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Transit

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El contexto histórico, social o geográfico, es relevante al momento de contar una historia. Pero cuando dicho relato está particularmente enfocado en la experiencia de sus personajes, la forma de aquella historia puede variar cuando su objetivo está puesto en su fondo. En ese sentido, el director alemán Christian Petzold ha trabajado en su filmografía historias centradas en la experiencia humana universal, puesta en personajes que se encuentran en medio de situaciones inesperadas. Luego de “Phoenix” (2014), su nueva cinta, “Transit” –basada en la novela del mismo nombre de Anna Seghers–, toma la idea de jugar con el contexto para plantear cómo la experiencia de sus personajes se superpone cuando estos desean encontrar su lugar en el mundo.

Georg (Franz Rogowski) busca refugio en Francia luego de arrancar de la Alemania Nazi. Al llegar a Marsella, su identidad será confundida con la de un escritor que ha muerto. Mientras espera en este lugar para ir a su verdadero destino, conoce a una misteriosa mujer que pondrá en duda sus planes y su propia identidad.

La historia original de Anna Seghers transcurre en 1942 en medio de la ocupación Nazi, sin embargo, la cinta de Petzold toma los eventos y personajes de aquella novela para situarlos en una época de características ambiguas, donde no queda claro si es en medio de esta década o en algún tiempo pasado. Lo anterior a causa de escenarios que corresponden a la Francia de la actualidad, pero muchos de los objetos, vestimentas y los mismos personajes pareciesen pertenecer a una era pasada, donde lo digital no era protagonista. Desde el primer minuto se establece esta dicotomía entre anticuado y moderno, pero la invitación para sumergirse en este experimento narrativo es concreta y, mientras se avanza con el protagonista, la ambigüedad temporal deja de importar, puesto que el relato es un estudio de personajes y las temáticas que se esconden en su texto.

La particular característica atemporal del relato es una evidente declaración frente a problemáticas que siguen vigentes, siendo la inmigración uno de sus ejes. Una vez que Georg llega a Francia, debe luchar no tan sólo con el proceso legal de su situación, sino también con el rechazo de la autoridad y de quienes tienen la nacionalidad francesa. Al mismo tiempo, y luego de huir, esconderse y ser marginalizado, se enfrenta en un encuentro forzado con quienes están pasando por la misma situación. Por lo tanto, la compañía en este viaje hará que se sienta menos solo en un lugar que luce un aspecto amigable, pero que les grita con desprecio a quienes no pertenecen. Esta aproximación a las políticas de inmigración y los efectos que estos movimientos causan en un país, es la clara propuesta narrativa y una crítica para hablar de una realidad que es evidente y contingente en todo el mundo.

Si bien, “Transit” es una cinta que destaca por su originalidad en su propuesta narrativa y discurso, se toma de aquellas propiedades para plasmar una historia de amor que a veces se carga al melodrama, encausa el relato y finalmente es lo que prevalece después de haber ahondado en sus personajes y sus historias. Cuando Georg conoce a Marie, la profundidad con la que es construido se deja sentir en su superficie y afloran los conflictos que le darán un ritmo mucho más rápido a un relato que se caracteriza por avanzar lentamente, pero que en ningún momento decae.

“Transit” propone, en sus casi cien minutos de metraje, una historia de amor cargada de drama, logrando traspasar el paso del tiempo y las distancias geográficas, pues su propuesta narrativa atemporal ayuda a que los personajes se vean desprovistos de características propias de una época en particular. La vigencia en sus temáticas invita a la reflexión frente al sentido de pertenencia a un lugar, y la conexión con las personas que lo habitan. Finalmente, la cinta se sostiene sobre la idea de que, independiente de la procedencia geográfica o incluso el contexto temporal, las experiencias humanas logran trascender a estos conceptos.


Título Original: Transit

Director: Christian Petzold

Duración: 101 minutos

Año: 2018

Reparto: Franz Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese, Lilien Batman, Maryam Zaree, Barbara Auer, Matthias Brandt, Sebastian Hülk, Emilie de Preissac, Antoine Oppenheim, Louison Tresallet, Àlex Brendemühl


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Mirai: Mi Pequeña Hermana

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Mirai

El director Mamoru Hosoda trabajó en el estudio Ghibli para luego dar inicio a sus propios proyectos, una serie de largometrajes animados que bordeaban algunos de los temas que se exploran en su más reciente película. Si antes había un interés por la niñez o la forma en que nos configuramos como adultos, en “Mirai: Mi Pequeña Hermana” se explora esto directamente a través de Kun, un niño que se tiene que enfrentar al cambio de rutina que significa el nacimiento de su hermana.

La película opera como un drama domestico cotidiano con la atención puesta en pequeños detalles, enfocándose en mostrar las dinámicas de esta familia en la forma en cómo se relacionan sus miembros. La llegada de Mirai altera enormemente a Kun, que hasta entonces había recibido sólo afecto y atención de sus padres, y quizás de ninguna otra parte. No tenemos acceso a la vida antes de Mirai, pero podemos intuir la dependencia del niño hacia sus padres por los celos que siente hacia ella y lo mucho que esto le afecta.

Como espectadores entendemos que lo que ocurre es normal y no es personal, pero Kun se demora en hacerlo y eso es lo triste de que la trama esté centrada en la cabeza de un niño de cuatro años al que todo le afecta el triple, que aquello nos puede exasperar, pero también entendemos lo que padece porque estuvimos ahí y nos reconocemos.

Hay pequeñas desviaciones al punto de vista de los padres, pero, más allá de eso, la película está contada estricta y enfáticamente desde la visión del niño, por lo que cuando se rompe la cotidianidad construida para sumergirnos en un escenario fantástico, el efecto llama la atención, pero no se siente fuera de lugar. Pasamos a ver la imaginación de Kun, representada gráficamente como método de escapismo. Es la primera vez que el niño tiene que entretenerse consigo mismo y el convertirse en su perro o hablar con una versión de su hermana del futuro es la forma que tiene de independizarse, de empezar a pensar autónomamente.

Cada episodio fantástico, que se entrelaza con la historia familiar principal, ayuda a Kun a dar un paso hacia su propio crecimiento. El viajar en moto en fantasía con una versión joven de su tatarabuelo le hace cobrar la fuerza para aventurarse a aprender a andar en bicicleta y, aunque suene burdo o evidente, no se lee como didáctico ni simplista. “Mirai: Mi Pequeña Hermana” está contada con tanta inocencia y delicadeza, que no se puede juzgar con esos calificativos, así como no podríamos juzgar a un niño por obrar de la forma en que lo hace. El clímax es una secuencia onírica-metafórica de alta intensidad, y es tan efectivo como el desenlace de la cinta, un pequeño gesto.

El logro de “Mirai: Mi Pequeña Hermana” es moverse en ambos planos igual de bien, en lo más cotidiano de la realidad y en lo más expresivo de la imaginación, además de poder representar tan cabalmente la mente de un niño. Y es que quizás la animación es la mejor manera que tenemos desde la ficción de aproximarnos tan elocuentemente a la mirada de alguien de esa edad, de recordarnos las relaciones que manteníamos con otras personas y entregar el tipo de sabiduría que uno olvida cuando crece y las cosas se ponen más reales.


Título Original: Mirai No Mirai

Director: Mamoru Hosoda

Duración: 98 minutos

Año: 2018

Reparto: Animación

 


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