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Mejores películas 2021 Mejores películas 2021

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Mejores películas 2021

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Hasta 2017, este artículo estaba compuesto sólo por películas estrenadas en salas locales durante el año, lo que limitaba tanto su cantidad como calidad. Dos años después (en 2018 no tuvimos artículo) se implementó el primer cambio: a lo estrenado en salas, incluimos lo lanzado en formato físico casero y por plataformas de streaming para acceder a una mayor variedad. Y en 2020 dejamos de desarrollarlo como ranking, ya que al final generaba una sobre atención más en el los puestos que en los títulos mismos.

Este 2021 utilizamos la misma metodología del año pasado: nuestro equipo vio muchas películas y se votó por cuáles entraban y cuáles no. La selección comprende títulos entre el 4 de diciembre de 2020 y el 26 de noviembre de este año, dando como resultado el siguiente listado de mejores películas según nuestra visión.

Están en orden alfabético y puedes hacer clic en la imagen si quieres acceder a su ficha técnica.


7 Prisioneiros

Alexandre Moratto

La última película del director Alexandre Moratto, cuenta la historia de un grupo de jóvenes que se traslada desde locaciones rurales hacia la ciudad, con el fin de alcanzar estabilidad económica y enviar dinero a sus familias. Protagonizada por Christian Malheiros, cuenta la historia de un joven que se ve obligado a poner en juego sus principios y valores yendo cada vez más lejos, con tal de sobrevivir a su abusivo jefe. La película toca temas realistas y crudos, como el abuso de poder y la trata de personas en situaciones vulnerables. Además, “7 Prisioneiros” se presenta como un drama tensionado, por momentos silenciosos, con personajes estratégicos y miradas cómplices que se entrelazan hasta crear una trama con un trasfondo profundo y atrapante.


After Love

Aleem Khan

El inglés Aleem Kahn logra uno de los debuts más sobresalientes de la temporada con “After Love”, una película humana y emotiva que, con delicada sutileza, nos muestra el duelo de Mary (magníficamente interpretada por Joanna Scanlan), una mujer que, frente al reciente fallecimiento de su marido, se ve atrapada por un misterioso secreto que la hace cuestionar su propio pasado y el amor incondicional a ese hombre que hoy es sólo un recuerdo agrietado. A veces la muerte, lejos de ser el fin, se convierte en una hebra que, cuando se tira, permite descubrir historias que remueven los cimientos de todo lo que somos o creemos ser. Profunda y compleja, dirigida de manera elegante y con un encomiable respeto por sus personajes, “After Love” es de esas obras que, aun cuando pasan desapercibidas, se terminan por convertir en imprescindibles.


Black Bear

Lawrence Michael Levine

La cinta es una propuesta que sugiere un grado de compromiso por parte del espectador, puesto que sus giros poco convencionales podrían provocar un momentáneo estado de desorientación, sin embargo, una vez adentrándose en los hilos que tejen el relato y apoyándose en las decisiones visuales y de guión de su director, ‘‘Black Bear’’ entrega un viaje particular y a ratos intrigante. A medida que va destapando sus capas, su cautivante y misteriosa propuesta descubre el juego psicológico en el que se encuentran sus protagonistas. En el centro de una premisa que utiliza el metalenguaje como un medio, la interpretación de Aubrey Plaza y Christopher Abbott logra evocar paulatinamente un singular estado de agobio y desesperación, siendo uno de los puntos más significativos de esta producción.


Colectiv

Alexander Nanau

El incendio ocurrido en la discoteca Colectiv marca el punto de partida de la investigación periodística, donde el director Alexander Nanau documenta en tiempo real el escándalo de corrupción que da origen a la crisis sanitaria en Rumania. Sin duda, la exhibición cronológica de los acontecimientos es uno de los mayores aciertos del film, siendo justamente lo que involucra de inmediato al espectador en la trama, una que no necesita más recursos para ser comprendida que el propio relato de los periodistas, funcionarios del sistema de salud y de las víctimas. Un documental donde la ejecución cinematográfica se destaca logrando caer en el mismo vértigo de la investigación, dejando que los hechos hablen por sí solos, sin perder de vista en ningún momento la carga emotiva que rodea las circunstancias.


Dune

Denis Villeneuve

Acaso el film más esperado de los últimos años; por una parte, una de las historias más trascendentes de la literatura fantástica y, por otra, una de las mochilas más pesadas de la historia del cine. El truncado intento de Jodorowsky por llevar esta novela a niveles épicos y el resultado irregular de Lynch en su versión de 1984, convirtieron a “Dune” en un terreno arenoso en el que pocos directores estarían dispuestos a arriesgarse. Sin embargo, Villeneuve atraviesa este desierto y sale airoso adaptando el universo creado por Herbert, con un resultado sin dudas majestuoso. Fotografía, diseño de producción, sonido, actuaciones y guión se conjugan para convertir esta película en un notable espectáculo cinematográfico. El único problema es que esto es apenas un prólogo y las expectativas por lo que viene son elevadísimas.


Ich Bin Dein Mensch

Maria Schrader

El filme de ciencia ficción dirigido por Maria Schrader, propone una perspectiva que apunta al romance desde una manera fresca y futurista. Situada en una época en que la ciencia puede fabricar de manera personalizada una pareja ideal para quien lo desee, esta película cuestiona la tecnología y su relación con los humanos en tiempos en que los avances son cada vez más rápidos. Protagonizada por Maren Eggert, “Ich Bin Dein Mensch” presenta una trama que, a pesar de situarse en un contexto en que los humanos cohabitan con robots y simulaciones, no deja de generar contrastes entre la frialdad tecnológica y profundas emociones y experiencias puramente humanas.


Inside

Bo Burnham

Dicen que la adversidad y la presión generan procesos creativos irrepetibles, y la prueba fehaciente de aquello es “Inside” de Bo Burnham. Actor, director, compositor y comediante, son sólo algunos de los talentos de este artista norteamericano que, con apenas 31 años, sorprende con una obra fascinante e inclasificable. A partir del encierro en el contexto Covid-19, Burnham crea, desde una pequeña habitación de su casa, una especie de diario audiovisual, donde vuelca reflexiones y críticas acerca de distintos temas relacionados con el enclaustramiento y sus consecuencias. Presentado como un especial de comedia musical, “Inside” desborda lucidez para terminar siendo un proceso catártico, que conjuga el humor ácido, canciones pegajosas y el drama existencial con un resultado definitivamente irrepetible.


Judas And The Black Messiah

Shaka King

No son muchas las veces en las que, a través del cine, se ha logrado reivindicar con propiedad la causa de algunos movimientos político-sociales que han sido determinantes para el curso de la historia reciente. Sin embargo, con “Judas And The Black Messiah” y su revisión sobre los hechos que marcaron el destino del partido y organización política Pantera Negra, no existen complicaciones en la intención de establecer un relato que acerque y, más importante aún, divulgue la trascendencia del colectivo liderado hasta 1969 por Fred Hampton. Teniendo entre sus mayores virtudes su frontalidad, una fina documentación y el gran trabajo de Daniel Kaluuya y Lakeith Stanfield en los roles principales, la película brilla como el nuevo antecedente dentro del cine de protesta y resistencia.


Lamb

Valdimar Jóhannsson

Maternidad, paternidad, identidad impuesta, usurpación de los orígenes, e incluso la adopción de niños secuestrados, son algunos de los temas que se desprenden de manera simbólica en “Lamb”, la ópera prima del islandés Valdimar Jóhannsson, donde una pareja asume y cría como hijo a un cordero nacido en sus granjas. Con la distribución del clásico estudio A24, Jóhannsson nos lleva por un recorrido silencioso y extraño, donde el verdadero relato está en lo que no se dice, sino más bien en lo que representa cada una de sus secuencias y las acciones dentro de estas. Una película interesantísima, que confía plenamente en la profundidad de su guión y en la capacidad de su director para plasmarlo en pantalla. Una rara delicia.


Minari

Lee Isaac Chung

Aunque “Minari” podría parecer sólo una película más de migrantes en Estados Unidos, Lee Isaac Chung demuestra lo contrario a través de una historia que habla de superación, identidad y relaciones familiares que se complejizan debido a contrastes culturales. A través de una sencilla, pero atractiva fotografía, el filme deja entrever colores nostálgicos y tomas que aluden a lo íntimo dentro de lo cotidiano de una familia, reflejando la naturalidad y realismo de los personajes en cada escena. Por otra parte, es una historia emotiva que, a pesar de ser un drama que gira en torno a temas tan manoseados como la migración y el sueño americano, destaca gracias a su elemento lúdico, a ratos distendiendo la tensión inherente al argumento base mediante la ternura presente en las relaciones familiares y pequeños momentos de humor.


Mis Hermanos Sueñan Despiertos

Claudia Huaiquimilla

La capacidad de Claudia Huaiquimilla para construir personajes entrañables en mundos marginales y violentos, que comprobó con su opera prima “Mala Junta”, vuelve a relucir en “Mis Hermanos Sueñan Despiertos”. Inspirada en hechos reales, la película retrata con una honestidad tan enternecedora como brutal las vidas de un grupo de jóvenes internados en un centro del Sename, mostrando su mundo interno, sueños y esperanzas, y acercándonos a un universo que, como sociedad, hemos ignorado durante décadas. “Mis Hermanos Sueñan Despiertos” no es sólo una película necesaria desde un punto de vista social y político, es también una evolución en la voz directorial de Huaiquimilla, una realizadora que sin duda seguirá dando de qué hablar en el futuro.


Nomadland

Chloé Zhao

“Nomadland” tiene la particularidad de caracterizar lugares y temporalidades que a simple vista parecen desolados, pero, al mismo tiempo, contienen escenarios potencialmente cálidos y persistentes. Esta mezcla convive impulsada por una especial sencillez, que se origina a partir de la conexión de su protagonista con el grupo de personajes que va conociendo en su recorrido. Chloé Zhao se detiene con precisión y una acogedora naturalidad en un viaje que se inicia desde lo imprevisto, pero paulatinamente se fortalece en el encuentro comunitario. En ese camino, la cinta utiliza todos los recursos disponibles a su favor para situar con seguridad y modestia un relato que a ratos parece hablar desde lo local, pero que inevitablemente termina dialogando con dilemas propios del mundo contemporáneo.


Nowhere Special

Uberto Pasolini

Pequeña y gigante a la vez, “Nowhere Special” sorprende con un argumento a simple vista devastador: un padre se enfrenta a una enfermedad terminal, mientras intenta encontrar una familia adoptiva para su pequeño hijo. Un drama conmovedor que, pese a todo, no se deja llevar por la lágrima fácil. Y es que no hay mayor tentación para un director que empujar los límites del drama, afilar la tragedia y apuntar a la médula de nuestros sentimientos abusando de la emotividad, sin embargo, Pasolini logra construir una obra realista, con un nivel de tacto fuera de lo común, resultando en un relato con los pies en la tierra y que, a su vez, desborda humanidad. La gran mayoría de las películas nos cuentan historias, pero hay un lugar reservado para aquellas que nos cuentan la vida, y “Nowhere Special” es una de ellas.


One Night In Miami…

Regina King

Hay ocasiones en las que, para la realización de una película, se pueden acomodar los hechos de un acontecimiento histórico de forma tal, que sean sus protagonistas quienes destaquen en lugar del propio suceso. Es en este punto donde radica la principal fortaleza de “One Night In Miami…”, una cinta que se ubica entre la ficción y la realidad para explorar los detalles de un encuentro ocurrido en 1964, en el que participaron Malcolm X, Muhammad Ali, Jim Brown y Sam Cooke, cuatro nombres fundamentales dentro de la lucha unificada por los derechos civiles del pueblo afroamericano. Mediante la perspectiva de cada una de estas figuras, Regina King (actriz que desde hace un buen tiempo ha estado adquiriendo oficio tras la cámara), nos acerca un relato comprometido con las individualidades de un movimiento ávido de justicia social.


Pig

Michael Sarnoski

La ópera prima de Michael Sarnoski se ha convertido en toda una sorpresa durante la última temporada. Primero, por el hecho de ser el debut de un director del que no hay mayores referencias. Segundo, porque el protagonista de esta particular historia es nada más y nada menos que Nicolas Cage, lo que siempre es un riesgo, pero que esta vez no sólo resulta bien, sino que además nos entrega una de las mejores actuaciones de su carrera. Y tercero, porque el cascarón de la historia parece apuntar a un típico cuento de venganza con una premisa irrisoria, como es el secuestro de una cerda, sin embargo, bajo esa superficie, “Pig” se erige como una profunda reflexión acerca de la soledad, la pérdida, el duelo y el doloroso filo de los recuerdos sobre aquellos que amamos y que ya no están. El resultado final es, sin dudas, una delicia.


Plan B

Natalie Morales

La cinta dirigida por Natalie Morales, actriz y directora estadounidense de ascendencia cubana, cuenta la historia de dos adolescentes que emprenden viaje por diferentes localidades, buscando desesperadamente una Pastilla del Día Después. El film es un constante devenir de altos y bajos, que no sólo destacan por el dinamismo con el que se presentan en su línea narrativa, sino que también por el humor inherente a su guión y la liviandad con la que se aborda. El largometraje retrata problemáticas que, sin duda, podrían formar parte de la vida real de mujeres alrededor del mundo, tocando temáticas relacionadas a la sexualidad en la adolescencia, el derecho a elegir sobre el cuerpo propio y el compañerismo dentro del género femenino. Queda claro que el objetivo de Morales no era crear una típica película adolescente, ya que “Plan B” destaca al poner sobre la mesa temas contingentes que vale la pena tocar.


Promising Young Woman

Emerald Fennell

La venganza ha sido una temática siempre presente en el cine, y en el caso de “Promising Young Woman” esta premisa da un giro bastante original, al mostrar a una protagonista que parece actuar en todo momento impulsada por un objetivo que logra instalarse como eje de la narrativa, pero que tampoco se agota ahí. Pese a que el guión juega con situaciones reales, que incluso ha declarado su directora sirvieron de inspiración para la trama, no se pierde de vista la ambición de construir una buena historia, lo que se revela sobre todo en su parte final. Destacable es también la sincronía entre el diseño de producción y el vestuario, que terminan por potenciar al personaje principal interpretado por una Carey Mulligan cuyo desempeño resulta ser gran parte del éxito de la película.


Shaonian De Ni

Derek Tsang

¿Otra película cargada de moralina para concientizarnos sobre los efectos negativos del bullying escolar? Pues, en principio, sí. Esa es la premisa sobre la que se sostiene la última cinta del director hongkonés Derek Tsang, sin embargo, “Shaonian De Ni” no se deja anticipar y, por el contrario, sorprende con una aguda crítica de la sociedad China (y la global también) y un meticuloso ejercicio narrativo que nos atrapa para no dar respiro. Con un excelente guión, un soundtrack exquisito y actuaciones sobresalientes, Tsang logra un bellísimo y potente resultado combinando lo mejor del cine social, el drama y el thriller, en una de las más emotivas historias de amor del último tiempo. Si la idea era concientizar y emocionar, esta película lo cumple a cabalidad. Imposible quedar indiferente a tamaña joya del cine asiático.


Shiva Baby

Emma Seligman

Si bien es cierto que la comedia de situaciones se ciñe a los dogmas de la televisión, tampoco es raro encontrarse con películas que se construyen mediante una máxima del formato: situar a la casualidad y al contexto como ejes dentro del relato. Esto es lo que precisamente nos ofrece la debutante Emma Seligman con “Shiva Baby”, una cinta que no demora en introducir un efecto de realidad en su historia para decir que los accidentes sociales muchas veces están determinados por el azar, y que los espacios compartidos entre distintas generaciones, sobre todo cuando son familiares, son caldo de cultivo para enfrentar al tradicionalismo más juicioso contra el canon contemporáneo, uno que hace mucho tiempo se desentendió de lo prohibitivo.


Sin Señas Particulares

Fernanda Valadez

Del flujo migratorio desde México hacia Estados Unidos, hasta el infinito amor de una madre por su hijo, “Sin Señas Particulares” toca temas que no sólo son contingentes desde una perspectiva sociopolítica dentro de Latinoamérica, sino que también desde lo emotivo y lo familiar. Bajo la dirección de la mexicana Fernanda Valadez, el largometraje cuenta la historia de una madre que busca incansablemente a su hijo por cielo, mar y tierra, luego de no recibir novedades tras su partida al cruce de la frontera. La perseverancia e incondicionalidad del personaje principal encarnado por Mercedes Hernández, refleja una realidad a la vez cruda y contemporánea, que dentro de su contexto es capaz de conmover, haciendo que la empatía aflore incluso en el espectador más frío. Con una narrativa visual que tensiona y una trama que a lo largo de su desarrollo genera más preguntas que respuestas, “Sin Señas Particulares” es un film que resulta escalofriante y sorprendente a toda costa.


Sound Of Metal

Darius Marder

“Sound Of Metal” busca hacernos reflexionar en torno a la autoaceptación y a la adaptabilidad en momentos de crisis. Gracias a las brillantes actuaciones de Riz Ahmed y Olivia Cooke, podemos ver los altos y bajos en la relación de los protagonistas, a la vez que luchan por mantener no sólo el proyecto musical que los une, sino que también la estabilidad emocional de sus partes, luego de que uno de ellos pierde la audición. Con una dirección que permite visibilizar la vulnerabilidad de los personajes y empatizar de lleno con estos, se aprecian los destellos de intimidad que emite este drama encabezado por la incondicionalidad entre los protagonistas y un estereotipo estético asociado al metal y a su dureza, que es desmentido gracias a la emocionalidad presente en el film.


Spencer

Pablo Larraín

No todos los cuentos de hadas tienen un final feliz y la vida de Diana de Gales es muestra de aquello: una historia que, tras el brillo y el glamour, esconde oscuridad y tormento. Apenas tres días de su vida son más que suficientes para comprender esta fábula basada en una tragedia real, y “Spencer” es una visión poética y sofocante finamente trabajada, que nos introduce en el espiral que envuelve y aprisiona a esta princesa moderna. Con sutiles guiños a Kubrick, la cinta de Larraín brilla con luz propia gracias a un magnífico trabajo en fotografía, diseño de producción, dirección de arte, una banda sonora atrapante (Jonny Greenwood superándose a sí mismo) y un reparto de altísimo nivel, coronado con la sorprendente performance de Kristen Stewart. Definitivamente “Spencer” merece un lugar en la realeza fílmica de esta temporada.


The Beatles: Get Back

Peter Jackson

Ver personas trabajando, y si además esas personas son talentosas y su trabajo es la creación, mucho mejor. Ese es el núcleo del que se vale Peter Jackson para narrar una historia que, de alguna manera, llevaba 50 años fragmentada o incluso alterada. “The Beatles: Get Back” nos muestra como nunca parte importante de la vida de los Fab Four, aquella poco antes de su disolución, dando cuenta del proceso creativo, rencillas, divertimento y, sobre todo, cómo las ideas iniciales se van transformando con las circunstancias, generando resultados trascendentes. Es raro que casi ocho horas de metraje se hagan insuficientes, pero el neozelandés lo consigue con un montaje que entretiene, nos sumerge en su narrativa y roza la épica. The Beatles jamás será visto con los mismos ojos después de pasar por este documento fílmico.


The Father

Florian Zeller

La ópera prima del dramaturgo francés Florian Zeller es una de las experiencias cinematográficas más atrapantes del último tiempo. Con un guión impecable y una premisa en apariencia básica, “The Father” nos lleva por un complejo laberinto cerebral para mostrarnos cómo se fisuran las estructuras de la memoria y la realidad cuando el paso del tiempo hace de las suyas. Lejos de caer en la sensiblería dramática que puede desprenderse de las historias sobre enfermedades degenerativas, “The Father” logra transmitir como pocas veces se ha visto la perspectiva del propio personaje afectado, haciéndonos parte del desconcierto que vive este individuo atrapado en su propia mente. Una película intrigante y profundamente humana, que cuenta además con una de las mejores actuaciones en la dilatada carrera de Anthony Hopkins.


The Green Knight

David Lowery

Basada en un poema del siglo XIV, el largometraje dirigido por David Lowery se alimenta de las leyendas arturianas para reinterpretar una narración que cruza un escenario fantástico con la trágica fortuna del héroe. Su protagonista debe enfrentar un destino inevitable, y será en el camino hacia un encuentro predicho donde se pondrá a prueba su fortaleza, y también será capaz de escarbar en sus rincones más oscuros. Los antecedentes del trabajo anterior de Lowery demuestran su capacidad para poder contar historias en medio de escenarios ambiguos y contemplativos. Sin duda “The Green Knight” explora esas inquietudes y, a través de una construcción visual cautivante, personajes complejos y una atmósfera nostálgica y casi desesperanzadora, logra llegar hasta un resultado sobresaliente.


The Mitchells vs The Machines

Michael Rianda & Jeff Rowe

La película producida por Sony Pictures, sigue la aventura de una peculiar familia a través de escenas cargadas de colores, humor visual y referencias que funcionan como puente generacional. El film apuesta por explotar estos elementos dejando, al mismo tiempo, espacio para el despliegue de la narrativa. La irrupción de la tecnología es una temática que logra aprovecharse en el ámbito de la acción y también como problemática que rodea la esfera íntima de los personajes. Es así como se percibe la emotividad que hay detrás del conflicto padre e hija, donde precisamente se logra profundizar. “The Mitchells vs. The Machines” equilibra a la perfección todos los recursos que tiene a su disposición, tanto en estética como en propuesta narrativa, brillando entre los estrenos de películas animadas.


Und Morgen Die Ganze Welt

Julia von Heinz

Los estudiantes siempre han sido símbolo de vitalidad y disposición al cambio, y así lo demuestra la cinta dirigida por la berlinesa Julia Von Heinz. Protagonizado por Mala Emde, cuenta la historia de Luisa, joven estudiante de derecho que decide unirse a un grupo de activistas enfocados en luchar contra ciudadanos atingentes al nazismo. Inundado por una mezcla de idealismo y secretismo, se tocan temas que van entrelazándose a lo largo de la trama, tales como el compañerismo, la política y el diálogo entre los restos del nazismo con movimientos más actuales. Escondites, capuchas, planes de ataque y un ambiguo triángulo amoroso, son sólo algunos de los elementos que podemos encontrar en esta película en la que la dirección de cámara nos permite seguir de cerca a nuestra protagonista, generando un ambiente de tensión íntimo y subjetivo.


WolfWalkers

Tomm Moore & Ross Stewart

Cuando en una película de animación se consolidan con plena solidez el fondo y la forma, existe una gran probabilidad de que estemos ante una producción, al menos, destacable. Esto y mucho más es lo que pasa con “Wolfwalkers”, una cinta que no sólo se estaciona en su evidente belleza gráfica para exponer sus virtudes, muy por el contrario, la película avanza en su relato de manera tal, que los temas en los que incurre van asumiendo un lugar estelar en la historia. Y es que, a través de la misma consistencia, el título de origen irlandés puede hablar con propiedad sobre el valor de la amistad construida en la adversidad, sobre la conservación del folclor más entrañable o sobre lo prescindible que resulta el paternalismo dentro de una comunidad. Una fantasía imperdible.


Selección y textos por Ángelo Illanes, Sandra Gutiérrez, Héctor Muñoz, Isidora Bustamante, Simón Arias, Pablo Moya y Claudio Tapia.


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“The Godfather” tendrá edición restaurada en 4K Ultra HD por su aniversario 50

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El aniversario número 50 de la obra maestra del director estadounidense y figura del denominado nuevo Hollywood, Francis Ford Coppola, celebrará a lo grande sus cinco décadas con el lanzamiento de una edición restaurada y la vuelta a los cines. A partir del 25 de febrero, “El Padrino” vuelve a los cines con funciones en todo el mundo, y luego, el 22 de marzo, por primera vez en una versión 4K Ultra HD.

Para la restauración de la cinta, se analizaron más de 300 cajas de película para encontrar la mejor resolución posible, más de 4000 horas para reparar manchas, raspaduras, y cualquier otro detalle en los negativos y más de 1000 en correcciones de colores para garantizar que las herramientas de rango dinámico respeten la versión original del director además de su director de fotografía Gordon Willis.

Junto con el lanzamiento digital, también se estrenará un set Blu-ray 4K Ultra HD que contiene las tres películas, y la recientemente reeditada del director, “El Padrino de Mario Puzo“. Junto a esto se pondrá a disposición de los los fanáticos una versión de lujo que contempla además un libro de tapa dura con impresionantes fotografías e impresiones artísticas.

A continuación te dejamos el trailer de estos lanzamientos, junto con el contenido de la edición especial y un afiche creado especialmente para la ocasión.

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