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En una época de películas taquilleras sobre superhéroes, aventuras en el espacio, adaptaciones modernas de clásicos animados, horror descabellado y otros géneros que se han tomado las pantallas, el director finlandés Dome Karukoski continúa en su línea de biopics comenzada en “Tom Of Finland” (2017), presentando un emocionante relato biográfico sobre la vida del famoso autor, poeta y profesor británico J. R. R. Tolkien, a quien podemos reconocer como el famoso autor detrás de la saga literaria “El Señor de los Anillos”.

“Tolkien” es un recuento de la juventud del famoso autor, interpretado por Nicholas Hoult, principalmente durante sus estudios en Oxford y su participación en la Primera Guerra Mundial, haciendo énfasis en las relaciones que cultivó con su cercano grupo de amigos, que conoció en una privilegiada escuela británica, y posteriormente su historia de amor con la joven Edith Bratt (Lilly Collins).

A pesar de ser un relato bastante fiel al material biográfico de origen, Karukoski cambia varios hechos de la vida del autor para dar énfasis a valores fundamentales como la amistad y el amor, pero carece de alto interés en la gran imaginación del escritor, quien fue capaz de inventar lenguas y aclamados personajes a lo largo de su carrera. En sí, es un relato que comienza con la complicada juventud que tuvo junto a su hermano cuando ambos perdieron a su madre, para luego pasar a relatar el potente vínculo que generó con tres jóvenes igual de soñadores que él.

El relato está repleto de pequeñas referencias a la famosa obra literaria del escritor, pero que, si el espectador no presta atención, pasan muy desapercibidas. Por otra parte, la química que tiene Hoult y Collins en pantalla es innegable y absolutamente fluida, entregando entretenidos y románticos momentos en medio del relato para recalcar que Edith fue parte fundamental en el desarrollo creativo del joven Tolkien.

El gran factor que aporta el elemento imaginativo y onírico en la historia es la conmovedora banda sonora de Thomas Newman, recordando un poco a sus trabajos anteriores en “Wall-E” (2008) o “Victoria & Abdul” (2017). El impecable trabajo de cámara de Karukoski nos sitúa en un principio en las calles de Oxford, dando un atractivo tour por sus alrededores para luego llevarnos a los crudos escenarios de la guerra, donde los efectos visuales se encargan de crear espectrales alucinaciones para mostrarnos sombras de lo que posteriormente serían personajes dentro de las obras del autor; sin embargo, estos momentos se sienten breves y poco relevantes en el desarrollo de la trama.

Para nada libre de polémicas, la película falla en explorar temas como la fe del autor (que se ve altamente reflejada en cada uno de sus libros) o de dónde surgió la verdadera inspiración para los numerosos personajes y criaturas de sus novelas. En estos aspectos, y en conjunto con la absoluta desaprobación de la familia Tolkien respecto a los eventos presentados, la película se enfoca principalmente en los aspectos positivos de la vida del joven autor y trata de introducir los aspectos negativos en su tercer acto, donde desafortunadamente decae el realismo y la empatía que se generaban con el personaje desde un comienzo.

Pese a estas observaciones, “Tolkien” no deja de ser un relato emocionante para quienes no conocen nada de la vida del autor. Hay que reconocer que la película pasa por momentos poco creíbles debido a los cambios en la historia real (que pueden defraudar totalmente a los fanáticos del escritor), pero, a fin de cuentas, logra que el espectador empatice con la vida del personaje, quien nunca estuvo libre de la tragedia y la inseguridad. Al igual que las mágicas novelas del propio Tolkien, la película es un viaje inesperado, algo apresurado y divido en perspectiva, pero que finalmente enternece al reflejar una vida llena de coraje, hermandad y fantasía.


Título Original: Tolkien

Director: Dome Karukoski

Duración: 112 minutos

Año: 2019

Reparto: Nicholas Hoult, Lily Collins, Genevieve O’Reilly, Colm Meaney, Tom Glynn-Carney, Patrick Gibson, Anthony Boyle, Craig Roberts, David Puckridge, Pam Ferris, Derek Jacobi, Laura Donnelly


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Había Una Vez… En Hollywood

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Había Una Vez En Hollywood

Lo difícil de hablar sobre “Había Una Vez… En Hollywood” tiene que ver con que la película se rehúsa a ser reductible a un simple concepto o temática. Trata sobre los asesinatos de Charles Manson, sí, pero también sobre la época de transición entre el antiguo y el nuevo Hollywood, sobre los dos extremos de una misma carrera artística, e incluso se pregunta qué es lo real cuando se ve una película. Quentin Tarantino amplía su espectro más que nunca y, no conforme con la reescritura histórica que hizo en 2009 con “Inglourious Basterds”, ahora ataca otro nicho. Si antes sintió la necesidad de defender a su pueblo de los nazis, ahora lo hace con su pasión y oficio, y son el famoso distrito californiano y su amor por el cine los que obtienen esta corrección, la de imaginar qué hubiera pasado si…

Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) es un actor de westerns televisivos que empieza a enfrentar el declive de su carrera. Vive esta transición con quien es quizás su único amigo, su doble de acción Cliff Booth (Brad Pitt, en la clase de actuación que recae completamente en el carisma que sólo las estrellas pueden tener) en el Hollywood de 1969, el verano del amor en que los hippies pululaban por doquier antes de que los asesinatos mencionados ocurrieran, se rompiera la burbuja y se diera paso a unos más sombríos años 70. Dalton es vecino de Sharon Tate (Margot Robbie, más concepto que personaje) y, conociendo su destino, es sólo cuestión de tiempo para que la película una sus líneas narrativas, fusione personajes ficticios con aquellos basados en personas reales y se entienda el experimento que Tarantino propone en esta cinta.

Durante las primeras dos horas de metraje no ocurre mucho más que una presentación de personajes y situaciones a lo largos de dos días. Son la clase de licencias narrativas que hacen comprensible el que ya se haya anunciado la adaptación televisiva de “Había Una Vez… En Hollywood” las que permiten que el personaje de Brad Pitt tenga su propio corto de veinte minutos en la mitad de la película, o que un día en el set con DiCaprio parezca un capítulo aparte de la película que se está viendo. Y, más allá de molestar, son las mejores secuencias de la cinta. Este es un ritmo lento y desprovisto de conflicto, que parece una novedad para Tarantino y que da paso a preguntarse qué hay detrás de todo esto.

Hay un cuestionamiento constante sobre lo que es real y lo que no. A veces explícito, a veces integrado en situaciones. Margot Robbie va al cine a ver una película en la que actúa, pero lo que Tarantino proyecta es a la verdadera Sharon Tate. Se muestra una película de Steve McQueen, pero también al actor que lo interpreta y que claramente no es Steve McQueen. DiCaprio actúa de Dalton, un actor actuando de otro personaje para la televisión, y cuando se equivoca en sus líneas pareciera que es intencional el que por un segundo se piense que es el verdadero DiCaprio olvidándolas.

Y quizás esa es la lógica detrás del casting de Al Pacino en un cameo, o del desfile de rostros conocidos que presenta la película, que incluye a Dakota Fanning, Bruce Dern, Kurt Russell y Lena Dunham, empujando al espectador a distanciarse con las apariciones de actores que no llegamos a creer en sus personajes porque sólo vemos a quienes los interpretan. “Los actores son unos falsos, no puedes creer nada que salga de su boca”, dice un personaje de la película, pero los guionistas son iguales, y aquí Tarantino no nos deja olvidar que esta es una fantasía, que hasta su plano final tiene el propósito de evidenciar la ironía, que es él diciéndole al espectador constantemente: “No es cierto, ¿recuerdas? Esto no era verdad”. Es un cuento.

Y lo que queda entonces es entregarse a Tarantino en su versión más distendida y experimental. Disfrutar las escenas de Brad Pitt y Leonardo DiCaprio en el auto conversando como si no hubiese que llegar a alguna parte con cada escena. Asombrarse con ingenuidad junto a Margot Robbie por lo que depara un futuro que puede nunca llegar. Anticipar la violencia pop clásica del cineasta que se esconde, pero se anticipa porque la premisa de la película ya advirtió que existiría. Y reconocer que es una película diferente a lo que ha habido en el cine el último año y que sólo podría haber hecho un Tarantino que se está empujando un poco más.

Si esta fantasía sirve de algo, es para constatar que el director se sigue desafiando, que no descansa en lo construido con su filmografía y que, sin traicionarla, puede evolucionarla. Que puede madurar y entregar su película más personal, aquella que es capaz de proponer que la violencia no es el fin y que, aunque le parezca entretenida, no es el comentario con el que quiere que se vaya el espectador. Mejor aún, que ese comentario puede ser cualquier cosa que uno rescate del abanico de temas que propone y que uno tiene el tiempo de pensar mientras la película divaga, y uno divaga con ella, reflexionando que quizás no importa nada de lo que está pasando, que puede que todo sea mentira, pero que qué divertido es salir del mundo real e ir al cine un rato.


Título Original: Once Upon A Time… In Hollywood

Director: Quentin Tarantino

Duración: 161 minutos

Año: 2019

Reparto: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Emile Hirsch, Margaret Qualley, Al Pacino, Kurt Russell, Bruce Dern, Timothy Olyphant, Dakota Fanning, Damian Lewis, Luke Perry, Michael Madsen


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