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Amantes Por Un Día Amantes Por Un Día

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Amantes Por Un Día

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El impacto que causó el movimiento social de mayo de 1968 en Francia y la influencia de la Nueva Ola, ha hecho que el trabajo del director francés Philippe Garrel parezca estar suspendido en el tiempo, no sólo por la elección del blanco y negro que le otorga un tono nostálgico a sus historias, sino también porque sus relatos y personajes avanzan a un ritmo mucho más pausado del actual, donde se le da prioridad a su interioridad y capturando emociones humanas universales, siendo estas las que logran tener preponderancia en historias que parecen simples, pero que alcanzan un alto nivel de complejidad. Su último trabajo, “Amantes Por Un Día”, cierra la trilogía conceptual de la que forman parte “La Jalousie” (2013) y “L’Ombre Des Femmes” (2015).

Luego de haber terminado una relación amorosa, Jeanne (Esther Garrel) llega a vivir a la casa de Gilles (Éric Caravaca), su padre, un profesor de filosofía que vive con su novia Ariane (Louis Chevillote), una de sus alumnas de la misma edad de su hija. Ambas jóvenes inician una amistad que estará en el medio de su padre, el que deberá afrontar las inseguridades de su relación amorosa.

Los últimos trabajos de Garrel se han centrado principalmente en las dinámicas y conflictos de las relaciones de pareja, donde los fuertes vínculos entre dos personas son enfrentados a la fragilidad del compromiso y la fidelidad es cuestionada desde su base, entendiendo que quienes aceptan entrar en un romanticismo idílico están dispuestos a sufrir las consecuencias que este podría acarrear. La manera que tiene de retratar la intimidad lo lleva a explorar los rincones más profundos de sus personajes, casi estudiándolos, como si fuera la búsqueda de una exploración personal, pues, sin necesariamente ser relatos autobiográficos, están impregnados de las dudas e ideas de un punto de vista en particular.

Los personajes que arman este triángulo están construidos con una naturalidad que llega a ser excesivamente real, así, su complejidad los lleva a retratar con pureza las temáticas que rodean la obra del director, las que tratan de cuestionar los conceptos de compromiso, fidelidad e intimidad. Por una parte, la dinámica entre padre e hija es capturada sin mayor aprensión, existiendo entre ellos una conexión capaz de incomodar a la pareja de Gilles, quién se ve desplazada cuando la joven llega a –de cierta forma– invadir el espacio que ella y su amante estaban empezando a construir. Por otro lado, el entusiasmo que ha experimentado el romance entre Gilles y Ariane se ha debilitado, llevándolos a la desconfianza, aflorando los deseos íntimos de cada uno, donde los celos del profesor empujan la relación al límite.

El encuentro entre estas tres personas inicia los conflictos a nivel interno relacionados con el amor de pareja, amistad y filial, y que explota una vez que ya no puede ser contenido, por lo que cada uno lo manifiesta de forma diferente. Siendo particularmente los personajes femeninos quienes canalizan sus procesos de manera más evidente, donde el padre y amante tiene un rol sólo de observador, actuando acorde a las consecuencias de los conflictos que se han desatado. En ese momento, las dinámicas humanas sacan lo mejor y peor del carácter natural de las personas, en un contexto que parece atemporal, pero que también habla del mundo contemporáneo y la evolución de nuestros vínculos.

Garrel ha utilizado el medio monocromático para contar sus historias, característica que se aprovecha del dramatismo que le otorga el blanco y negro al relato audiovisual. Aquí el foco está puesto en las emociones de los personajes, quitando de en medio cualquier distracción que pueda entorpecer el desarrollo de la narración, la que termina volviéndose aún más íntima, provocando que los acotados setenta y seis minutos de metraje capturen las inquietudes y los conflictos de estas tres personas.

“Amantes Por Un Día” puede parecer una cinta de una construcción simple y sin mayores pretensiones, la que gracias a su duración y la precisión en su guion da como resultado una película directa y honesta. Sin embargo, es la profundidad de sus personajes lo que le otorga un dramatismo puro y natural, en una reflexión sobre las relaciones humanas, la libertad del deseo y las consecuencias del control que se le atribuye al compromiso.


Título Original: L’Amant D’Un Jour

Director: Philippe Garrel

Duración: 76 minutos

Año: 2017

Reparto: Éric Caravaca, Esther Garrel, Louise Chevillotte, Laetitia Spigarelli, Paul Toucang, Félix Kysyl, Michel Charrel, Nicolas Bridet, Marie Sergeant, Raphaël Naasz, Justine Bachelet, Christian Bouillette


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El Llamado Salvaje

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El Llamado Salvaje

El CGI (Computer Generated Imagery) en el cine es a menudo un tema controversial al ser a veces mal utilizado, o ser técnicamente deficiente. A veces el efecto que genera es simplemente espantoso, como en el caso de “Cats” (2019), en otras busca ser casi lo único valioso en una película, más que historia o personajes, como en el caso de “Avatar” (2009). Esto se debe en gran medida a que es un recurso relativamente nuevo en la historia del cine, y las capacidades técnicas de los efectos especiales siempre están evolucionando. Algo notable de “El Llamado Salvaje” desde un principio es el uso de CGI para generar personajes casi en su totalidad, lo que es definitivamente una apuesta arriesgada. Sin embargo, el resultado, a pesar de no ser perfecto, es un buen camino a seguir para la industria en el futuro.

La historia sigue a Buck, un perro grande y afable, criado por una acaudalada familia en California, que es secuestrado y vendido durante la Fiebre del Oro, y enviado a Yukon, al norte de Canadá. Ahí vivirá diversas aventuras y conocerá a diferentes perros y personas que lo acercarán a su lado más salvaje, lo que finalmente lo llevará a su destino.

“El Llamado Salvaje” es una sólida película de aventuras, en gran medida porque el personaje principal es profundamente querible. Pese a que puede ser sumamente difícil generar empatía con un protagonista que no habla, por lo que se vuelve difícil entrar en su mundo interior, el film toma las decisiones adecuadas de utilizar una voz en off que a menudo nos dice lo que piensa, y hacer uso del CGI para darle al animal un gran rango de emociones y personalidad. Inmediatamente somos capaces de conectarnos con Buck, y además de entender su relación con los otros animales que conoce, los que también son sumamente expresivos.

Y ese es uno de los grandes aciertos de la película. El uso que le da al CGI tiene más que ver con construir personajes expresivos y queribles que con buscar un fotorrealismo que sea técnicamente sorprendente, o con generar un mundo de fantasía que sea el gancho de la cinta. A diferencia de “The Lion King” (2019), acá los personajes caninos están llenos de expresividad y personalidad, incluso a pesar de no tener voz, y esto es casi en su totalidad a lo efectivo del CGI.

Aunque, claro, la falta de prolijidad técnica en la animación de los personajes se siente, y en algunas escenas casi llega a distraer de la historia. Hay momentos en que estos no alcanzan a mezclarse bien con su ambiente y se sienten como personajes de videojuego, moviéndose por un ambiente de manera desconectada. Sin embargo, el film completo genera una sensación de fantasía y plasticidad que se complementa bien con este aspecto.

Básicamente, todo es un poco plástico, pero al menos de manera coherente. Se siente como un film animado, tanto por su textura visual como por su puesta en escena, lo que tiene sentido, considerando que es la primera película live action del director Chris Sanders, famoso por “Lilo & Stitch” (2002) y “How To Train Your Dragon” (2010) y “The Croods” (2013). Esto lleva a que los momentos en que el CGI falla se vuelvan menos choqueantes y nunca lleguen a ser más llamativos que la historia en sí.

“El Llamado Salvaje” no es una película perfecta, tiene algunas falencias de guion, algunos de sus personajes (particularmente los villanos) son algo caricaturescos y el final se vuelve sobre explicativo, alargándose y siendo innecesariamente cursi. Sin embargo, al igual que el viaje de Buck, es una película con altos y bajos: una vez terminada, es un viaje que valió la pena tomar. Y no sólo eso, es también un buen ejemplo de las posibilidades narrativas que puede tener el uso de CGI en el cine, si dejamos de centrarnos en el aspecto técnico y volvemos a concentrarnos en la historia y los personajes.


Título Original: The Call Of The Wild

Director: Chris Sanders

Duración: 105 minutos

Año: 2020

Reparto: Harrison Ford, Dan Stevens, Bradley Whitford, Karen Gillan, Omar Sy, Jean Louisa Kelly, Terry Notary, Cara Gee, Colin Woodell, Wes Brown, Anthony Molinari, Brad Greenquist


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