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Cine

Capitán América y el Soldado del Invierno

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Los estudios Marvel parecen haber dado con la fórmula perfecta para sus películas desde que “Iron Man” (2008) revitalizó el género: mezclando acción y efectos especiales de última generación, con bastante humor (en muchos casos riéndose de sí mismos), tramas simples pero bien hilvanadas y buenos actores dejados a sus anchas, estas obras arrasan con la taquilla mundial, convencen a la crítica más escéptica y, por sobre todo, entretienen un montón. “Capitán América y el Soldado del Invierno” repite esta fórmula, pero comienza a desarrollar niveles un poco más profundos, al igual que lo su predecesora “Iron Man 3” (2013).

CAPTAIN AMERICA THE WINTER SOLDIER 03Ya instalado en el siglo XXI, Steve Rogers/Capitán América (Chris Evans) sigue luchando contra el terrorismo y las amenazas globales de la mano de SHIELD, la organización liderada por Nick Fury (Samuel L. Jackson). Pero la aparición de problemas dentro de esta misma, a la vez del cuasi mitológico Soldado del Invierno, pondrá a prueba tanto su fuerza, como su moral y ética personal.

Una vez rescatado el mundo y probada la fuerza del equipo de Los Vengadores, los productores tuvieron la visión de comenzar a centrar los problemas a enfrentar por sus superhéroes en el campo interno. Esto ya se venía oliendo desde “The Avengers” (2012), con las dudas y choques éticos del equipo con los planes secretos de SHIELD, y se profundizó más en la mencionada “Iron Man 3”, centrada principalmente en los conflictos personales, e incluso psicológicos, de Tony Stark después de la batalla en Nueva York.

La secuela de “Captain America: The First Avenger” (2011) continúa esta exploración, centrándose en las disputas con los enemigos internos más que en los foráneos (sean humanos o extraterrestres). Es así como el principal conflicto que debe atravesar el Capitán no es la administración de la violencia, sino que saber elegir en quién confiar y cuándo anteponer sus propias convicciones éticas a las órdenes de sus superiores. Esto, a su vez, le da una constante sensación de duda y riesgo a la película, en cuanto la línea divisoria entre buenos y malos nunca ha estado tan fina.

CAPTAIN AMERICA THE WINTER SOLDIER 02Tomando esta idea como centro y motor de la obra, la cinta opta por un desarrollo más austero (para Marvel, al menos), centrando la mayor parte de la acción en espectaculares y muy bien filmadas peleas mano a mano, o persecuciones callejeras, por sobre el efectismo y la pirotecnia excesiva. De esta forma, la película se compone de más contenido y carácter que mero maquillaje virtual, logrando una mayor trascendencia y permanencia de las imágenes, donde el 3D llega a incluso parecer superfluo.

Al igual como lo hicieron con la superior secuela de Thor, los productores se dieron cuenta rápidamente de que en el Capitán América no tenían un personaje que pudiera sostener la película por sí mismo; su efectividad como héroe de acción es indudable, pero no da para satisfacer en otros niveles. Por eso es que tuvieron el tino de incluir a Natasha Romanov/Viuda Negra (Scarlett Johansson) como su sidekick, la que al igual que Loki para Thor, completa la historia al entregar contenido más humorístico, junto con un personaje con antecedentes y motivaciones más complejos, ya que mientras más se revela sobre Natasha, más queda por especular. Aparte de esto, las capacidades de la actriz superan ampliamente a los de su co-estrella, elevando a Romanov a un nivel superior.

La película también trabaja sus aspectos técnicos en concordancia con su premisa, recurriendo a una estética un poco más oscura y realista, y más opaca que colorida. Junto con esto, el ritmo de la cinta CAPTAIN AMERICA THE WINTER SOLDIER 01es ágil pero estable, esquivando por completo algunos errores de su predecesora, como el fortuito montaje sobre las hazañas de Rogers y su equipo. Un problema eso sí es que, a pesar de que se insinúa, no se aprovecha el anacronismo del personaje, que podría haber dado para una caracterización sicológica más profunda del Capitán; más bien se usa de base para varios de los chistes, que sigan en la línea de la ironía y el humor negro.

Finalmente, “Capitán América y el Soldado del Invierno” reflexiona y pone en duda todos los valores que su protagonista representa: la libertad, el uso de la violencia como medio para la paz, la lealtad, y el valor de la vida de cada individuo. De esta forma es cómo en su núcleo instala la discusión entre la riesgosa libertad individual y el más seguro control paternalista, haciendo eco a su vez de la contraposición entre el totalitarismo y el liberalismo; después de todo, el personaje surgió por los años en que esa disputa aún se palpaba. A pesar de que es sólo una película de acción, el subtexto está claro y resulta absolutamente apropiado para la actualidad, donde las operaciones de espionaje están en la palestra de la discusión pública, y las autoridades sufren de una crisis de credibilidad histórica.

Por Lucas Rodríguez

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Artículos Cine

Star Wars y el auge de los efectos visuales

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Star Wars

Desde prácticamente siempre, ha existido un odio irracional hacia las precuelas de Star Wars, aquella trilogía de películas que estrenada entre 1999 y 2005 que prometía conectar todos los hilos en torno a la historia que George Lucas iniciara en 1977. Amparado bajo una segunda explosión de popularidad de la saga, el director comenzó a principios de la década del 90 lo que sería la concepción de una idea que ya tenía cuando trabajaba “El Imperio Contraataca”, y que, según sus propias declaraciones en múltiples ocasiones, no le era posible filmar debido a las limitancias tecnológicas propias de la época. Así, el desarrollo del CGI hizo que Lucas pudiera adentrarse en la realización de una nueva trilogía, donde, más allá de su cuestionado argumento e innecesaria creación de fallas argumentales para la saga original, terminó por transformarse en una revolución gracias al elemento que fue más destacado por la crítica: los efectos especiales.

Fue en 1997 cuando comenzó el rodaje de “La Amenaza Fantasma” (1999) y, aunque se mantuvieron algunos elementos como la marioneta de Yoda y una utilización de escenarios reales con un cuidado diseño de producción, la transición se fue desarrollando de manera natural a lo que terminaría siendo “El Ataque de los Clones” (2002) y “La Venganza de los Sith” (2005), donde el uso de fondo verde fue más prominente que en ocasiones anteriores. Como dato curioso, y para reforzar la idea de que la animación digital fue el elemento principal de estas cintas, es sabido que no se construyó ni una sola armadura de trooper durante las tres películas, con dichos modelos siendo todos creados por computadora. A pesar de que el uso de CGI ya se había presenciado en otras películas previas –probablemente “Jurassic Park” (1993) siendo el caso más reconocido–, su utilización dentro de la producción de Star Wars significó todo un precedente, gracias a un innovador software donde se crearían los efectos visuales, al punto de que en la primera cinta existe una sola secuencia que no contiene efectos digitales.

A veinte años de su estreno, los efectos visuales en el cine son cosa de cada día, con prácticamente la totalidad de las cintas más taquilleras utilizándolo en su mayoría, lo que en un espectro más crítico ha terminado por omitir en el espectador el deseo de intentar diferenciar qué es real y qué no al momento de mirar una película. Asimismo, los directores actualmente pueden gozar de la misma libertad que Lucas describió a la hora de realizar las precuelas, pudiendo crear un guion a su antojo sin preocuparse de restricciones en torno a la producción, el desarrollo de personajes y, sobre todo, la creación de mundos y criaturas tan fantásticas como se ha caracterizado la saga desde sus orígenes. Todo lo anterior permitió también una reducción en los tiempos de rodaje, comenzándose a producir blockbusters en masa gracias a la implementación de la fotografía digital, y el uso de cámaras digitales que permiten grabar sin la necesidad de revelar el celuloide, pudiendo así montar y modificar escenas de una manera mucho más rápida.

Ya con la trilogía original Lucas había innovado en una serie de técnicas cinematográficas que eran prácticamente desconocidas para la época, pero todo ese trabajo fue opacado en cierta forma gracias al abrumador éxito que la saga tuvo más allá de la pantalla, transformándose en un icono de la cultura pop gracias a la explosiva venta de juguetes y una creciente popularidad que nunca decayó en el período de 1977 a 1983. Y es así como las tecnologías fueron evolucionando en pos de una saga que desde sus orígenes buscó una forma de deslumbrar y crear experiencias nunca vistas, algo que sin duda se logró con todos los contratiempos que pueda significar. Pasar de un aproximado de 365 tomas con efectos visuales en la primera cinta de 1977 a las más de 2200 que tiene la última de la era Lucas en 2005, habla de una necesidad de incorporar la tecnología con el fin de contar historias, derribando límites y permitiendo que la creatividad e imaginación de los realizadores pueda verse reflejada en la gran pantalla.

Hoy en día, con una nueva trilogía que llegará a su fin este 19 de diciembre, se puede ver como las técnicas de las otras seis entregas se van complementando para darle un romanticismo a la producción, omitiendo de plano un uso totalmente digital para seguir incluyendo animatronics, marionetas, maquillaje y otras técnicas de producción. Sin embargo, es imposible no reconocer el trabajo e influencia de George Lucas en el desarrollo del cine de fantasía como lo conocemos hoy en día y, más allá de cualquier falencia narrativa que haya cometido en sus cuestionadas precuelas, el cine y la tecnología comenzaron una relación que ha beneficiado tanto lucrativa como creativamente a la industria.

  • Star Wars: El Ascenso de Skywalker” se estrena el próximo 19 de diciembre. Preventa AQUÍ.

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