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Lo Que Fuimos

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Una de las temáticas más delicadas y complicadas a reflejar dentro del cine, son las enfermedades mentales y su efecto en las diversas dinámicas familiares. Los emocionantes relatos, como la aclamada “Still Alice” (2014) o la romántica historia de “The Notebook” (2004) nos han mostrado desde distintas perspectivas cómo el cine se encarga de reflejar el deterioro psico-bio-social y el creciente dolor que impone una enfermedad como el Alzheimer dentro de una familia o una pareja de enamorados.

“Lo Que Fuimos” es el debut como directora de la actriz, guionista y dramaturga Elizabeth Chomko, quien, junto a un impresionante elenco liderado por Hillary Swank, Michael Shannon, Blythe Danner y Robert Forster, presenta una historia sobre el dolor, la memoria y la frágil dinámica de una familia sumida en la vejez y la distancia.

En esta historia, Swank interpreta a Bridget, una joven madre acompañada de su rebelde hija, que regresa al hogar de su padre en Chicago para ayudarlo con su madre, quien padece de Alzheimer. Por una parte, Bridget está dispuesta a asistir a su padre con lo que sea necesario, pero su hermano Nicky (Shannon) está decidido a poner a su madre en una residencia donde profesionales cuidarán mejor de ella.

El dilema generacional propuesto en esta película nos demuestra cómo el dolor y el amor familiar pueden chocar de maneras inesperadas, ya que cada personaje debe enfrentarse a un pasado del cual, con la situación presente, deseaban escapar. Es una interesante visión de las relaciones familiares fracturadas por la distancia, pero reunidas por lo que parece una creciente tragedia; al igual que la enfermedad que padece la madre, la película nos ofrece un vaivén de emociones desde el comienzo, incluyendo divertidos momentos en medio del relato para luego pasar a escenas que pueden entristecer a las audiencias, debido a su crudeza y compromiso con la realidad que supone el vivir con esta dolorosa enfermedad.

El brillante guion y la dirección de Chomko, junto a la cinematografía de Roberto Schaefer, nos llevan por los paisajes urbanos de Chicago y California, aterrizando la historia en el pintoresco apartamento donde se desarrolla la mayor parte de la historia. La emotiva música de Danny Mulhern y las actuaciones del elenco principal, hacen de “Lo Que Fuimos” un relato que logra empatizar completamente con el espectador, a pesar de tener pequeños momentos en el medio que se sienten algo lentos y que no aportan mucho al desarrollo, pero sí profundizan en la complicada historia detrás de cada personaje.

Las impecables interpretaciones de Danner y Forster como los padres de Bridget y Nicky se sienten altamente emotivas, logrando enternecer con su amorosa, simpática y complicada relación con sus hijos. A su vez, la relación entre Swank y Shannon se siente muy natural y fluida, logrando encarnar de manera excelente a dos hermanos bastante diferentes, pero que comparten dolores similares en sus respectivas vidas privadas, así como también un deseo por conseguir lo que sólo sus padres han obtenido a lo largo de su relación.

En definitiva, “Lo Que Fuimos” es una historia enternecedora, recomendada para quienes buscan un drama familiar distinto y contemporáneo. El relato cumple con presentar una interesante reflexión sobre la persistencia del amor a través de los años, los sentimientos encontrados y cómo una terrible enfermedad amenaza con deshacer todo recuerdo de ese amor. Llena de momentos tan emocionantes como dolorosos, esta película invita a reflexionar sobre el valor que tienen nuestros vínculos familiares, qué tan poderosos pueden ser y, tal vez, una propuesta para tener un poco más de nostalgia en nuestras vidas.


Título Original: What They Had

Director: Elizabeth Chomko

Duración: 101 minutos

Año: 2018

Reparto: Hilary Swank, Blythe Danner, Michael Shannon, Robert Forster, Taissa Farmiga, Aimee Garcia, Jay Montepare, Jennifer Robideau, Josh Lucas, Ann Whitney, William Smillie


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Midsommar

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Midsommar

“Midsommar”, el segundo largometraje de Ari Aster, logra reafirmar un estilo particular de dirección para abordar el terror. A diferencia de “Hereditary” (2018), su película anterior, aquí la idea de la ritualidad es abarcada desde una puesta en escena que ya no es oscura y nocturna, sino que totalmente iluminada para transmitir una idea pureza y virginidad.

Dani (Florence Pugh) es una joven estudiante que acaba de sufrir el fallecimiento de su hermana y de sus padres. Christian (Jack Reynor), su pareja, es el único lazo que la contiene frente a sus constantes crisis, pero la relación de ambos se encuentra en un momento de inestabilidad. Dani se entera por el grupo de amigos de él de que viajarán todos juntos a Suecia, donde se celebrará un evento especial de la comunidad a la que uno de ellos perteneció. Por compromiso, Christian decide invitarla. Entregados a admirar y participar de este festival de verano, al poco tiempo son testigos de rituales que son a lo menos duros de mirar, y de los cuales inevitablemente se van volviendo parte, hasta convertirse en pilares fundamentales de la celebración.

La construcción de esta historia gira en torno a lo desconocido y lo ajeno que resulta para los personajes todo lo que está por ocurrir en esta semana de festividad de acuerdo a las creencias de los mismos participantes. Sin embargo, estas son mostradas con antelación al espectador, por lo que el desarrollo de la película no estaría marcado precisamente por la sorpresa de los acontecimientos, y más bien se avanza a través de ella como compañeros de su protagonista, interpretada por Florence Pugh, quien encarna perfectamente a este personaje atormentado y confundido, siendo parte de un universo que no entiende, pero del que se sumerge casi sin darse cuenta.

Si bien, el guion juega con darle un carácter de “cultural” o una justificación religiosa a las acciones de sus antagonistas –ya que los mismos personajes mantienen la intención de una investigación antropológica–, no profundiza en ello, para así dejarnos principalmente con la sensación de terror frente a imágenes crudas que no pueden ser fácilmente entendidas por quienes no somos parte de esa espiritualidad, la que, a su vez, pareciera tener un futuro ya predeterminado.

Ari Aster crea así una atmósfera de ensoñación acorde a los estados de sus personajes, drogados con las pócimas, la belleza del lugar y lo extraño de los distintos acontecimientos. El Midsommar es representado desde la dirección de arte a través de un espacio que se presenta como pulcro y perfecto, con los colores cálidos del verano y el colorido de las flores. La fotografía, por su parte, forma una especie halo blanco que remite a un lugar paradisíaco, bañado con la luz del sol, el que se distorsiona de manera interesante en ciertos momentos para enfatizar un estado mental abierto a “la influencia”.

La calidad en las distintas áreas técnicas del cine del director logra formar una pieza de valor artístico que es sin duda un aporte para el género de terror, sin embargo, si bien aquí de todas maneras juega con elementos de suspenso a través de la música o sus movimientos de cámara, “Midsommar” no resulta una película que deje con una sensación constante de demasiado miedo ni terror, sino más bien de una espera frente a lo que está por venir y una contemplación constante.

Conociendo a grandes rasgos los elegantes mecanismos técnicos que le dan a Aster un carácter de autor al que vale la pena seguir el rastro, su tercer filme exigirá dar un paso más allá respecto de cómo abordar situaciones “terroríficas”, donde quizás su mayor desafío sea el de seguir mezclando una buena historia de terror o suspenso con una hermosura de imágenes y sonidos que le den otra capa de profundidad o, al menos, algún tipo de cuestionamiento de la misma, y así poder ver las dos caras de la moneda, es decir, poder percibir lo “especial” que ve el antagonista respecto a eso que a nosotros nos da terror. En este sentido, no remitirse al susto exclusivamente por lo brutal e inesperado, sino que enlazarlo con una mirada artística, que necesite cada vez menos sustentarse en los clichés, continuando también con una construcción de personajes y dirección de actores impecable, que puedan transmitirnos una historia completamente ajena al espectador, pero a la vez cercana y posible.

“Midsommar” resulta una película que aborda el terror desde un interés cercano a la antropología, que, al igual que “Hereditary”, explora la idea del ser parte de una comunidad con ciertas creencias y tradiciones que ya tienen un plan establecido para los protagonistas, y de los que ellos no están enterados, pero que, en el caso particular de esta cinta, propone crear un contraste entre prácticas brutales y una apariencia visual pura o virginal, idea que pudo haber sido explotada más profundamente para generar un impacto potente en el espectador, y que acá no se consigue del todo. De todos modos, cabe destacar que, en lo que va de su filmografía, Aster logra unas gloriosas escenas finales, que dejan con una sensación perturbadora e incómoda de, a pesar de todo, estar admirando algo realmente bello.


Título Original: Midsommar

Director: Ari Aster

Duración: 147 minutos

Año: 2019

Reparto: Florence Pugh, Jack Reynor, Will Poulter, William Jackson Harper, Ellora Torchia, Archie Madekwe, Vilhelm Blomgren, Julia Ragnarsson, Anna Åström, Anki Larsson


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