundancia de tiempo libre que sólo lo lleva a enfermarse más, deprimirse y entregarse a los vicios.

Retraído, esta estasis se rompe por una serie de coincidencias que, más que fortuitas, son señaladas por el guion como tales, de esas que podrían ocurrir en la vida: el reencuentro con un amor no superado, una pintura significativa que reaparece desde su infancia, un actor problemático con el que peleó hace años. Salvador se plantea frente a las circunstancias que remecen su bloqueo con la calma de alguien que no espera mucho más de la vida, mientras internamente se empiezan a mover los engranajes que lo podrían impulsar de vuelta a la acción.

Es Almodóvar haciendo las paces con la vida, cerrando ciclos, admitiendo errores, saldando deudas. Deambulante, la película no siempre anuncia hacia dónde va, o incluso se podría decir que ese destino no está tan claro o prefijado. Son, en muchos sentidos, pasajes de la vida. Escenas sorprendentemente cortas, cómicas o dramáticas; momentos o frases que sentimos que el autor anotó en su celular o una servilleta cuando ocurrieron en la vida real, de escasa relevancia dramática a primera vista, pero que van armando un efecto acumulativo mayor al que tendría la más prístina y compleja de las tramas.

Almodóvar es un maestro guionista, y en varias de sus películas anteriores es el plot, los giros narrativos y las sorpresas lo que exige la atención del espectador. Ese nivel de dominio parece haberle enseñado al director que lo contrario puede ser igualmente efectivo, y aquí se plantea algo similar a lo insinuado en “Los Abrazos Rotos” (2009), también la historia de un cineasta, valiéndose más de una atmósfera melancólica que de impresionantes giros dramáticos.

Es una suerte de síntesis del trabajo de Almodóvar en una trama muy poco almodovaresca, un experimento –o auto ficción, como lo llamaría él– que huele un poco a despedida y nos deja con la duda de hacia dónde irá después. Si bien, no es su obra más conmovedora o dramática, “Dolor y Gloria” se trata –como ha anunciado la crítica y él no se ha molestado en desmentir– del trabajo más personal de uno de los directores más influyentes de la historia, y esa es razón suficiente para inmiscuirse en el mundo que decidió compartir con nosotros.


Título Original: Dolor y Gloria

Director: Pedro Almodóvar

Duración: 113 minutos

Año: 2019

Reparto: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia,Julieta Serrano, Nora Navas, Asier Flores, César Vicente, Raúl Arévalo, Neus Alborch, Cecilia Roth, Pedro Casablanc


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