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Mejores películas 2019

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Hasta 2017, este clásico artículo de mejores películas se enmarcaba sólo en las cintas estrenadas en Chile durante el año, lo que limitaba demasiado el abanico de selección. Desde ahora implementamos un cambio: entran todas las películas estrenadas en 2019 en todo el mundo, independiente de si tuvieron una pasada por cines chilenos o no. Sin embargo, también están consideradas aquellas que sí se estrenaron oficialmente en nuestro país desde diciembre de 2018 hasta el último jueves de noviembre de 2019. Otra novedad es la inclusión de los estrenos directos en servicios de streaming.

El siguiente es un ranking con títulos que nuestro equipo de cine consideró excepcionales, donde, pese a que hay cintas de muchas partes del planeta y la número uno pertenece a la industria estadounidense, estuvo dominado por largometrajes provenientes de Asia.

Si necesitas más información sobre estas películas, haz clic en su título o gráfica. Estas son las mejores películas 2019 según el equipo HumoNegro:


Suspiria

“Suspiria” de Luca Guadagnino

Inspirada en la cinta de 1977 dirigida por Dario Argento, “Suspiria” en manos de Luca Guadagnino se aleja de las convenciones más tradicionales de lo que podría ser un remake y sólo toma un par de elementos para crear una obra nueva, presentándose como una reinvención del material original. Aprovechando esa característica, profundiza con matices en las huellas que dejó aquella cinta, alejándose de las características estéticas que marcaron la obra de Argento. De esta forma, su apuesta visual se presenta sobria y opaca en una primera instancia, pero va escalando hasta estallar en un inquietante clímax. Apoyándose también en el desempeño de su elenco, quienes se mueven sigilosas por momentos de intriga y angustia, Guadagnino crea una cinta ambiciosa y arriesgada, que funciona gracias a una puesta en escena casi visceral e instintiva.


Dogman

“Dogman” de Matteo Garrone

En “Dogman” Mateo Garrone nos sumerge en la más acotada y específica de las perspectivas: dentro de la piel de un hombre en un pueblo costero pobre de Italia, que atiende perros e intenta llevar una vida libre de conflictos, hasta que se ve obligado a ensuciarse. Es un relato íntimo y subjetivo, que es sólo más incómodo y doloroso de ver por lo mismo. Acá somos testigos de los efectos de la masculinidad tóxica, la violencia y la necesidad, presenciando los extremos a los que una persona normal puede llegar, ya sea por miedo o supervivencia, preguntándonos qué haríamos nosotros en cada situación, empatizando, juzgando y lamentando, fascinados por la transformación de un personaje que se va corrompiendo. Sirviendo como parábola, thriller psicológico o un pequeño drama de personajes, es cine desgarrador, fuerte y que invita a hacer reflexiones sobre la justicia y las dinámicas de poder.


Midsommar

“Midsommar” de Ari Aster

Ari Aster sorprendió a todo el mundo con su primer largometraje, “Hereditary” (2018), que junto a “Get Out” (2017) y “The Babadook” (2014), entre otras, han elevado el género de terror llevándolo a tratar temáticas más serias y complejas. “Midsommar”, segunda película del estadounidense, se ubica cómodamente dentro de este nuevo canon del estilo. Ari Aster construye lo que pareciera ser una fábula hecha película, con una estética plástica y colorida, y protagonistas que más que personajes parecieran ser peones en un juego, marionetas en una obra cuyo final está predeterminado. Se sabe que algo terrible va a ocurrir y es imposible despegar los ojos de la pantalla. Tratando temáticas como el deterioro de una relación amorosa, la soledad y el duelo de manera sumamente sutil, el filme cuenta una historia de lenta cocción que, a lo largo de sus dos horas y media de duración, va aumentando en intensidad hasta llegar a un clímax profundamente catártico, confuso y satisfactorio.


Pájaros de Verano

“Pájaros de Verano” de Ciro Guerra y Cristina Gallego

Dirigida por Ciro Guerra y Cristina Gallego, e inspirada en hechos reales, “Pájaros de Verano” se adentra en la cultura del pueblo wayú, explorando y retratando como si fuera un documental sus creencias y tradiciones. Pero en medio de estas imágenes sobre uno de los pueblos originarios de Colombia, se teje un entramado que quiebra y remece a la familia protagonista, amenazando la apacibilidad de sus vidas. El relato, de propiedades épicas, divide su narración en cinco capítulos, abarcando tres décadas diferentes desde finales de los sesenta, examinando la mutación de un pueblo y el surgimiento del narcotráfico en una estructura narrativa de levantamiento, cúspide y declive. Así, el relato que cruza un trayecto marcado por la desdicha, en medio de una fotografía cautivante, avanzando hacia una inevitable tragedia causada por las traiciones y la venganza.


Climax

“Climax” de Gaspar Noé

Con “Climax” Gaspar Noé crea su última pesadilla: un viaje visceral gatillado por un trip accidental de ácido que lleva a todos los integrantes de una fiesta a un lento y tortuoso descenso hacia los infiernos, invitando al espectador a unirse. Es una experiencia poderosa, una mezcla de movimientos acrobáticos de cámara, incesante música electrónica, colores eléctricos y coreografías perfectas, tanto las que llevan a cabo los personajes en torno a una cámara que pocas veces interrumpe planos secuencia, como la que da inicio a la película en sí: una danza impresionante que deja en claro el talento de los bailarines que conforman el elenco y que da inicio de forma frenética a un ritmo que la película solo irá elevando. Es una experiencia única, desagradable e inolvidable, de aquellas que sólo el medio audiovisual es capaz de lograr para sumergir a un público que no debiese pillar desprevenido.


Dolor y Gloria

“Dolor y Gloria” de Pedro Almodóvar

Uno puede sentir que conoce a algunos directores por la larga presencia que han tenido en la industria y sus amplias filmografías. Con Pedro Almodóvar no ocurre sólo esto, sino que también nos ha hecho partícipes de sus gustos, inquietudes, miedos y deseos, impresionándonos por su trabajo, pero también invitándonos a encantarnos con quién es él. En el acto más generoso que puede hacer un director, crea “Dolor y Gloria”, retrato cúlmine de su vida y obra, donde no se molesta en esconderse detrás de un magistral Antonio Banderas para contarnos cómo se siente estar en sus zapatos el día de hoy mirando hacia atrás en la vida. Es un paseo personal y humilde por su memoria, logros, arrepentimientos, dolores, glorias, pasiones y su mismo motor creativo el que lleva a uno de los directores más influyentes de la historia a exponerse una vez más, y en esta vez ocasión más que nunca.


Cold War

“Zimna Wojna” de Pawel Pawlikowski

“Cold War” cuenta la historia de un romance épico, que recorre décadas y cruza fronteras. Sin embargo, tal como el período histórico en que transcurre y que da nombre a la película, es un romance silencioso, tenso y trágico. Los protagonistas se encuentran y separan una y otra vez a lo largo de las décadas, compartiendo tanto momentos bellos como amargos, y a medida que ambos envejecen y cambian a través de los años, inevitablemente lo hace también su relación. Pero “Cold War” es más que una historia de amor. Al igual que en su filme anterior, “Ida” (2013), Pawel Pawlikowski construye un elegante y desgarrador retrato de la Europa oriental de la post-guerra, pero a través de una historia sumamente íntima en que el contexto político y social es rara vez mencionado. Su fría, calculada y bellísima fotografía en blanco y negro complementa perfectamente esta historia, generando una atmósfera de tensión y melancolía que transporta al espectador tanto a la época como al mundo interior de los personajes que retrata.


La Favorita

“The Favourite” de Yorgos Lanthimos

El cine de Yorgos Lanthimos nunca ha sido fácil de catalogar. E incluso, a pesar de que “The Favourite” es por mucho el filme más accesible de su carrera, aún mantiene su sello: un carácter surreal e inescrutable, alivianado por un innegable sentido del humor. Rachel Weisz, Emma Stone y, particularmente, Olivia Colman encarnan magistralmente a las protagonistas, tan entrañables y queribles como despreciables, con interpretaciones fascinantes, tanto en sus momentos más sutiles como en los más explosivos. Aunque es una historia relativamente simple sobre ambición, romance y traición, logra romper toda expectativa gracias a un guion sumamente ácido e inteligente y, por supuesto, el genio narrativo y visual de Lanthimos. Todo esto hace de “The Favourite” no sólo un relato dinámico, tenso y divertido, sino que también la transforma en una experiencia críptica, abrumadora y desorientadora.


Mirai: Mi Pequeña Hermana

“Mirai No Mirai” de Mamoru Hosoda

Cuando “Mirai No Mirai” acaba, nos damos cuenta de que sentimos mucho más de lo que creímos ver en un inicio. Es el efecto acumulativo de una pequeña joya que contiene multitudes, desde la simpleza de una historia sobre niñez que es usada para entregar sabiduría con humildad, y un par de verdades fundamentales que tocarán a cualquiera que haya sido un niño. Con nostalgia e inocencia muestra el alcance de la imaginación con connotaciones metafóricas, un paseo por la memoria, los recuerdos y la especulación en su versión más expresiva, todo en función de recorrer pasajes formativos para entregar enseñanzas esenciales que van haciendo madurar a un personaje, y recordándonos cómo fue el crecer. Es de la clase de cine que atrapa desprevenido para revelarse como algo profundo, apelando a la empatía y finalmente hacernos mejor persona.


Border

“Gräns” de Ali Abbasi

Basada en el cuento del mismo nombre, y apoyándose en el folklore nórdico, “Gräns”, sorprende y fascina principalmente por su originalidad y la manera en que se edifican y desarrollan sus múltiples capas. Mientras transita entre el drama, la fantasía y un crudo thriller policial, sus misterios se desentrañan en una singular propuesta narrativa. En ella, su protagonista –de particulares características físicas– ha experimentado durante toda su vida el rechazo, la indiferencia y la incomprensión, sin embargo, sólo cuando se encuentra con un otro muy similar a ella se materializa el camino hacia su propia aceptación. Este recorrido está provisto de una mirada comprensiva y carente de lástima, pues el foco está enfocado en su viaje interior, exponiendo con astucia la manera en que el autodescubrimiento la lleva a exhibir su naturaleza primitiva.


Había Una Vez… En Hollywood

“Once Upon a Time… In Hollywood” de Quentin Tarantino

Es sabido que Quentin Tarantino siempre ha idolatrado y referenciado el cine de la era dorada de Hollywood y, en cierta forma, su cine siempre ha buscado emular ese estilo, apropiándoselo y actualizándolo. Por eso llama la atención que esta sea por mucho su película más moderna, contemplativa y melancólica. En casi la totalidad de los dos días en que seguimos a los protagonistas de esta pequeña e íntima historia no hay disparos, no hay violencia, no hay tensión. Ya no se trata de una nostalgia por el estilo narrativo o la estética de la época, sino una añoranza por un tiempo que no se alcanzó a conocer, una era que terminó de forma tan violenta y terrible, que el director buscó reescribir la historia e imaginar un mundo en que tales horrores nunca ocurrieron. Es un Tarantino más calmo, más maduro, menos concentrado en sorprender con el ingenio de sus diálogos y más interesado en comunicar emociones y sensaciones.


Historia de un Matrimonio

“Marriage Story” de Noah Baumbach

En “Historia de un Matrimonio”, Noah Baumbach dota su miserabilismo de humor y humanidad para contarnos la historia de un divorcio, esta vez desde el punto de vista de los padres que se separan. Su destreza está en presentar a dos personajes complejos y exponer ambos casos, con luces y sombras, haciéndole al espectador analizar las dos perspectivas, cambiar de lado y sacar conclusiones propias más allá del juicio inicial que uno pueda aplicar a dos individuos que están mostrando lo peor de sí. El transformar un proceso judicial en algo atractivo de ver es un logro obtenido gracias a un guion dinámico, un sentido del humor agudo y las comprometidas actuaciones de uno de los mejores elencos del año. Más maduro y menos protegido de lo que nos venía acostumbrando, Baumbach crea finalmente un relato clásico y sensible sobre lo triste que es que se complique el querer a alguien y cómo el hacer daño no deja ganadores.


Largo Viaje Hacia La Noche

“Diqiu Zuihou de Yewan” de Bi Gan

Bi Gan, el director de “Lu Bian Ye Can” (2015), vuelve a sorprender en su segundo largometraje con una producción desafiante e hipnótica, que va cautivando paulatinamente gracias a su aparataje visual, el que emite una atmósfera abstracta y fascinante. Divida en dos partes, siendo la primera un tanto más tradicional, cuando retrata a su protagonista regresando a su ciudad natal y este embarcándose en la búsqueda de un antiguo amor y, al mismo tiempo, la narración juega con saltos temporales para contar una historia que lidia con la memoria, la nostalgia y los sueños. Sin embargo, repentina y sutilmente, el relato principal da un vuelco y se inicia un viaje onírico, el que está marcado por un extenso y bien trabajado plano secuencia de cincuenta minutos. Esta acrobacia visual favorece una experiencia inmersiva y estimulante, quebrando la narración y potenciando un latente simbolismo.


Un Elefante Sentado y Quieto

“Da Xiang Xi Di Er Zuo” de Hu Bo

“Da Xiang Xi Di Er Zuo” está rodeada de una bruma gris caracterizada por el contexto de su creación, pues es la primera y última película del director chino Hu Bo, quien se suicidó a los 29 años al terminar el montaje de esta cinta. Sin necesariamente ser una película autobiográfica, la amarga característica de este hecho se esparce por las casi cuatro horas de metraje. Sin embargo, la particularidad de su extensión favorece provechosamente la construcción narrativa de un relato que avanza con calma, pero sin aflojar. En este sentido, lo que pareciera ser un día normal en la vida de sus protagonistas, se transforma en el recorrido por rincones llenos de interrogantes, donde el existencialismo y el tono pesimista domina sus pasos, desencadenando una historia provista del espacio necesario para dar con diversas reflexiones sobre la búsqueda de significado.


Por Gracia de Dios

“Grâce à Dieu” de François Ozon

Inspirada en hecho reales, “Grâce à Dieu” se centra en la lucha entre víctimas y un abusador en común y en libertad, pero, a la vez, considera las múltiples consecuencias de un hecho que hasta el momento había quedado enterrado en el pasado. François Ozon logra crear un relato que, sin pretender ser un documental, se acerca a sus protagonistas de tal manera, que la realidad permea la ficción, y en sus relatos se consigue reflexionar sobre cada capa que cubre los daños de un abuso. La personificación de sus protagonistas está trabajada con tal respeto, que a través de sus voces se logra establecer el camino que deben transitar hacia la reconciliación y calma con ellos mismos. Concentrándose en tres personajes, se logra ver con claridad la batalla entre justicia e impunidad, haciendo de esta cinta un trabajo necesario y significativo frente a las denuncias reales de abusos.


Burning

“Beoning” de Lee Chang-dong

“Beoning” avanza sinuosamente desafiando las expectativas de un espectador que inicialmente busca categorizarla. Cuando su ritmo –lánguido y atrapante– termina de presentarse, se apodera de un relato que puede ser un thriller, una crítica de clase, un drama contemplativo o una película de amor. Es la historia de un aspirante a escritor que busca resolver un misterio, pero la película está poco aferrada a seguir esa idea. Es más bien un tono melancólico que presenta realidades con ambigüedad, sin interés por dar respuestas o seguir normas convencionales, hipnotizando al mostrar pasajes de la vida que se van acumulando hasta una conclusión inevitable, violenta y hermosa. El logro de Lee Chang-dong es hacer sentir a la audiencia una conexión especial con su película más allá de su trama; una tranquilidad y forma de ver las cosas que acompaña mucho después de que la cinta termina.


Somos Una Familia

“Manbiki Kazoku” de Hirokazu Kore-eda

El concepto de familia en todas sus capas y dimensiones es una de las temáticas más recurrentes en la filmografía del director japonés Hirokazu Kore-eda, y gracias a su original y natural habilidad para narrar este tipo de historias, es que su sello autoral queda plasmado en “Manbiki Kazoku”, una cinta honesta y conmovedora, que desarma y vuelve a armar la idea de un grupo familiar y cómo este lazo no tiene un sólo origen.  Kore-eda invita a entrar y sentarse junto sus protagonistas, siendo invasores y observadores de sus dinámicas. Pero la decisión de juzgar sus decisiones y acciones queda en manos de quien mira desde lejos, pues su propia visión de este grupo de personas está desprovista de reproches, siendo la relación y el afecto entre ellos el corazón de una película que, sin caer en un sentimentalismo fácil, explora la empatía y la sinceridad en los lazos familiares.


The Farewell

“The Farewell” de Lulu Wang

Es difícil explicar qué hace que una película “tenga corazón”, pero cuando ocurre, es imposible no darse cuenta. “The Farewell” es un claro ejemplo. Es una historia que magistralmente mezcla la melancolía con la comedia de manera sutil, generando un tono tan agridulce como la vida misma. La dinámica familiar que retrata, a pesar de ser sumamente única y especial, resulta completamente universal por lo honesta que es. Cada pelea y cada reconciliación se sienten reales, gracias tanto a su guion como a sus excelentes actuaciones, particularmente de parte de Awkwafina y Zhao Shuzhen, que interpretan a la protagonista y su abuela, respectivamente. Al compartir con esta familia a lo largo de la historia es inevitable sentirse parte de ella, por lo que, cuando finalmente llega la despedida que da nombre a la película, como espectador es terriblemente difícil despedirse también.


Parásitos

“Gisaengchung” de Bong Joon-ho

El cine de Bong Joon-ho siempre ha logrado, igual que un caballo de Troya, entregar una dura crítica social oculta en un cine de género. Películas como “Gwoemul” (2006), “Snowpiercer” (2013) y “Okja” (2017) lograron esto con gran éxito, tanto crítico como comercial. Sin embargo, “Gisaengchung” podría fácilmente ser su obra maestra. Saltando con maestría desde la comedia más absurda al drama más desgarrador, e incluso a ratos tomando tintes de suspenso y terror, Bong Joon-ho narra una historia sumamente especial e íntima que, sin embargo, abarca temas completamente universales. Desigualdad social y lucha de clases, el valor de la familia, “Gisaengchung” toca de manera elegante e inteligente temáticas de absoluta contingencia a nivel mundial, transformándose no sólo en una gran película, sino en una necesaria. Es frenética, a momentos surreal, profundamente humana, dura y honesta, llamando a la reflexión como el mejor cine siempre debiera hacer.


El Irlandés

“The Irishman” de Martin Scorsese

“The Irishman” se alza como una de las películas más formidables del año. Es todo lo que conocemos y valoramos de Scorsese, pero también es más que eso. Porque por cada persecución nocturna, por cada asesinato silencioso, por cada reunión secreta en un restaurante cerrado, hay un recordatorio de que esta vez eso no es lo más importante, ya sea en la mirada decepcionada de una niña o en la espera silenciosa de un anciano. Es un valiente e inesperado acto de auto exposición de un autor que creíamos conocer, pero que asegura tener más cartas bajo la manga, que nos entrega lo que exigimos de él para después revelarnos lo equivocados que estábamos en pedírselo. Es una película sobre la vida, una reflexión sobre una generación que cumplió con todo lo que tenía que hacer para darse cuenta de que era en vano. Es un director legendario poniéndose en jaque a sí mismo y saliendo mejor parado después de hacerlo.


Ranking y textos por Ángelo Illanes, Iñaki Goldaracena, Simón Arias y Claudio Tapia.


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Artículos Cine

Estrenos cinematográficos del 16 de enero

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Cartelera

Películas que se suman a la cartelera de cine local el jueves 16 de enero.

“Los Rostros Del Diablo”

Título Original: Byeonshin

Director: Kim Hong-seon

Duración: 113 minutos

Año: 2019

Reparto: Bae Seong-woo, Sung Dong-il, Jang Yeongnam, Hye-Jun Kim, Yi-Hyun Cho, Kim Kang-Hoon


“Infierno En Las Alturas”

Título Original: Otryv

Director: Tigran Sahakyan

Duración: 85 minutos

Año: 2019

Reparto: Irina Antonenko, Anastasiya Grachyova, Vladimir Gusev, Denis Kosyakov, Andrey Nazimov, Aleksandr Nikitchenko


“Mujercitas”

Título Original: Little Women

Director: Greta Gerwig

Duración: 135 minutos

Año: 2019

Reparto: Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Meryl Streep, James Norton, Louis Garrel, Bob Odenkirk, Chris Cooper, Tracy Letts


“Dolittle”

Título Original: Dolittle

Director: Stephen Gaghan

Duración: 95 minutos

Año: 2020

Reparto: Robert Downey Jr., Antonio Banderas, Michael Sheen, Jim Broadbent, Jessie Buckley, Kasia Smutniak, Ralph Ineson, Harry Collett, Nasir Jama, Zak Holland, Tonya Cornelisse


“Jojo Rabbit”

Título Original: Jojo Rabbit

Director: Taika Waititi

Duración: 108 minutos

Año: 2019

Reparto: Taika Waititi, Scarlett Johansson, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Roman Griffin Davis, Thomasin McKenzie, Alfie Allen, Stephen Merchant, Archie Yates

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