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Sin Tiempo Para Morir Sin Tiempo Para Morir

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Sin Tiempo Para Morir

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Todo comienzo debe desplegar su final, como bien claro lo deja el director estadounidense Cary Joji Fukunaga tras revelar, luego de seis años desde “Spectre”, la última película de la saga, y año y medio de espera pandémica para el estreno de “Sin Tiempo Para Morir”, la entrega número 25 del famosísimo Agente 007.

La película final con Daniel Craig a la cabeza, y la más cara de la saga, inicia con la breve historia de la brutal muerte de la madre de Madeleine Swann (Léa Seydoux) a manos de un misterioso hombre enmascarado, el antagonista principal del filme. Tras esto, nos encontramos con James Bond y Madeleine en un pueblo situado en algún lugar de Italia, tratando de llevar una vida tranquila e intentando dejar el pasado donde pertenece. Con esta premisa inicia el desencadenamiento de múltiples eventos, mayormente desafortunados, en los que Bond deberá llevar nuevamente al Agente 007 desde su lugar de retiro hacia el deber.

Al menos durante el inicio de la película, los diálogos entre personajes son simples y no muy creativos, lo que hasta cierto punto podría justificarse dentro del género, elemento que afortunadamente va incrementándose en calidad a medida que el metraje avanza. Otro punto importante acá es la acción que conlleva cualquier película protagonizada por el personaje creado por Ian Fleming.

La cinta cuenta con las infaltables secuencias de persecuciones automovilísticas, tiroteos y explosiones, siendo sólo algunas de las escenas que, a pesar de no ser recursos demasiado innovadores dentro de la burbuja de los filmes anteriores, en “Sin Tiempo Para Morir” se presentan con un timing que claramente tiene como meta sorprender y dejar al espectador literalmente al borde de su asiento. Y lo consigue. Además, la película cuenta con una paleta sonora que enriquece la experiencia visual de dichas escenas, con la intensidad necesaria como para caer inmerso en el visionado, llevando incluso a sentir y empatizar el agotamiento de los personajes.

Por otro lado, una de las aristas de la dirección de Fukunaga (y, por cierto, de su director de fotografía, el sueco Linus Sandgren) se ve reflejada en un trabajo de cámara que resulta fluido y dinámico, sobre todo al momento de tener que seguir a los personajes que corren en motos y automóviles a toda velocidad por angostas calles y peligrosas curvas, logrando que, en general, las secuencias no se hagan monótonas. Además, la duración de las escenas de acción es justa y precisa, a diferencia de lo que ocurre en otras películas del género, en que tales momentos a veces se extienden por más tiempo del necesario, algo que en “Sin Tiempo Para Morir” no sucede y todo se calibra en su justa medida.

A pesar de que, al igual que en los filmes anteriores, el personaje de Bond sigue siendo retratado en su mayoría como un tanto invencible, y a veces casi como un superhombre capaz de enfrentarse a cualquier eventualidad, siendo capaz de superar obstáculos exitosamente, en “Sin Tiempo Para Morir” también deja ver su lado más sensible y vulnerable ante los golpes que le da la vida. Y es que sus mayores motivaciones durante el desarrollo del filme se fundan principalmente sobre bases emotivas, ya sea al momento de ser convencido por su amigo y compañero Felix (Jeffrey Wright) de ayudarlo y volver a aceptar su cargo, o cuando alguno de sus seres queridos se ve en aprietos y Bond cruza cielo, mar y tierra para salvarlos con la esperanza de garantizar su futuro juntos.

En momentos como aquellos es que aflora la emotividad del Agente 007, un personaje que podría equívocamente dar la impresión de no ser más que precisión y practicidad, pero que deja en claro que, si el corazón de los fanáticos de la saga late más fuerte al ver la película que concluye la “época Craig”, no es más que por el eco del suyo mismo. “Sin Tiempo Para Morir” es todo un espectáculo visual y sonoro, y un final más que digno para quince años y cinco películas de un James Bond que supo más de altos que de bajos.


Título Original: No Time To Die

Director: Cary Joji Fukunaga

Duración: 163 minutos

Año: 2021

Reparto: Daniel Craig, Rami Malek, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ana de Armas, Ben Whishaw, Jeffrey Wright, Léa Seydoux, Rory Kinnear, Dali Benssalah, Billy Magnussen, Christoph Waltz


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Duna

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Duna

Adaptar la novela “Dune” de Frank Herbert a la pantalla grande, ha sido ambición del séptimo arte desde su publicación en 1965. Conocidos son los casos de Alejandro Jodorowsky con un proyecto que, sin nunca haberse concretado, alcanzó estatus de culto, y el de la cinta de 1984 de David Lynch, fracaso crítico y de taquilla, que a la postre se convertiría en la única mochila con la que uno de los mejores directores del mundo ha debido cargar. De esta forma, la adaptación 2021 de “Duna”, a cargo del connotado Denis Villeneuve, se convertía en el esperado gran evento cinematográfico del último tiempo.

Es el año 10.191 y el emperador Shaddam IV mandata a la Casa de Atreides, regida por el Duque Leto, a trasladarse al desértico planeta Arrakis para encargarse de la explotación de la Melange, una sustancia con propiedades asombrosas. Leto se muda junto a Lady Jessica, su concubina y parte de la Bene Geserit (un grupo de misteriosas mujeres con habilidades mentales), y su hijo Paul, un muchacho que es percibido como una especie de mesías, además de todo su ejército y hombres de confianza, pero apenas llegan al lugar, percibe que, más que un servicio de honor, la movida podría ser una trampa del imperio en colusión con la Casa Harkonnen, regida por el malvado Barón Vladimir, para acabar con los Atreides.

En sus primeros minutos, lo primero que llama la atención de “Duna” es su empleo práctico de las secuencias: a diferencia de la cinta de 1984, e incluso de la misma novela, Villeneuve establece el universo de la historia sin muchos guiños a los aspectos filosóficos y psicológicos de los personajes, más bien va dejando en claro quién es quién y cómo se mueven dentro del tablero para luego, tal como ha hecho con sus películas anteriores, ir soltando pequeñas bombas de información y las motivaciones de cada personaje. Y esto se agradece, pues ese mecanismo le permite a la cinta avanzar sin tropiezos en el ritmo que establece en un principio.

Además del meticuloso guión, que denota un esfuerzo por incorporar todos los frentes de los postulados con los que Herbert nutrió su obra, lo anterior es encarnado por un reparto que está más que a la altura de las circunstancias, moviéndose por todos los extremos, mezclando de manera natural la impronta shakespeariana con las más atrevidas acrobacias físicas. En este sentido, Timothée Chalamet, como protagonista y quien más debe hacer gala de aquel rango dinámico, da el ancho a cabalidad. Por otra parte, destacables son las actuaciones de Charlotte Rampling y Stellan Skarsgård, quienes, con un velo sobre el rostro la primera y grandes capas de maquillaje el segundo, impresionan en sus cortas apariciones, sobre todo la presentación del Barón Harkonnen evocando sin empacho alguno a “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola.

Pero “Duna” también es una historia épica y bélica, donde el diseño de producción, los artilugios y el vestuario cumplen un rol importante, y en este aspecto la cinta deja boquiabierto. Se agradece que Villeneuve en su mayoría opte por efectos prácticos y sólo aplique CGI de manera circunstancial (gran acierto la forma en que es representada la Melange en el aire). Está todo tan bien trabajado, que queda la sensación de que uno como espectador jamás ha visto una puesta en escena como la que plantea el director junto a su equipo creativo y técnico, destacando los diseños de Patrice Vermette (con quien también trabajó en “Arrival” de 2016) y la fotografía del australiano Greig Fraser, últimamente un especialista en escenarios épicos, resaltando de distintas maneras en la ambientación de los planetas, cada uno con sus singularidades lumínicas. Como complemento a la maravilla visual, el diseño de sonido es impecable, y el score de Hans Zimmer, pese a sus pocas sutilezas por momentos, acompaña adecuadamente el relato y tiene un par de melodías que dejan sin aliento al son de sus característicos tambores y la destrucción que se muestra en pantalla.

Así como las virtudes de la película son evidentes, también lo son sus pequeños defectos. Al ser una novela con un abanico tan amplio de tópicos, Villeneuve es consciente de que debe elegir caminos, y en ese accionar va perdiendo los temas o, más bien, el foco va alumbrando discriminadamente a medida que el metraje se acerca a su último acto. Lo anterior genera los pasajes más bajos en cuanto a diálogo, ya que se ve en la obligación de desprender información de forma gruesa a través de los personajes para mantener el equilibrio de los hilos conceptuales, desembocando en un cambio de percepción rítmica. También hay ciertos datos que son omitidos, pero que en la cinta terminan siendo cruciales, casi como dirigidos exclusivamente al lector de la novela. Sin embargo, esto es apenas un lunar dentro del gran marco que la película propone, y bajo ningún sentido le resta mérito a todo lo visionado antes de los créditos finales.

“Duna” es un espectáculo narrativo y visual que le hace justicia a la gran obra de Herbert, donde la política, la religión, la ecología y el romance de la novela (este último sólo oníricamente) son tratados respetuosamente por Villeneuve, pese a las libertades creativas que se toma, donde los más puristas podrían poner el grito en el cielo. Si Jodorowsky representó el anhelo y Lynch el ensayo, Denis Villeneuve encarna el sueño cumplido, aunque sea de aquellos en que uno despierta a la mitad y se esfuerza por volver a dormir y retomarlo, simbolizando una segunda parte y final que, como ya es sabido, lamentablemente está supeditada a su resultado en la taquilla.


Título Original: Dune

Director: Denis Villeneuve

Duración: 155 minutos

Año: 2021

Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Oscar Isaac, Josh Brolin, Jason Momoa, Stellan Skarsgård, Zendaya, Javier Bardem, Sharon Duncan-Brewster, Charlotte Rampling, Chang Chen, Stephen Henderson, Dave Bautista


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