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Ad Astra: Hacia Las Estrellas

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Ad astra per aspera”, o “A las estrellas a través del sacrificio” en una traducción al español, es la frase que acompaña la placa en Cabo Cañaveral en homenaje a los tres astronautas de la misión Apolo 1 que murieron debido a un incendio en la cabina. Por lo que se puede deducir que, en el camino para lograr un objetivo, los sacrificios son necesarios, particularmente en el viaje hacia la exploración espacial, lugar donde el ser humano ha descubierto su fragilidad frente a la inmensidad de lo que nos rodea fuera del planeta Tierra. “Ad Astra: Hacia Las Estrellas” pretende explorar las interrogantes que existen frente a estas exploraciones, donde además de la imponencia de los astros, lo más trivial e íntimo del ser humano es capaz de salir a la luz.

Roy McBride (Brad Pitt) es un ingeniero que perdió a su padre, quien partió sin retorno a una misión a Neptuno para buscar vida inteligente. Veinte años más tarde, los signos de aquella misión parecen ser visibles, por lo que Roy emprenderá la búsqueda de su padre y, al mismo tiempo, de sí mismo.

“Ad Astra: Hacia Las Estrellas” muestra en una primera instancia, y en una visión futurista bastante realista, el avance de la humanidad en la exploración del espacio y la conquista de nuevos lugares fuera de nuestro planeta, aludiendo a la evidente e inevitable idea del ser humano y la explotación de un lugar sólo por el beneficio económico. El claro esbozo de este comentario da paso natural a que las preguntas en la cinta se vayan tornando mucho más grandes y volcándose hacia lo más esencial del ser humano, por esta razón, la motivación de enviar a un astronauta en búsqueda de una misión que parecía pérdida se gesta de forma natural, donde la urgencia está puesta en el heroísmo, pero, al mismo tiempo, hay razones ocultas mucho más robustas que empujan al protagonista a aceptar el desafío.

El heroísmo que implica la misión de exploración y rescate está puesto en los hombros de Roy McBride, un hombre construido con capas sólidas y que pareciera ser insensible frente a lo adverso, en sintonía con la representación de Neil Armstrong en “First Man” (2018), donde en ambos personajes se puede sentir la presión que existe por ser victoriosos en sus tareas, pero sin interés en el éxito personal, sino más bien alcanzar el triunfo por un bien mucho mayor.

La construcción por capas que se le asigna a Roy se utiliza para establecer ciertos comentarios frente al coraje y la masculinidad, pero aquella coraza se irá descascarando paulatinamente hasta descubrir su vulnerabilidad, despojándolo de cualquier disfraz de estabilidad, pues la soledad del espacio exterior pareciera ser el escenario perfecto para desvestir y exhibir la fragilidad humana, siendo a través de monólogos internos la manera que tenemos para conectar con los pensamientos más íntimos del protagonista.

Si “The Lost City of Z” (2016), el anterior trabajo de James Gray, utilizaba el viaje por las amazonas en búsqueda de la obsesión por un lugar, “Ad Astra: Hacia Las Estrellas” tiene el espacio exterior como el escenario para una intrincada travesía. Para lograrlo, el trabajo fotográfico a cargo de Hoyte Van Hoytema provoca una inmersión en los distintos paraderos en los que el astronauta transita; la expedición visual a través de los distintos cuerpos celestes es capaz de envolver y fascinar al espectador. Siendo ayudado por la música de Max Richter, la cinta resulta un deleite audiovisual al capturar la inmensidad del espacio exterior.

“Ad Astra: Hacia Las Estrellas” está levemente inspirada en “Heart Of Darkness”, novela corta escrita por Joseph Conrad, el material de fuente para “Apocalypse Now” (1979), por lo que sutiles ideas pueden ser conectadas entre ambas cintas, siendo un complejo y oscuro viaje por destruir un objetivo la más fuerte de todas. Lo cierto es que en la cinta de James Gray esta idea va quedando en evidencia hacia el tercer acto, donde se van develando las reflexiones y el enrevesado camino de autodescubrimiento que hace el protagonista, donde, sin buscarla, se encuentra con la redención de las personas que lo rodean y de sí mismo. Momento donde la reflexión frente a la relación con su padre se transforma en la idea fundamental de una cinta que busca hacer preguntas intimas en un espacio de grandes dimensiones. Afortunadamente estos cuestionamientos se acoplan naturalmente al relato que se ha construido.

Siendo una cinta de ciencia ficción, sus parientes “Interstellar” (2014), “Gravity” (2013) e incluso “Solyaris” (1972) se hacen presente para recordar el pretexto que se utiliza en el género para trabajar ideas relacionadas con nuestra propia humanidad y las eternas preguntas filosóficas que nos acompañan. “Ad Astra: Hacia Las Estrellas” logra capturar esa esencia y asombrar con sus interrogantes en el espacio íntimo de la mente del protagonista, pero en medio de la inmensidad y soledad del espacio exterior.


Título Original: Ad Astra

Director: James Gray

Duración: 122 minutos

Año: 2019

Reparto: Brad Pitt, Liv Tyler, Ruth Negga, Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, John Finn, Kayla Adams, Kimmy Shields, Bayardo De Murguia, Lorell Bird Dorfman, Sasha Compère


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El Llamado Salvaje

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El Llamado Salvaje

El CGI (Computer Generated Imagery) en el cine es a menudo un tema controversial al ser a veces mal utilizado, o ser técnicamente deficiente. A veces el efecto que genera es simplemente espantoso, como en el caso de “Cats” (2019), en otras busca ser casi lo único valioso en una película, más que historia o personajes, como en el caso de “Avatar” (2009). Esto se debe en gran medida a que es un recurso relativamente nuevo en la historia del cine, y las capacidades técnicas de los efectos especiales siempre están evolucionando. Algo notable de “El Llamado Salvaje” desde un principio es el uso de CGI para generar personajes casi en su totalidad, lo que es definitivamente una apuesta arriesgada. Sin embargo, el resultado, a pesar de no ser perfecto, es un buen camino a seguir para la industria en el futuro.

La historia sigue a Buck, un perro grande y afable, criado por una acaudalada familia en California, que es secuestrado y vendido durante la Fiebre del Oro, y enviado a Yukon, al norte de Canadá. Ahí vivirá diversas aventuras y conocerá a diferentes perros y personas que lo acercarán a su lado más salvaje, lo que finalmente lo llevará a su destino.

“El Llamado Salvaje” es una sólida película de aventuras, en gran medida porque el personaje principal es profundamente querible. Pese a que puede ser sumamente difícil generar empatía con un protagonista que no habla, por lo que se vuelve difícil entrar en su mundo interior, el film toma las decisiones adecuadas de utilizar una voz en off que a menudo nos dice lo que piensa, y hacer uso del CGI para darle al animal un gran rango de emociones y personalidad. Inmediatamente somos capaces de conectarnos con Buck, y además de entender su relación con los otros animales que conoce, los que también son sumamente expresivos.

Y ese es uno de los grandes aciertos de la película. El uso que le da al CGI tiene más que ver con construir personajes expresivos y queribles que con buscar un fotorrealismo que sea técnicamente sorprendente, o con generar un mundo de fantasía que sea el gancho de la cinta. A diferencia de “The Lion King” (2019), acá los personajes caninos están llenos de expresividad y personalidad, incluso a pesar de no tener voz, y esto es casi en su totalidad a lo efectivo del CGI.

Aunque, claro, la falta de prolijidad técnica en la animación de los personajes se siente, y en algunas escenas casi llega a distraer de la historia. Hay momentos en que estos no alcanzan a mezclarse bien con su ambiente y se sienten como personajes de videojuego, moviéndose por un ambiente de manera desconectada. Sin embargo, el film completo genera una sensación de fantasía y plasticidad que se complementa bien con este aspecto.

Básicamente, todo es un poco plástico, pero al menos de manera coherente. Se siente como un film animado, tanto por su textura visual como por su puesta en escena, lo que tiene sentido, considerando que es la primera película live action del director Chris Sanders, famoso por “Lilo & Stitch” (2002) y “How To Train Your Dragon” (2010) y “The Croods” (2013). Esto lleva a que los momentos en que el CGI falla se vuelvan menos choqueantes y nunca lleguen a ser más llamativos que la historia en sí.

“El Llamado Salvaje” no es una película perfecta, tiene algunas falencias de guion, algunos de sus personajes (particularmente los villanos) son algo caricaturescos y el final se vuelve sobre explicativo, alargándose y siendo innecesariamente cursi. Sin embargo, al igual que el viaje de Buck, es una película con altos y bajos: una vez terminada, es un viaje que valió la pena tomar. Y no sólo eso, es también un buen ejemplo de las posibilidades narrativas que puede tener el uso de CGI en el cine, si dejamos de centrarnos en el aspecto técnico y volvemos a concentrarnos en la historia y los personajes.


Título Original: The Call Of The Wild

Director: Chris Sanders

Duración: 105 minutos

Año: 2020

Reparto: Harrison Ford, Dan Stevens, Bradley Whitford, Karen Gillan, Omar Sy, Jean Louisa Kelly, Terry Notary, Cara Gee, Colin Woodell, Wes Brown, Anthony Molinari, Brad Greenquist


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