Por otra parte, se encontraban los fans. Ya se está convirtiendo en tradición que las citas con el rock en el Caupolicán sean recordadas como conciertos memorables, debido a la atmósfera que se crea en el recinto de San Diego, el que invita a una comunión entre músico y público, como pocas veces se puede vivenciar. Sólo basta recordar “La Gala” de Faith No More, la presentación de Anthrax o el más reciente concierto de Motörhead. Esta vez el ambiente era el mismo. Los miles de asistentes lo hicieron sentir cuando pasadas las 21 hrs. se proyectaba sobre un gran telón “Mother Maiden”, el cortometraje que sirve de antesala para “A Shoot In The Dark”. La banda salía a escena, comandados por la bella Sharon Den Adel, para tomar sus puestos en un oscuro escenario de dos pisos. El sonido era perfecto, la banda impecable y el público hizo lo suyo en la que se perfilaba como una noche perfecta.

Con el pulgar en alto, Sharon saludaba al público, y Ruud Jolie en la guitarra principal (remplazando a Westerholt, quien se volvió a ausentar de la gira sudamericana), daba los primeros riffs de “In The Middle Of The Night”, también de “The Unforgiving”. Justo antes del coro, ocurre un apagón de energía que dejó sin sonido a la banda, quienes, claramente sorprendidos, dejaban el escenario ante la perplejidad del público que comenzó a manifestarse. Pasaron unos diez minutos para el retorno de la banda, quienes pidieron disculpas por el incidente y volvieron a interpretar la canción. Como una desagradable sorpresa, llegó un segundo apagón. La banda dejaba el escenario una vez más y la que hace un rato parecía una presentación impecable, ahora tomaba ribetes de papelón.

Sin embargo, a pesar de que fueron casi 30 minutos de incertidumbre y tensión, regresaban al escenario con la misma energía y entusiasmo. Un gesto más que admirable, que demuestra el profesionalismo de los músicos, pero por sobre todo, una gran humildad. Ahora sí, “In The Middle Of the Night” sonó en plenitud. Le siguió “Faster”, sencillo que devolvió la euforia al público, quienes de a poco comenzaban a olvidar el trago amargo. “Fire And Ice” trajo la calma en un momento de intimidad con Sharon de pie en el segundo piso del escenario, dejando en claro que su capacidad vocal no hace más que mejorar con los años.

Llegaba el momento de los clásicos con “Ice Queen”, que sonó sencillamente perfecta y fue agradecida por los fans, quienes nunca dejaron de corear cada letra de la canción.

La grandilocuencia y delicadeza del show quedaba demostrada en la perfecta sincronía que existía entre la música y las imágenes proyectadas, además de un cuidado juego de luces y una actitud que desbordaba energía y entrega en cada canción. En temas como “Hand Of Sorrow” o “Stand My Ground”, se podía apreciar el poder de la banda y la elegancia de la puesta en escena, un equilibrio perfecto entre sofisticación y brutalidad.

Llegaba el momento de volver a “The Unforgiving”, con una nueva intro de la mano de un cortometraje, que a pesar de no contar con subtítulos en español, era observado con atención por el respetable. De esta manera llegaba la bailable “Sinéad”, con una Sharon vistiendo una chaqueta de brillantes e invitando a los presentes a saltar junto a la banda. “What Have You Done” volvió a poner la nota pesada, donde las imágenes de Keith Caputo, cuya voz hacía dúo con la de Sharon, dieron forma a una versión simplemente inigualable.

Después de “Iron” llegaba “Angels”, sencillo de “The Silent Force” (2004), acompañado de su videoclip proyectado sobre la figura de Sharon, donde volvió a brillar la participación del público, que en “Memories”, dejó las cámaras fotográficas a un lado para alzar las llamas de sus encendedores, marcando un íntimo momento.

“Where Is The Edge” mantenía calmos los ánimos, para luego arremeter con “See Who I Am”, que a pesar de sus pasajes melódicos, sonó mas pesada y visceral que en su versión de estudio. El final llegaba con “Mother Earth”, poderosísima interpretación que fue acompañada por un sensual baile arábico de Sharon, y que marcó el clímax de una presentación sensacional.

Momento del bis. La banda agradeció el cariño de los fanáticos, coronando el momento con una fotografía al público y la entrega, por parte de un fanático, de una bandera chilena con el nombre de la banda. “Stairway To The Skies” fue la elegida para terminar el recital, que aunque no era uno de los clásicos, fue disfrutada por los fans, quienes despidieron a los holandeses con un caluroso aplauso.

Dejando de lado las fallas técnicas, Within Temptation cumplió con una presentación impecable y poderosa. Es muy pronto para declarar que su show fue el mejor del año, pero en vista de lo ocurrido, podemos asegurar que una vez más en el Caupolican se vivió una noche para recordar.

Por Sebastián Zumelzu

Fotos: Sebastián Rojas

 Setlist

1. Shot In The Dark
2. In The Middle Of The Night
3. Faster
4. Fire And Ice
5. Ice Queen
6. Hand Of Sorrow
7. Stand My Ground
8. Sinéad
9. What Have You Done
10. Iron
11. Angels
12. Memories
13. Where Is The Edge
14. See Who I Am
15. Mother Earth
16. Stairway To The Skies

El lugar escogido para la ocasión fue el Centro Cultural Amanda, recinto íntimo que albergó a unos 800 asistentes, que en los momentos previos al concierto, calentaban los motores al son de las canciones de KC & The Sunshine Band y otros legendarios exponentes del funk y el motown más clásico.

El ambiente de fiesta ya estaba instalado para cuando The County, la banda soporte del solista salió al escenario. Batería, guitarra, bajo y teclado se encargan de dar la entrada a Mayer Hawthorne quien, vistiendo un traje completamente blanco, comienza a interpretar los primeros versos de “Maybe So, Maybe No”, canción de su disco debut “A Strange Arrangement” (2009).

Después de interpretar “Gangsta Luv”, cover de Snopp Dogg, el norteamericano se apodera se apodera del micrófono para explicarle al público lo que iban a presenciar esa noche; no era un show tradicional, sino que una fiesta, donde no estaban invitados aquellos que no quisieran pasarlo bien. La respuesta del respetable fue inmediata, y con las manos alzadas acompañaron los compases de “Make Her Mine”. Para “Your Easy Lovin’ Ain’t Pleasin’ Nothin’”, Hawthorne y su banda dejan sus puestos para animar al público a hacer palmas. La energía no decaía para cuando tocó presentar “The Walk” y “Dreaming”, ambos sencillos de su última placa.

El show continuó con “One Track Mind”, donde el tecladista tomó la batuta, ejecutando un grandioso solo, demostrando las capacidades de la banda, quienes también tomaban parte de los coros, complementando el feeling en canciones como “Stick Around”. Llegaba el momento para interpretar otro cover, “Love In Motion”, en una versión más funky y orgánica que la original del DJ francés SebastiAn. Con la chaqueta desabrochada, el estadounidense interpretó “Shiny & New”, tema que invitó a los presentes a bajar las revoluciones. Momento de calma y romanticismo, que se completó, con la interpretación de “I Wish It Would Rain”.

Hawthorne es un frontman de tomo y lomo. Dueño de una personalidad que muchos podrían tachar de ególatra o hasta fanfarronesca. El tipo sabe lo que hace y cómo motivar a un público que no hace más que rendirse a sus pies. Aun así, se toma el tiempo para dar las gracias entre canción y canción y señalar que esta nueva visita al país superó todas sus expectativas, llegando incluso a sentirse como en su natal Detroit. Desde esas tierras trajo un particular baile que enseñó a los asistentes, para interpretar “A Long Time” y “Finally Falling”, ambas de su último disco. Sin pausa entre tema y tema, toma unos lentes de sol para interpretar un cover, “Private Eyes”, original del dúo Hall & Oates.

La calma regresó con “Green Eyed Love” y “Strange Arrangement”, dos piezas que mantenían una atmósfera que, a ratos, rememoraba los mejores años del soul. Para finalizar la primera parte del show, llegó “Just Ain’t Gonna Work Out”, quizás la más coreada por el público, para luego dar rienda suelta al baile con sendas versiones de “Hooked” y “The Ills”.

Para el bis, el cantante interpretó “You’ve Got The Makings Of A Lover”, canción de The Festivals, agrupación de los 60s, que fue reversionada por Hawthorne en su EP “Impressions” (2011). El fin de la fiesta llegó con una versión extendida de “Henny & Gingerale”, donde el cantante se dio el gusto de servirse un cognac (que compartió con los asistentes de las primeras filas), para dejar que su banda se luciera ante el público.

Mayer Hawthorne volvió a nuestro país, demostrando una vez más que el soul trasciende épocas, y lo que pasó en esta noche de fiesta, como anunció su anfitrión, es una prueba de ello.

Por Sebastián Zumelzu

Setlist

1. Maybe So, Maybe No
2. Gangsta Luv (Cover de Snopp Dog)
3. Make Her Mine
4. Your Easy Lovin’ Ain’t Pleasin’ Nothin’
5. The Walk
6. Dreaming
7. One Track Mind
8. Stick Around
9. Love In Motion (Cover de SebastiAn)
10. No Srings
11. Shiny & New
12. I Wish It Would Rain
13. A Long Time
14. Finally Falling
15. Private Eyes (Cover de Hall & Oates)
16. Green Eyed Love
17. A Strange Arrangement
18. Just Ain’t Gonna Work Out
19. Hooked
20. The Ills
21. You’ve Got The Makings Of A Lover (Cover de The Festivals)
22. Henny & Gingerale

Con una marcada influencia glam, sobre todo por parte de Kiss, a quienes le deben elementos musicales como de puesta en escena, los californianos han cosechado una carrera meteórica, que los ha llevado a presentarse en festivales de categoría mundial como el Rock Am Ring, y recibir elogios de prestigiosos medios especializados.

Con dos discos bajo el brazo y cultivando un estilo que mezcla el glam rock con el metalcore, Black Veil Brides llegaba a nuestro país para demostrar que el glamour y parafernalia de los rockstars de antaño, sigue vigente.

Unas horas antes del concierto, en las afueras del teatro, ya llegaban los primeros fanáticos.

En su mayoría adolescentes acompañados por sus padres, quienes vigilaban celosamente a sus retoños mientras ingresaban al Caupolicán para presenciar el que podría ser su primer encuentro con una banda de rock en vivo.

Al interior del recinto el ambiente era de emoción y efervescencia. Los alrededor de 300 asistentes se apostaban frente al escenario coreando el nombre de la banda. Rostros maquillados, pañuelos de colores y accesorios metálicos eran la tónica en el público, mayormente femenino, que a esa hora esperaba ansioso la salida de sus ídolos.

A las nueve de la noche en punto se apagaron las luces en del teatro; el griterío de los fans, sobre todo de las adolescentes, se hacía a ratos ensordecedor a la espera de los californianos, quienes se tardaron unos minutos en salir, al parecer, por problemas técnicos.

Superado el impase, ingresan al escenario Christian “Coma” Mora (batería), Ashley Purdy (bajo), Jake Pitts y Jinxx (guitarras), para dar el puntapié inicial con “Love Isn’t Always Fair”, tema de su última placa “Set The World On Fire” (2011). Finalmente, con cigarro en mano, Andy Biersack toma el micrófono y saluda a la multitud, que a esta altura ya estaba totalmente entregada al circo del rock and roll.

El show continuó con “All You Hate”, del disco debut “We Stitch These Wounds” (2010), cuyo breakdown y guturales de Andy Biersack muestran la faceta más metalcore de la banda. Después de unos breves agradecimientos, llega “Rebel Yell”, reversión de la original de Billy Idol, incluida en el ultimo EP de la banda, “Rebels” (2011).

La atmósfera era de total devoción por parte del “Chilean Army”. Mientras unas fans contemplaban el escenario con lágrimas en los ojos, otros no dejaban de saltar y sacar fotos a la banda, quienes daban en el gusto a sus seguidores posando para ellos y respondiendo a cada una de las manifestaciones de cariño. La interacción con el público es una pieza clave del show de los norteamericanos y así lo hizo saber “CC”, quien desde la batería dedicó unas palabras en español para dar paso a “Children Surrender”, también de su disco debut.

Durante las primeras canciones el sonido saturaba un poco, opacando los solos de guitarra.

Para cuando llegó “God Bless You”, con una introducción a capela de “Savior”, las cosas mejoraron y se pudo apreciar el peso de las guitarras de Pitts y Jinxx, en un tema que llama inevitablemente al headbanging.

Biersack toma el micrófono para presentar el primer single de la banda, que les valió más de 10 millones de visitas en Youtube y los catapultó a la fama mundial. “Knives And Pens” sonó potente y fue coreada por todos los presentes, marcando uno de los puntos álgidos de la presentación. La euforia se mantuvo con “The Legacy”, destacando el histrionismo de Biersack, quien en su rol de frontman se encarga de mantener al público enérgico y participativo.

La banda deja en el escenario a “CC”, quien se despacha un solo de batería que, sin ser impresionante, cumple y marca el fin de la primera parte del concierto. Pasan unos minutos para el retorno de la banda con “New Religion”, cuyos pasajes thrash incitan a un grupo de entusiastas a formar un mosh pit en medio de la cancha. “I like Chile” declara Biersack antes de comenzar con “Youth & Whiskey”, perfomance que el vocalista acompaña con una botella de vino, desatando el delirio de los fans.

Durante todo el concierto no dejaron de caer objetos sobre el escenario. Los que más llamaron la atención de la banda, fueron los sostenes que terminaron adornando el atril de Ashley Purdy y una bandera chilena, que Biersack empuño para interpretar “Set The World On Fire”, sencillo incluido en el soundtrack de la última película de Transformers. Para “Rebel Love Song” el público entonó los primeros versos de la canción, que luego fue ejecutada por la banda, marcando otro momento álgido de un concierto que ya llegaba a su fin.

Último bis y el público pedía “Perfect Weapon”, uno de los favoritos del primer disco que, hasta el momento, no había sido incluido en la gira latinoamericana. Para sorpresa de todos, la banda regresó para interpretar esta canción. Un regalo para los fans que terminaron de quemar los últimos cartuchos con “Fallen Angels”. Un éxtasis generalizado que selló una presentación breve, pero llena de energía y momentos para el recuerdo para una fanaticada joven, que comparte la pasión de los rockeros más longevos.

Mientras la gente se retiraba del lugar, una imagen resume lo que pasó esa noche en el Caupolicán. Un padre y su hija comentando el show que acababan de presenciar. Ella, vistiendo una polera de Black Veil Brides, y él, una de Venom. El rock no conoce de épocas ni edades; sigue uniendo y cautivando a nuevas generaciones, que esta vez, de la mano de Black Veil Brides, se llevan la satisfacción de saber que el rock sigue vivo y está en buenas manos.

Por Sebastián Zumelzu

Setlist:

1. Love Isn’t Always Fair
2. All You Hate
3. Rebel Yell
4. Children Surrender
5. God Bless You (Intro a capela “Savior”)
6. Knives And Pens
7. The Legacy
8. Solo de batería de “CC”
9. New Religion
10. Youth & Whiskey
11. Set The World On Fire
12. Rebel Love Song
13. Perfect Weapon
14. Fallen Angels

Al interior de la ex Rockola, escenario de memorables tiempos del punk melódico chileno, la temperatura era altísima, pero para los fanáticos eso sólo fue un aliciente más para “dejarlo todo en la cancha”. El show comenzó puntualmente a las 20 horas con la presentación de los teloneros Okidoky. El cuarteto de Concepción tuvo una actuación más que correcta, con un buen sonido lograron encender a buena parte del público. Luego de exacta media hora sobre el escenario, en que tocaron siete canciones, incluido un cover de NoFX, los penquistas se retiraron entre cálidos aplausos. Terminada esta presentación, el equipo de NFG comenzó a preparar el escenario y los instrumentos para el show que Jordan Pundik, Chad Gilbert, Ian Grushka, Steve Klein y Cyrus Booloki entregarían a sus fanáticos chilenos. A pesar de que el local nunca se llenó, y el público no superaba los 300 asistentes, el calor seguía a tope y la impaciencia aparecía en las primeras pifias del respetable. Eso hasta que a las 21 horas en punto se apagan las luces y la música de fondo indica que New Found Glory ya está sobre el escenario. Los originarios de Coral Springs, Florida, apenas saludan a los fanáticos y se lanzan con toda la artillería musical.

“All Downhill From Here” es la primera canción que suena y el público inmediatamente comienza a corearla, sin descanso Jordan Pundik (vocalista) comienza a interpretar “Something I Call Personality” y el primer circle pit de la jornada aparece en el medio del local. “Radiosurgery”, primer sencillo del reciente álbum del mismo nombre, es la tercera canción de la noche que mantiene alto el ánimo de los asistentes.

Chad Gilbert (guitarra principal) hace una pequeña pausa para saludar y agradecer a los fanáticos por su asistencia, y por la energía entregada durante los primeros minutos del show. El repertorio continúa con “Understatement”, primer track del célebre disco “Sticks & Stones” (2002), que es coreada por todos los presentes. El ritmo frenético del show baja un poco con “Don’t Let Her Pull You Down” y “Head On Collision”, aunque esta última es cantada de principio a fin por los fanáticos.

La locura y el mosh vuelve con “Blitzkrieg Bop”, cover de Ramones, y el nuevo himno de los floridanos: “Anthem For The Unwanted”. Entremedio de estos temas, Gilbert entrega un mensaje sobre la libertad de tocar cualquier canción, ya que la música es de todos y no tiene dueños. Los  aplausos son instantáneos.

La presentación continúa con canciones como “Truth of My Youth” y las románticas “Hold My Hand”, “Forget My Name” y “Failure’s Not Flattering”. A esa altura de la noche, los fanáticos más jóvenes se mezclaban con los seguidores más longevos en una masa compacta, sudorosa y completamente devota de la entrega y pasión que los estadounidenses mostraban en el escenario.

El show tomó un segundo aire en locura y descontrol con “Kiss Me” (cover de Sixpence None The Richer) que fue coreada hasta por el más rudo de los asistentes. “Dressed to Kill” siguió con la locura que era constantemente agradecida por la banda. Chad Gilbert, quién más interactuó con el público, se encargaba de recordar que amaban a los fanáticos chilenos y que estaban muy agradecidos de la recepción y el cariño.

“Summer Fling, Don’t Mean A Thing” era la decimoquinta canción de la noche y la energía de los presentes no claudicaba. “Listen To Your Friends” y “Boy Crazy”, clásicos del disco homónimo de la banda, generaban más calor y sudor en el público que no paraba de gozar con la segunda visita de New Found Glory a suelo chileno. La sorpresa de la jornada llegó con la interpretación de “Sonny”, una de las canciones más lindas de la banda y que no acostumbran tocar. El fin de la primera parte del show era inminente y se concretó con “Hit Or Miss”, otro clásico de clásicos.

Luego de un minuto de descanso, NFG vuelve con la parte final del concierto y lo hacen con el cover del himno de Green Day “Basket Case”, que fue coreado por todos los asistentes. “Truck Stop Blues” revivió el circle pit que continuó con “Intro” y que dio paso a la última canción de la noche y, quizás, la más esperada por todos, “My Friends Over You”, que reventó las gargantas de los fanáticos y fue el broche de oro de un show redondo. La banda se despide agradecida de la energía y el cariño del público, mientras que los más fanáticos se abalanzan sobre las uñetas y baquetas lanzadas desde el escenario.

Un concierto lleno de pasión y entrega, que sólo se vio medianamente empañado por los problemas de sonido en el micrófono de Jordan Pundik durante algunos pasajes del show. Otro punto negativo fue la baja convocatoria de público que, debido a los altos precios de los últimos conciertos de agrupaciones de este estilo, cada vez se aleja más de los shows.

Seguramente, para quienes asistieron, este concierto será inolvidable por mucho tiempo y esperamos que para New Found Glory también lo haya sido. Esta vez, el calor no pudo con el punk pop y sus seguidores.

Por Julio Donoso
Fotos por Praxila Larenas

A eso de las 20.30 horas,  y acompañados por sus dos famosos astronautas gigantescos, la banda liderada por Les Claypool salió a escena en el Transistor Stage, con los primeros acordes de la mesiánica “Those Damned Blue Collar Tweekers”, para dar inicio al verdadero dramatismo novelesco de su música; una historia, que sin importar si entiendes inglés o no, va dibujando diversos capítulos, todos con ese toque de caricatura que por años han puesto en su obra.

La verdad más absoluta del trío norteamericano, comienza a hacerse evidente a medida que avanzan los minutos. En “Duchess And The Proverbial Mind Spread”, Les Claypool maneja desde las cuatro cuerdas el espectáculo –aunque en estricto rigor, en su caso no siempre son cuatro–, incluso relegando a la base rítmica de Jay Lane a un mero acompañamiento, sólo a veces. Cosa que se nota a ratos, con el baterista tocando con baquetas del tipo maza (o llamadas comúnmente como “pompones”), que hace que los golpes sean secundarios ante Claypool.

El primer gran momento de la noche, llegó de la mano de uno de los mayores hits de la banda, “Wynona’s Bog Brown Beaver”, donde Larry LaLonde demuestra –algo que es casi obvio- su pulcritud como guitarrista. Y en paralelo, público bailando y estallando ante tal momento épico.

Una de las cosas que desconciertan de Primus, es la limpieza de sus sonidos en vivo. De una perfección, que cualquiera diría suena igualito al CD, pero que en este caso, tal afirmación no puede ser más que verdadera. Muchos pensarían que un denominado power trio debería sonar espacialmente sucio para así llenar todos los rincones, pero Primus es más que eso, es un sonido compacto que llega a todos lados, son potencia pura y sobriedad al mismo tiempo.

Les Claypool es un tipo gracioso, agradable y cercano a la gente, quizás no un Patton, pero si una persona agradecida del cariño de su público, y de vez en cuando dedicó agradecimientos, o sus observaciones sobre la polvadera de Maquinaria. Incluso se atrevió con un chilenismo que fue quizás el más original de ambas jornadas: “Terrible de pollo”, al cual le incluyó su literal traducción en inglés: “Terrible chicken”.

Con “Tragedy’s A’ Comin’”, Jay Lane pudo demostrar sus mejores dotes con las baquetas, y como fundamental acompañamiento en aquel seudo rapeo de Claypool.

Otro de los momentos teatrales del bajista llegaría con “Lee Van Cleef”, donde hace gala de su juego de voces histriónicas en completa fusión con el entrecortado bajo y manteniendo siempre la sonoridad lo fi de sus palabras.

En calidad de sonido, poco se puede decir. En este caso hablamos de la potencia y mezcla perfecta para los músicos perfectos que pisaban ese escenario. Para llegar a ese nivel, no sólo se tiene que conocer bien el sonido de una banda, si no que se debe actuar como otro componente más de ésta, esto en referencia al sonidista.

Quizás el momento más elevado de la noche, llegó de la mano de una de las líneas de bajo más famosas de todo el rock, hablamos de “My Name Is Mud”, donde Claypool, desde la introducción hasta el final, no dejó de golpear las cuerdas de su bajo. Con una sincronización y efectividad cercana al 100%. Y fue esta instancia, en una versión agradecidamente alargada, donde Lane y LaLonde dieron muestra de su mejor interpretación instrumental.

El final llegaría con “HOINFODMAN”, y finalmente con el single de 1991, “Tommy The Cat”, con el que bajarían el telón en medio de peticiones de bis, aplausos y gritos.

Sin duda la primera visita de Primus, nos dejó a todos con gusto a poco, sintiendo esa insatisfacción y pensando en la injusticia de los horarios de conciertos teloneros.

Ciertamente, esta segunda vez, fue una suerte de venganza, porque a pesar de compartir cartel en un mismo día con Stone Temple Pilots y Sonic Youth, lograron presentar un show actual y pulcro sobre el escenario. Una perfecta obra de teatro sonoro.

Por Pamela Cortés
Fotos por Sebastián Rojas

Setlist:

1. Those Damned Blue-Collar Tweekers
2. Duchess And The Proverbial Mind Spread
3. Wynona’s Big Brown Beaver
4. Prelude To A Crawl
5. Last Salmon Man
6. Groundhog’s Day
7. Tragedy’s A’ Comin’
8. Lee Van Cleef
9. Over The Falls
10. John The Fisherman
11. American Life
12. Jerry Was A Race Car Driver
13. My Name Is Mud
14. HOINFODAMAN
15. Tommy The Cat

Con un retraso de casi cuarenta minutos Crystal Castles salió a escena bajo la algarabía hiperventilada de un público que, si no era adolescente, por lo menos se comportaba como tal. Y Alice irrumpió con una energía acorde a la situación, como si esto no fuera novedad para ella.

Los beats de la batería y las programaciones de Ethan Kath comienzan a sonar, mientras Alice improvisa cualquier cosa y “Violent Dreams” se materializa como una intro bien llevada a cabo para un show de alto impacto. En general, las canciones suenan con más potencia que en sus versiones de estudio, no obstante se sacrifica cierta estructura en pos de los arranques de Alice.

“Baptism” pone a mover a todo el mundo; Alice, cada vez que no canta se arrincona, se repliega en el escenario y se pone en posición casi fetal. Pone sus manos en la cabeza como si oyera voces. Es todo un espectáculo mientras sus alaridos le ponen letra a una canción con urgencia. Lo mismo pasa con la buenísima “Courtship Dating” que provoca el primer zambullido sobre el público de Alice, desatando la locura y volviendo locos también a los encargados de la seguridad.

“Suffocation” fue una de las interpretaciones más limpias en materia de sonido; sin la saturación de los sintetizadores y sin el autotune implacable en el micrófono de la cantante, debe ser uno de los puntos altos en materia interpretativa. Otra vez Alice se lanza al público y la locura sigue adelante, con la mencionada hiperventilación al máximo.

Luego viene “Crimewave”, que pese a no ser de las favoritas de la audiencia, sonó mucho mejor dada la ausencia de HEALTH. Más fluida y más en la clave Crystal Castles, esta canción continuó la senda de excesos de energía desplegada por la gente, con una Alice que toma de su botella de whisky grandes sorbos y luego toma un par más para lanzarlos con la boca a la gente. Varios abrieron la boca y se dieron por satisfechos de su fechoría ocasional y otros seguían esperando su momento. Pero ella volvía a posición fetal, volvía a ser sobrepasada por sus propios sonidos o algo así, y fuera de tranquilizarse le daba un inesperado vuelo a la calmada “Year Of Silence”, preámbulo casi a pedir de boca para uno de los éxitos de CC, “Alice Practice”.

La canción, que partió como una prueba de sonido y que ahora es un himno para los fanáticos del dúo canadiense, sonó menos ansiosa que su versión demo (nunca fue grabada en un estudio), pero no por ello la hiperventilación -el término más recurrente de la jornada- disminuyó. Tampoco para la movediza “Black Panther”, que mantuvo saltando a los fanáticos ni a la propia Alice que volvía a hacer de las suyas tirándose nuevamente al público.

Con “Celestica”, la gente fue la que casi arma un remolino de tanto que se movía de un lugar a otro, mientras el dúo la ejecuta con mucho más rock que la calma puritana que sonaba en su segundo álbum homónimo de 2010, ganando urgencia y potencia.

La reverberación de “Empathy” arma el último momento de mayor pausa y contemplación antes del final. Es que “Untrust Us” y “Not In Love” hacen que la gente se vuelva loca. Alice, en su última zambullida en el mar de gente, produce que un fanático también sea llevado en andas al sector del escenario. Ella le toma la mano y luego lo deja ir para que siga su camino.

“Untrust Us” con su letra inentendible hace que las personas balbuceen y bailen. De tanta energía desplegada pareciera que la gente operara con las reservas de sus fuerzas de voluntad. Mientras en el escenario, Ethan maneja con maestría sus bases, programaciones, sintetizadores y deja que Glass tome el crédito. Lo mismo en la emotiva y evocativa “Not In Love”. Pese a que la versión con Robert Smith le suma mucho más a esta gran canción, en vivo de todas formas el coro es gritado con pasión por todos. Como un confesionario, Alice le toma la palabra a cada uno, pero no escucha. Está más concentrada en durar allí, en el escenario.

Este es el gran cierre de un concierto con más energía que sonidos, con más entrega de la gente que de los artistas, y aún así es un tremendo show. La integración improvisada entre la forma de ser y actuar de la extraña Alice Glass y la hiperventilación adolescente del público asistente formaron una buena mezcla. No obstante, hay que consignar los graves riesgos que esto conlleva. La gente sabía que Alice es temperamental; si hacían algo que la molestara, el show fácilmente terminaba y duraba menos que los escasos 48 minutos que tuvo CC en Maquinaria. También vale señalar la ceguera de la gente hacia sus compañeros de concierto, es decir, no puede ser que alguien se lesione o sea golpeado sólo por el ímpetu de algunos en llegar a la reja, debe haber respeto. Podemos estar apretados y adoloridos, pero no en mala onda y eso se vio en la parte frontal. De todas formas, estos fueron condimentos que sazonaron mucho más una presentación tan corta como intensa, que dejó de manifiesto que a veces no es necesario ser la mejor banda del planeta para sentirte y pasarla bien como si fuera tal. Corto, preciso e hiperventilado, el show de Crystal Castles fue uno de esos momentos de efervescencia de los cuales entregó por montones esta edición de Maquinaria.

Por Manuel Toledo-Campos
Fotos por Sebastián Rojas

Setlist:

1. Violent Dreams
2. Baptism
3. Courtship Dating
4. Suffocation
5. Crimewave
6. Year Of Silence
7. Alice Practice
8. Black Panther
9. Celestica
10. Empathy
11. Untrust Us
12. Not In Love

Son pasada las 17:00 hrs. y un sol pega fuerte en las cabezas apostadas en el escenario Transistor, para ver la actuación de una de las bandas más influyentes para el rock contemporáneo en el segundo día del Festival Maquinaria. Los fanáticos de Sonic Youth están expectantes ante esta presentación, ya que el 14 de octubre el sello “Matador” emitió un comunicado anunciando el divorcio entre Kim Gordon y Thurston Moore tras 27 años de matrimonio, 30 dentro de la banda y poniendo en duda la continuidad de un grupo que supo incluir la experimentación en el rock y al punk.

Se terminan las especulaciones cuando entran en escena con lentes oscuros Steve Shelley (batería), Lee Ranaldo (guitarra y voz), Mark Ibold (de “Pavement” quien toca el bajo desde la gira de “Rather Ripped” de 2006), Thurston Moore (guitarra y voz) y Kim Gordon (bajo, guitarra y voz) que aparece con un corto vestido rojo bien ceñido al cuerpo, que confunde a cualquiera sobre su verdadera edad.

Llegan de una tensa actuación en Perú, sin embargo el show debe continuar. Luego de un breve jam de noise para calentar las guitarras (no hicieron prueba de sonido) abren con “Brave Men Run” del “Bad Moon Rising” (1985), viajando a los orígenes de la banda, para demostrar que los años no pasan en vano y que, a pesar de no ser cabezas de cartel, esta tarde vienen a mostrar una clase magistral de historia musical.

Siguieron con “Death Valley ’69”, con Thurston y Kim cantando al unísono como en los viejos tiempos, provocando la locura de en las primeras filas, levantando una capa de polvo impresionante que a ratos tapaba el escenario.

Siguieron “Tom Violence” de “Evol” (1986) y la dupleta de “The Eternal” (2009) su ultima placa, con Kim Gordon al micrófono cantando desgarradamente la punketa “Sacred Trickster” y “Calming The Snake” con furia, apretando tanto sus cuerdas vocales, que a veces quedaba sin aire. En ningún minuto mira a su ex marido, quien comienza a lucir todos sus trucos clásicos en las 6 cuerdas. Moore se sube a sus efectos para balancearse y hacer rechinar los modelos de guitarra que van apareciendo con distintas afinaciones, para golpearlas con baquetas, creando acoples en el aire que magnifican su altura y su colorina cabellera. Lee Ranaldo es su cómplice, lo deja libre en sus arranques de delirios sónicos, sin embargo raya la cancha cuando es su turno le toca estallar, toma la palabra y anuncia “Eric’s Trip” del gran “Daydream Nation” (1988), para seguir con la dupleta del “Sister” (1987), “Stereo Sancity” y “Kotton Krown”.

Los más jóvenes del público miran con atención, sorprendidos con los cincuentones que rockean igual que en los ‘80, mientras que los más adultos sonríen y corean las canciones al ritmo de un certero Steve Shelley; con cara de bonachón hunde las baquetas contra los toms, poniéndole ritmo a las capas de ruido creadas por sus colegas.

Luego Thurston toma su “Jazzmaster” azul y, para hacerla chillar, la arrastra por el piso, y la frota sobre una cámara al costado del escenario y el cuerpo de su operador, en una introducción ruidosa para que entre Shelley en “Starfield Rd” de “Experimental Jet Set, Trash and No Star” (1994) A continuación vino “Flower”, la saltada “What We Know” a cargo de Ranaldo, una de las canciones más celebradas de su última entrega.

Kim Gordon deja la guitarra y toma el micrófono para “Drunken Butterfly” en una deliciosa y perturbante interpretación, “I love you, I love you, I love you… What’s your name?” clamaba arrodillada en el escenario, mientras empezamos a ver las primeras personas levantadas sobre la multitud. La rubia estiró los brazos para dar vueltas como una mariposa borracha, al ritmo de las estridencia de las guitarras. Una leve brisa refrescó la cara del público y le agitó los cabellos a Kim en un momento sublime, único. El sol comenzaba lentamente a moverse cuando empezó a sonar “Sugar Kane”, del exitoso “Dirty” (1992), nuevamente con 2 bajos, para hacer vibrar a los viejos y nuevos fans, incluso a los que los escuchaban por primera vez a los neoyorquinos con respeto y en silencio. A la mitad del tema se concertaron en una improvisación llena de trabajados ruidos, golpes de bajo, Lee Ranaldo levantó su guitarra para percutarla con baquetas, y volver suavemente al final de la canción para hacerla estallar y despedirse tras la rotunda negativa de los asistentes que los pedían de vuelta.

Volvieron con los puños en alto y Thurston Moore dijo “Ustedes chicos, son asombrosos”, y comenzaron a tocar “Teen Age Riot” para sacudir las cabezas de todos los presentes, con un final ya característico en las presentaciones del quinteto, con el cruce de las guitarras de Lee y Thurston. Luego vino una cascada de sonidos, todo vitoreado por un extasiado público, y con el cable de la guitarra alrededor del cuello de Thurston como si se quisiera ahorcar en directo. Se despidieron, y el alto despachó la frase “Sean Libres” para abandonar el escenario, dejando la incógnita sobre el futuro de una agrupación que se ha mantenido vigente pese a los años, pese a las modas musicales, pese a las ganancias comerciales y que han hecho lo que siempre han querido sin obedecer a limitaciones. Dejaron sus armónicos sonando en el aire, demostrando a los testigos presentes que una guitarra no sólo se toca con una uñeta, y que no hay que vender grandes cantidades de discos para imponer un sello frenético, pero hermoso a la vez.

Un show intenso, que sonó mucho mejor que en su primera visita, pero que se hizo corto y dejó un gusto amargo en los seguidores más fieles, además de una larga lista de temas afuera. No sabremos qué pasará con la banda, pero la tarea está cumplida, seducir a los miles que estaban allí y motivar a las nuevas generaciones de músicos a no seguir patrones convencionales, tal como lo hicieron con un joven Kurt Cobain.

Por Jaime Albornoz
Fotos por Sebastián Rojas

Setlist:

1. Brave Men Run
2. Death Valley ’69
3. Tom Violence
4. Sacred Trickster
5. Calming The Snake
6. Eric’s Trip
7. Stereo Sanctity
8. Kotton Krown
9. Starfield Rd.
10. Flower
11. What We Know
12. Drunken Butterfly
13. Sugar Kane
    ——————————
14. Teen Age Riot

Al igual que la primera jornada, algunos de los platos fuertes de la joranada, fueron artistas que ya tenían noción de estas tierras, tal como sucedió con Faith No More, Megadeth y Chris Cornell.

Todo comenzó una vez más en el Lenovo, escenario que, instalado en la ‘entrada’ del festival, siempre logró interesar a algunos de los que iban llegando, gente que se quedaba sentada en el pasto, o se acercaba al escenario. Y esta vez sucedió como una mañana de picnic con el Dj Luis Flores, quien acompañó su presentación por más de 30 minutos sólo con un par de tipos bailando frente a él, ya que a esa misma hora, en el Claro Sony Ericsson Stage, se presentaba la única agrupación chilena en uno de los escenarios “grandes”, Movimiento Original, haciendo vibrar con su ritmo urbano a unos 500 asistentes, y que terminaron siendo más de 3 mil.

Terminado Dj Flores, fue el turno de Gepe. Aunque su comienzo con “Esgrima” sonó particularmente patético, el sonido logró arreglarse rápidamente para dar paso a una selecta batería de canciones, donde Daniel Riveros –Gepe-, se hizo acompañar en la guitarra por Milton Mahan (Denver) y en el cello por Felicia Morales. La energía que Gepe potencia en la batería –como en los mejores tiempos de Taller Dejao- acaparó a decenas de personas que iban llegando de a poco al Club Hípico, entre ellas las que creían que Gepe sólo es una conspiración hipster. El nacional hizo a todos saltar sobre el césped con canciones como “Alfabeto”, “La Bajada” y “Lambada”, cover con el cual cerró.

Mientras tanto en el Transistor Stage, se hacía presente el japonés Miyavi, que en su tercera visita al país, tenía su séquito de admiradores, acompañados por un potente sonido en las guitarras. El japonés toco casi hora y media y su público de a poco iba mezclándose con los fans de Sonic Youth, que gradualmente comenzaban a llegar.

Y mientras Francisca Valenzuela en el Lenovo Stage hacia gala de sus canciones más conocidas, los españoles de Violadores del Verso calentaban motores con su hip hop en el Claro Stage, a la espera del comienzo de los números “grandes” de la tarde.

A las 17.30 casi exactas, se hizo presente el primer número fuerte de la jornada, los neoyorkinos de Sonic Youth tenían a sus expensas un nutrido público y, como los grandes músicos que son, cumplieron con creces. Su show contó con un variado setlist, con canciones como “Death Valley ’69”, “Drunken Butterfly”, “Sugar Kane”, y la versión extendida, y en extremo ruidosa, de “Teenage Riot”.  Y es por esto que por segunda vez demostraron por qué llevan décadas siendo una de las bandas más respetadas de la escena rockera mundial. Steve Shelley, Kim Gordon, Lee Ranaldo y Thurston Moore son una raza casi extinta de músicos actualmente, la actitud de Sonic Youth llega a un nivel poco comparable, con una marca registrada en sus incansables riffs de guitarra. Y nuevamente para felicidad de muchos contaron entre sus filas con Mark Ibold, bajista de Pavement. ¿Acaso será verdadero el rumor que corre que la de Maquinaria fue la penúltima presentación de Sonic Youth? El tiempo dirá.

En el Lenovo Stage, casi en paralelo con Sonic Youth, hacían su primera presentación en Chile los veteranos Inspiral Carpets, que a pesar de contar con sólo un mega hit – el conocido “Saturn 5”- recordaron el sonido shoegazzer de Manchester, ante un público algo menor.

Ya en el ocaso de la tarde, llegaría el hijo de Bob Marley, Damian Jr. Marley, para hacer presente el sonido reggae. Recordando los éxitos de su fallecido padre, y con una buena banda de apoyo, logró entusiasmar a los presentes con canciones como “Road To Zion”, “Get Up Stand Up”, “Could You Be Loved”, y “Welcome To The Jamrock”. Cabe señalar que, a esas horas de la tarde, el sonido parecía ser una barrera superada en todo sentido, contando incluso con mejor calidad que el primer día.

Y de vuelta en el Lenovo Stage,  aparecía Gui Boratto en vez de el ex líder de LCD Soundsystem, James Murphy, debido a retrasos del artista, que finalmente actuaría pasadas las 21.30 horas, pero que finalmente logró apoderarse de uno de los mejores sonidos electrónicos de la jornada.

A las 20.30 comenzó uno de los shows más esperados. El trío californianio Primus apareció ante el fervor del público, con esa faceta casi teatral de su vocalista Les Claypool, que es considerado uno de los mejores bajistas de la historia, y con mucha razón, ya que Primus se encarga de dejar siempre en primera persona al bajo y el dinámico registro vocal de Claypool. Llenaron todos los espacios con solos instrumentales perfectos, un sonido estudiado en el que Claypool se lleva todo el protagonismo y lleva incluso a la base rítmica a un lugar, por momentos, muy secundario. En una hora y media hicieron un repaso en extenso de sus singles más famosos como “Wynona’s Big Brown Beaver”, “Tommy The Cat” y una espectacular versión de “My Name is Mud”. Músicos de excelencia en amplio sentido.

Casi puntual comenzó el cierre del Claro Stage Con “Carmina Burana”, Snoop Dogg partió de la forma más grandilocuente su show lleno de adornos. El hip hop más purista presente en el festival, con números de baile, y aquellos simbolismos de la cultura gangsta rap de Estados Unidos. Regalando canciones propias, como de otros grandes del hip hop mundial, como 50 Cents.

La comunicación con el público fue a ratos demasiado reincidente, pero para armar la fiesta de proporciones que Snoop armó, nunca serán suficientes las veces que coree el nombre de Santiago, los Say Hoooo!, o los Claps your hands!

En el Lenovo Stage, con retraso de una hora, Crystal Castles montó un show de doce canciones, en donde Alice Glass interactuó con el público de manera peligrosamente cercana. “Alice Practice”, “Baptism”, “Celestica” y” Not In Love”, fueron algunas de las canciones que desataron el sonido. El gran final (al menos en este escenario) llegaría casi en paralelo, de la mano del productor canadiense Tiga, que encendió la fiesta absoluta y que de hecho fue quien le puso candado a esta edición de Maquinaria Festival 2011.

Y en el Transistor Stage, todo llegaría a su fin con la segunda presentación de Stone Temple Pilots en menos de un año en Chile. El cuarteto de San Diego apareció puntual sobre el escenario. Un sonido perfecto para un show duró demasiado poco. Hay que ser justos con STP, sin haber demostrado nada muy nuevo que diferenciara su show anterior, salvo por aquel regalo sónico de “Big Bang Baby”, esta oportunidad se notó una mayor entrega de sus músicos, principalmente de su líder Scott Weiland, quien trataba de contrarrestar sus notorias falencias vocales con una gran entrega sobre el escenario. Los momentos álgidos de la noche llegarían con “Vasoline”, “Between The Lines”, “Plush”, “Sex Type Thing” y el final con “Trippin’ on a Hole in a Paper Heart”. Pese a la corta duración, se sintió como el mejor término de fiesta.

Y así culminó la segunda entrega de Maquinaria Festival, ya no como novatos y con algunas cosas aún por mejorar. La organización tendrá mucho trabajo intentando contar la próxima vez con el 100% de los servicios prometidos, pero seguramente comenzarán a trabajar con la tranquilidad de haber contado con una parrilla de artistas de calidad y una entrega sonora bastante positiva.

Esperemos que la versión 2012 siga creciendo y haga de Maquinaria, uno de los festivales de rock más grandes de la región. Al menos, entusiasmo en Chile hay. Porque definitivamente quedó claro que somos un país rockero con alma noventera.

Por Pamela Cortés
Foto por Sebastián Rojas

La expectativa generada en torno al concierto de ayer no era gratuita: en noviembre de 2005, Pearl Jam nos brindó dos de los mejores recitales que han tenido lugar en estas tierras, en esas memorables jornadas en las cuales el tiempo pareció detenerse, y lo más importante del mundo fue el rock. Como si esto fuera poco, se debe agregar que este año ha sido un año especial para PJ, ya que se cumplieron dos décadas desde el lanzamiento de “Ten” (1991), ese disco icono que los lanzó a la fama y ciertamente cambió la historia de la música, lo cual ha sido “celebrado” con una serie de reediciones de sus discos, además del lanzamiento del documental “PJ 20” y del single “Olé”.

Por lo tanto, las expectativas de lo que el quinteto de Seattle podía mostrar sobre el escenario eran altísimas. Esto quedó demostrado apenas se abrieron las puertas del Estadio Monumental y la gente comenzó a repletar progresivamente el recinto, dando grandes muestras de entusiasmo y energía contenida. El variopinto público demostraba cuán transversal es la música de PJ, y cómo en estos veinte años han logrado encantar a varias generaciones a punta de himnos, honestidad y acordes inolvidables.

Un poco antes de lo programado, salieron a escena los invitados al evento: el grupo punk californiano ‘X’, quienes mostraron fuerza e ímpetu sobre el escenario, pero que no lograron encantar a un público que estaba quizás demasiado ensimismado en lo que iba a acontecer más tarde. Sin embargo, el momento de gloria lo vivieron cuando invitaron al propio Eddie Vedder al escenario a interpretar la poderosa “Devil Doll”, canción con la cual se ganaron la ovación de todos los presentes. En poco más de 40 minutos, y a pesar de pasar sin pena ni gloria por el Monumental, ‘X’ logró apaciguar los ánimos de la hinchada, y acortar un poco la espera de lo que sería el plato fuerte de la noche.

Un poco antes de las 21:30 ocurrió aquel momento mágico que todos anhelaban: hicieron ingreso en escena, uno a uno, los integrantes de Pearl Jam. El estadio explotó en gritos de euforia, alegría y celebración, que demostraron claramente cuán profundo era el vínculo entre esta agrupación y los presentes. Ahí estaban, frente a todos, aquellos músicos que, en mayor o menor medida, formaban parte de la banda sonora de la vida de cada uno de los asistentes. Eddie Vedder, Stone Gossard, Mike McReady, Jeff Ament y el nunca bien ponderado Boom Gaspar, saludaban, tomaban sus respectivos instrumentos, y se preparaban para brindarnos una inolvidable noche de rock.

El show comenzó con la emotiva “Unthought Known”, canción perteneciente al álbum “Backspacer” (2009), que congenió perfectamente con la carga que se sentía en el ambiente, aquella carga de reencuentro y alegría que fue demostrada por el público desde el primer acorde.

Luego comienza una montaña rusa de rock, furia y guitarras, a partir de la clásica “Why Go”, en la que la banda desata toda su potencia y muestra su lado más animal. En ese momento el estadio se transformaba en una fiesta, rindiéndole los honores respectivos al mencionado “Ten”. El ambiente está más que prendido, pero se siguen desatando las pasiones con “Animal” y “Do The Evolution”, otros clásicos pertenecientes a los discos “Vs.” (1993), y “Yield” (1998), respectivamente. Con estas interpretaciones queda claro que lo que seguirá es una gran noche, y que la máquina aceitada de lo que es Pearl Jam no va a parar hasta que la última alma presente quede rendida a sus pies. Notables de este segmento fueron la guitarra afilada de McReady, la rabia transmitida por Vedder ante el micrófono y la sincronía del público durante el coro eclesiástico de la mencionada “Do The Evolution”.

Bajando un poco los decibeles, se vino el nuevo single “Olé”, lanzado como parte del documental “PJ 20” bajo la forma de descarga gratuita desde la página web respectiva. A pesar de ser una gran canción, en un formato punkie que la banda viene cultivando marcadamente desde el disco “Backspacer”, el público fue apaciguado durante su interpretación, probablemente a lo reciente de su lanzamiento y la poca difusión que ha tenido en nuestro país.

Después vino la clásica “Corduroy”, uno de los temas más queridos de la banda, el cual fue recibido con un marcado entusiasmo por parte de los asistentes. Tanto entusiasmo generó, que una vez finalizado Eddie Vedder tuvo que incitar al público de cancha a dar tres pasos hacia atrás, producto de la gran cantidad de personas ubicadas cerca de las rejas, lo cual tornaba la situación inestable y peligrosa. Para algunos quizás fue una actitud un tanto paternalista, pero viene al caso recordar el trágico incidente de Roskilde, Dinamarca (2000), en cual en medio de un concierto de la banda murieron 11 personas asfixiadas por la presión del público que trataba de acercarse al escenario. Bien por Vedder, y bien por la gente que hizo caso de sus peticiones.

Una vez superado el impasse, el quinteto volvió a la acción con una canción directa al corazón de los presentes: la conmovedora “Small Town”, la cual fue coreada al unísono por todo el estadio, y mostró la capacidad del grupo para manejar intensidades y estados anímicos de grandes masas. A esta le siguieron “Cropduster”, que prolongó la senda de tranquilidad impulsada previamente, y luego “Evenflow”, uno de los clásicos calados del disco “Ten”, con la cual todo el mundo vibró, coreó y seguramente agradeció al Señor (o al ente divino que fuera) por estar ahí, viviendo uno de esos instantes que forman parte del olimpo del rock.

Reafirmando la idea de manejo de emociones por parte de la banda, fueron despachadas “Daughter” – la cual incluyó un jam alusivo a “Another Brick In The Wall” de Pink Floyd, y luego una manifestación de apoyo explícita al movimiento estudiantil de nuestro país – y “Setting Forth”, canción de la autoría de Vedder que forma parte de la banda  sonora de la película “Into The Wild”.

El primer momento realmente emotivo de la velada se vivió con las interpretaciones de “I Got Shit”, “Given To Fly” y “Nothingman”, canciones que significaron una paz momentánea de la multitud, pero que sin lugar a dudas fueron acompañadas en cada acorde y lírica por los presentes, sobre todo la enternecedora “Nothingman”. Poniendo fin al ‘primer tiempo’ del concierto, vino el cover “Public Image” de la banda de punk rock Public Image Ltd., la efectiva “The Fixer”, y otro himno de la banda, “Jeremy”, con la cual quedó demostrado que el engranaje conformado por los músicos y su complicidad en el escenario roza la perfección, y el público, por su parte, vibró y coreó como si hubiese sido el último concierto de su vida.

La pausa generada antes del encore se vivió con tranquilidad; acostumbrados a ver conciertos de Pearl Jam, se tenía la certeza de que volverían por lo menos dos veces más sobre el escenario a calmar a la horda de fanáticos que esperaban más y más canciones. Vedder y compañía saben cómo manejar la tensión, así que salieron en el momento preciso echando mano a una de las sorpresas de la noche: “Just Breathe”, una simple y maravillosa canción perteneciente al disco “Backspacer”, la cual conjuga perfectamente con el sonido folk obtenido por Eddie en el soundtrack de “Into The Wild”.

Siguieron a esta canción la animosa “Down”, track que nunca fue publicado en un disco oficial, pero que en los últimos años ha sido recurrente en sus conciertos, y la enérgica “I

Believe In Miracles”, cover perteneciente a The Ramones, una de las reconocidas inspiraciones de Vedder y los suyos. “World Wide Suicide”, del disco “Pearl Jam” (2006), sacó a relucir nuevamente la faceta más punkie de la agrupación, mientras que “Last Kiss” y la dramática “Black” aportaron una cierta cuota de tranquilidad y descanso para lo que sería el cierre del encore.

El toque final de esta patita lo aportó “Rearviewmirror”, un clásico para todos aquellos que gustan de ese increíble disco llamado “Vs.”, y del cual es sabido que la ejecución en vivo es una suma de fuerza y emoción difícilmente superable. Esto quedó demostrado ayer, en una versión que superó los 7 minutos y que provocó el arrebato del público, el cuál vio – y oyó – cómo Gossard, Ament y McReady generaban una un muralla sonora de la mano de Matt Cameron, finalizando en un éxtasis que indudablemente quedará por siempre marcado en la retina – y en el oído – de los que llenaron el monumental.

La segunda pausa tampoco provocó mayores inquietudes en la fanaticada, se esperaba un ‘tiempo de alargue’ y se desarrollaba con la paz de quien sabe que tal vez se venía lo mejor. Y así fue. Como un golpe directo a la cabeza fue la interpretación de “Once”, parte de la mítica trilogía “Mamasan” (la cual completan “Alive” y “Footsteps”), que puso de manifiesto que el público aún tenía ánimos de seguir con el espectáculo por mucho rato. Un momento de romance y relajo llegó con “Betterman”, que fue sucedida por otra de las inesperadas: “Crazy Mary”, cover de Victoria Williams en la cual los grandes protagonistas fueron el tecladista Boom Gaspar y el guitarrista Mike McReady, los que ejecutaron un solo en conjunto que podría haber sido eterno, ilustrando el complicidad y soltura que cada uno posee en sus instrumentos.

“Alive”, quizás el himno por excelencia, sacó a todos de su calma y revivió a aquellos que ya se sentían satisfechos con el repertorio exhibido, y nuevamente se formó un solo coro en torno a esa pequeña biografía de Vedder, que trata de cómo vivió creyendo tener un padre a un hombre que nunca lo fue. Luego vino otra referencia a ídolos del grupo, “Baba O’Riley”, cover de The Who que le llegó al alma a todos los amantes del rock clásico: ahí estaban pasado y presente, conjugándose en un solo momento. En este punto del concierto, la fiesta ya había sido desatada; Gossard, Ament y McReady parecían estar disfrutando como si fuera su primera presentación en vivo, mientras que Vedder bailaba y gozaba tocando el pandero; el estadio era solo alegría.

Una gran interpretación de “Indifference” sorprendió a los presentes, y calmó los ánimos para el gran final, que se dio con la archi-probada “Yellow Ledbetter”, que provocó el delirio de la multitud, y agotó los últimos cartuchos de energía de los que asistieron al concierto. El notable riff de McReady puso fin a una velada inolvidable, que de seguro pasará directamente a los libros de historia del rock nacional. Eso es lo que querían todos, y eso es lo que tuvieron: una clase de rock.

Por Jorge Barahona
Fotos de T4F Chile

Setlist:

1. Unthought Known
2. Why Go
3. Animal
4. Do the Evolution
5. Olé
6. Corduroy
7. Small Town
8. Cropduster
9. Even Flow
10. Daughter
11. Setting Forth
12. I Got Shit
13. Given to Fly
14. Nothingman
15. Public Image (cover de Public Image Ltd.)
16. The Fixer
17. Jeremy
    ——————————
18. Just Breathe
19. Down
20. I Believe in Miracles (cover de The Ramones)
21. World Wide Suicide
22. Last Kiss (cover de Wayne Cochran)
23. Black
24. Rearviewmirror
    ——————————–
25. Once
26. Better Man
27. Crazy Mary (cover de Victoria Williams)
28. Alive
29. Baba O’Riley (cover de The Who)
30. Indifference
31. Yellow Ledbetter

Un reloj suizo bien calibrado, una maquina bien aceitada, el poder en su precisa ejecución, una leyenda del metal. Eso y más podríamos decir sobre la presentación de Megadeth en el primer día de Maquinaria 2011. Uno de los cuatro grandes del thrash tocó suelo chileno y lo hizo vibrar, con una ejecución que dejó en claro que las tres décadas de carrera han surtido efecto.

Poco después de las 23.30 hrs., un ruido ensordecedor se tomó el Transistor Stage. Con un mar de público que repletó cada metro cuadrado y que luchaba por buenos puestos, comenzó la presentación de la banda del mítico Dave Mustaine. Con su Jackson King V en la mano, el líder de la banda se apoderó de Santiago. Con éxito tras éxito fueron dando golpes de corriente.

El primer golpe lo dieron con “Trust”, que con los baquetazos de Shawn Drover, ya hacía temblar la tierra. El vozarrón intacto de Mustaine sólo hacía pensar “¡qué grandes son!”. El tercer tema fue épico, “Hangar 18” sonaba con toda la teatralidad que permite el track del disco Rust In Peace (1990) Redobles y cambios de ritmo que eran capaces de detener el tiempo, una calibración que sólo una banda del nivel de Megadeth se puede permitir. Las revoluciones bajan un poco para darle paso a “Angry Again”, pero el peso jamás deja de ser protagonista.

Otro momento donde suben todos los decibeles y los cuellos sufren, es en “Whose Life (Is It Anyways?)”, donde la garganta de Mustaine suelta rabia y fuerza, sólo faltaba que saliera fuego. Pero la cosa no termina ahí, “Head Crusher” es aún más intensa y con tanto movimiento del público, encendido por los gloriosos punteos del rubio guitarrista, que se levantan columnas de polvo desde la cancha. Megadeth no podría haber lucido mejor su destreza en el speed metal.

La máquina seguía imparable, no había misericordia con los fans, si querían rockear, ese era el momento. “Public Enemy Nº1” del recién lanzado “TH1RT3EN”, dejaba en claro que el poder de la agrupación no decaía, y las ganas del público tampoco. Seguían con una fuerza bestial los pasos de los thraser.

El momento más alto fue cuando el himno de la banda sonaba a todo volumen, “Symphony of Destruction” partía mientras el público coreaba “Megadeth, Megadeth, aguante, Megadeth”. El tema más popular sonaba a la perfección, tal como todos los tracks de la banda; un episodio que todo fanático esperaba. Como una masa saltaban al ritmo de los estadounidenses.

Pero, para Mustaine, no todo es cabecear, también se da el tiempo de regalonear a sus compañeros de banda. David Ellefson, el hombre encargado de las cuatro cuerdas, pasó su cumpleaños sobre el escenario de Maquinaria, así que Mustaine hizo que todos le cantaran “happy birthday” al bajista senior. Después de ese cariñoso momento, el metal siguió sonando como nunca.

“Peace Sells” -un tema más relajado- es la marca para que la banda se retire por unos segundos. El público se negaba a que ese fuera el final, todos querían más. Y no dejarían de gritar hasta que los dejaran sordos. Y así fue. “Holy Wars…The Punishment Due” fue el gran final. El tema con el que abren el mencionado “Rust in Peace”, se queda como el último que escucharían los metaleros y rockeros congregados en Maquinaria.

Como todos unos caballeros del metal que son, se despidieron de las más de 20 mil poseídas almas que los acompañaron durante el show. Parados frente al escenario, hicieron una reverencia para demostrar que, aunque sean semi dioses, no viven sin la lealtad del respetable.

Por Ignacio Lara
Fotos por Sebastián Rojas y Felipe Ramírez Amigo

Setlist:

1. Trust
2. Wake Up Dead
3. Hangar 18
4. Angry Again
5. A Tout Le Monde
6. Whose Life (Is It Anyways?)
7. Head Crusher
8. Public Enemy Nº1
9. Sweating Bullets
10. Symphony of Destruction
11. Peace Sells
    —————————————–
12. Holy Wars…The Punishment Due

Faith No More cumplió su palabra, interpretando íntegramente su quinto álbum de estudio “King For A Day…Fool For A Lifetime” (quizás para muchos el mejor de toda su carrera) y además sumando la participación de Trey Spruance, quien fue el encargado de las guitarras durante la grabación del disco en 1995. La banda demoró una hora exacta en recorrer los 14 tracks que componen la placa, los cuales fueron tocados en su orden original y sin imperfecciones.

La presentación comenzó de inmediato, sin mediar ningún tipo de introducción, en donde la energía y potencia de “Get Out” encendió instantáneamente el ambiente, haciendo olvidar la baja temperatura del recinto. Cuando empezaron a sonar los primeros acordes de “Ricochet” se incorporó al escenario Roddy Bottum, quien no había entrado con el resto de la banda; la fuerza del inicio ya hacía presagiar que se estaba en presencia de un show que a la postre sería memorable. Posteriormente, llegó el turno de uno de los mayores hits de la banda, “Evidence”, el cual fue presentado por Patton como “una canción muy flaite”, y que fue interpretado en Español/Inglés, causando el delirio de cada uno de los fans que la corearon de principio a fin. Bottum vuelve a desaparecer del escenario y al público que ya salta con la rápida y pegajosa “The Gentle Art Of Making Enemies” parece no importarle. Para lograr el estilo propio del soul/jazz de “Star A.D.”, se incorporan cuatro músicos, que son bautizados por Patton como “trompetas calientes”, la misión se cumple a la perfección y el sonido resulta tan nítido como en el disco. Durante la ejecución de “Cuckoo For Caca” los gritos desgarradores de Patton se apoderan del Club Hípico, sin duda su marca registrada, cuya técnica maneja a la perfección. La calma llega de la mano del bossa nova de “Caralho Voador”, quizás el momento más relajado en lo que va transcurrido del show. Sin embargo, la tranquilidad no dura mucho, y comienzan a sonar los crudos sonidos de “Ugly In The Morning” y “Digging The Grave” (otro de los singles del disco).

Para la interpretación de “Take This Bottle”, Trey Spruance se toma un receso, siendo objeto de burlas por parte de sus compañeros, quienes indican que se encuentra cansado debido a su edad, su lugar es ocupado por Jon Hudson, quien tampoco se escapa de las burlas, al ser tratado por Patton como “viejo pelao”. El ambiente se llena de romanticismo con la melodía de una de las principales baladas que tiene la banda en su repertorio. Entre canción y canción, Patton hace alarde de las nuevas palabras en español que ha aprendido, tales como: “cachai”, “la raja”, “bakán” e inclusive dándose la maña de decirle al público que no le pidan canciones de Myriam Hernández (sin duda, un guiño al episodio acontecido en el Festival de Viña del Mar de 1991). “King For A Day” transcurre sin mayores sobresaltos, aunque se evidencia una leve baja en las revoluciones del show. La energía vuelve a subir abruptamente con la batería de Bordin, y las guitarras de Spruance y Hudson, que ahora suenan en conjunto durante la interpretación de “What a Day”. Para cuando suena el penúltimo track, “The Last To Know”, ya se puede percibir en el ambiente que queda poco para que se termine el recorrido a través de uno de los discos más emblemáticos de la década del ‘90. Toma la palabra Roddy para anunciar lo que ya todos saben, la ejecución de la última canción de la placa: “Just A Man”, la banda es acompañada por un coro de 20 personas vestidas con túnicas de colores que hicieron aún más majestuosa la puesta en escena. El grupo agradece a su público y desaparece tras los amplificadores. Algunos fans empiezan a retirarse a las zonas de servicios y al Transistor Stage, sin imaginarse que aun quedan sorpresas.

Al cabo de unos minutos de espera, Faith No More vuelve a salir al escenario, con una bandera chilena de apoyo al movimiento estudiantil, con el texto “educación”. Trey Spruance no vuelve y la guitarra queda a cargo de Hudson. Tal como había acontecido el pasado 8 de noviembre en el Estadio Malvinas Argentinas de Buenos Aires, la banda vuelve a interpretar una canción que aún no ha sido posible identificar y que podría corresponder a un tema inédito. Roddy Bottum dedica el tema a Felipe Herrera, fallecido miembro de la banda tributo, Please No More.

El show prosigue con las interpretaciones de “Caffeine” (Angel Dust, 1992) y “Ashes To Ashes” (Album Of The Year, 1997) Para el cierre vuelve al escenario Spruance, y Patton lo incita a hablar en español. Billy Gould pregunta si ellos “hablan como mexicanos” y Patton comenta que cuando va a México le dicen que “habla como chileno”, causando las risas de todo el público. La última canción en sonar es “Absolute Zero”, que corresponde a uno de los temas que fue grabado como Lado B del “King For A Day…”. La guinda de la torta para una presentación que prácticamente no tuvo puntos bajos y de una calidad pocas veces vista en nuestras tierras.

El grupo se vuelve a retirar del escenario, pero en esta ocasión no volverían. Mientras los roadies (también vestidos de blanco) desmontan los instrumentos, comienzan a sonar los fuegos artificiales que dan la despedida a una de las bandas más queridas en Chile. Más que sentir nostalgia por el adiós, es mejor quedarse con las palabras de Patton: “La verdad es que cada año estamos acá”. Ojalá podamos tenerlos pronto de vuelta y quien sabe, quizás con un nuevo álbum bajo el brazo.

Por Gustavo Inzunza Rojas
Fotos por Praxila Larenas y Felipe Ramírez Amigo

Setlist:

1. Get Out
2. Ricochet
3. Evidence (Spanish/English)
4. The Gentle Art of Making Enemies
5. Star A.D.
6. Cuckoo for Caca
7. Caralho Voador
8. Ugly In The Morning
9. Digging the Grave
10. Take This Bottle
11. King For a Day
12. What a Day
13. The Last to Know
14. Just a Man
    ———————————
15. (Sin título)
16. Caffeine
17. Ashes to Ashes
18. Absolute Zero

Con un intento de pasar por Sudamérica el ’99 con una presentación en Brasil, y la posterior muerte de Layne Staley, toda esperanza pareció ser sepultada. Pero en un movimiento que pocos entienden aún, Jerry Cantrell volvió a levantar a Alice In Chains y lograr pasar del Negro al Azul, tal como ellos definen su última placa (“Black Gives Way To Blue”).

Cuando se supo de su regreso, las dudas se alzaron y, al parecer, fueron calmadas con el lanzamiento de un disco de muy buena factura y que es bastante superior a su placa anterior (“Alice In Chains”), pero después de lo visto en el escenario de Maquinaria, no sólo es calma, sino que sinceramente Alice In Chains está vivo.

En la tónica de la puntualidad, los de Seattle subieron al escenario a eso de las 19:04. A lo largo del día el publico fue creciendo en Maquinaria, pero sin lugar a dudas uno de los momentos de mayor afluencia fue Alice In Chains. Con el Claro Sony Ericsson Stage repleto, la entrada de William DuVall, Mike Inez, Sean Kinney y Jerry Cantrell fue más que vitoreada. Sólo bastó un “Hola” y de la nada se vino una avalancha con la forma de “Them Bones”.

No cabía duda alguna, era Alice in Chains a quien estábamos viendo, y William DuVall hacía alarde de su excelente voz, que lograba los intrincados tonos que grabó Layne y que no sólo se agotaron en la intensidad de “Them Bones”, sino que continuaron con otro de los temas del excelente “Dirt”: “Dam That River”. La audiencia estaba enfervorecida y se movía y saltaba y cantaba los temas con fuerza. La sensación general era de no poder creer lo que se tenía en frente, a lo que se sumó la aparición tras bambalinas de un Phil Anselmo que disfrutaba del show. Este paso por el “Dirt” se completó con la emotiva “Rain When I Die”, que a estas alturas es una sentida remembranza a su caído compañero.

“Again” fue la única canción de su placa homónima, pero fue coreada por todos los presentes con intensidad. El público lo estaba pasando bien, no sólo era una avalancha sino que había un aire festivo, como si todos estuvieran danzando.

“Check My Brain” fue otro de los temas que logró movilizar a todo los presentes, y por primera vez se puede vislumbrar un poco del trabajo original de William en las voces. No hay dudas de su capacidad y buena voz, pero no tiene ese carácter más enigmático y dolido que había en la voz de Staley, lo que es algo bueno, pues también lo hace ser más que un reemplazante. DuVall tiene un manejo de la voz mucho más jovial, con muchas tonalidades, con gran administración de los matices.

Pero no todo fue canciones de sus álbumes más recientes o de “Dirt”, “Facelift” se hizo presente con temas como “I’t Aint Like That”. Es en estos temas cuando las amistades más metaleras de los chicos de Alice In Chains se comprenden.

“Your Decision” era una pausa necesaria, en donde pudimos deleitarnos de la melódica voz de Cantrell junto a su guitarra. El elemento acústico continuó con “Got Me Wrong”, en donde el juego de voces de Cantrell y DuVall fue más evidente y nos hace entender porqué es este uno de los elementos principales de la factura de AIC.

“We Die Young” y luego “Last Of My Kind” nos hicieron volver a la intensidad de las canciones más agresivas del catálogo de la agrupación, donde DuVall hace de las suyas alrededor del escenario, destacando su soltura ya con una banda que lo ha hecho propio.

“Down In A Hole” fue uno de los puntos altos (dentro de varios) de esta presentación. Y es que esta es una de las canciones más características de la banda; un coro que fue llevado principalmente por la audiencia y que seguramente debió dejar una de las mejores impresiones en la banda respecto a la fanaticada que hay en Chile.

Aquí tomo una licencia para poder acotar sobre un tema que caló profundo, y que sin lugar a dudas, tocó a mas de uno: “Nutshell”. Y es que si uno se puede relacionar con muchos temas de Alice In Chains, no hay alguno que haya sido tan masivo como este gracias a su aparición en el reconocido “Unplugged”, ya que la interpretación fue magistral y profunda. Hubo una emotividad que llegó a otras dimensiones y que produjeron escalofríos. De hecho, era impactante ver una especie de absorción masiva en relación a esta composición. Un punto anecdótico fue la vista de una chica que lloraba mientras lo escuchaba y que, a pesar de todo, parecía sumamente correcto en aquel momento.

Con la suavidad del cierre de “Nutshell”, y como en una montaña rusa, volvimos a subir un poco la intensidad con “Acid Bubble”, de su última placa y que serviría de puente para otro de los grandes clásicos de la banda: “Angry Chair”. Y es desde este punto, ya con un concierto que parecía haber pasado en sólo algunos minutos (pero ya con una hora de extensión), se dio una seguidilla de éxitos tras éxitos, partiendo con “Man In A Box”, con la cual todos saltaron y cantaron a mas no poder.

Una de las últimas sorpresas vendría con “Rooster”, en donde un Duff McKagan (a estas alturas un casero de todos los escenarios) subió para acompañar en guitarra esta impresionante canción y dar paso a la inconfundible “No Excuses”.

El cierre fue dado con broche de oro: “Would”, y si bien el publico había cantado cuanto sus gargantas permitían, todos hicieron un último esfuerzo entonando el cierre de una de las presentaciones más memorables del año.

Sin lugar a dudas la ausencia de Layne es evidente, y siempre se sentirá, pero Alice In Chains se para orgulloso, con un nuevo miembro que viene a dar aires renovados y con una energía que parece nunca haber desaparecido.

Por Mauricio Schwarze
Fotos por Sebastián Rojas y Praxila Larenas

Setlist:

1. Them Bones
2. Dam That River
3. Rain When I Die
4. Again
5. Check My Brain
6. It Ain’t Like That
7. Your Decision
8. Got Me Wrong
9. We Die Young
10. Last Of My Kind
11. Down In A Hole
12. Nutshell
13. Acid Bubble
14. Angry Chair
15. Man In The Box
16. Rooster
17. No Excuses
18. Would?

Los norteamericanos, fueron precedidos en su presentación por el sorprendente Alain Johannes. Músico que dada su performance austera y solitaria, dejó gran parte del escenario en total vacío. Cosa que la organización o incluso el mismo crew de la banda podría haber aprovechado, para al menos dejar algo del backline de la agrupación instalada, y así haber logrado de forma más efectiva una buena prueba de sonido. Porque a pesar de comenzar la cita con “Bad Vibrations”, canción que abre el último disco de The Black Angels, Phosphene Dream (Blue Horizon, 2010), desde un comienzo los problemas técnicos fueron un hecho evidente, llegando, por cierto, a escucharse desde el público peticiones especiales sobre el sonido. Y aunque nunca mejoró ciento por ciento, algo evolucionó mientras avanzaba la presentación, con aquel rock psicodélico incombustible de “Entrance Song” y “Haunting At 1300 McKinley”. Y entre canción y canción, Kyle Hunt, Nate Ryan y el líder y vocalista, Alex Maas, se fueron intercambiando bajos, guitarras y sintetizadores a cada momento, sólo dejando estable a Stephanie Bailey en batería y Christian Bland en la guitarra principal.

Maas, sin ser un frontman de esos epilépticos y que buscan hacer de su presentación algo dramático, es un tipo que conoce bien su trabajo. Su marca registrada es ese look desenfadado de barba prominente y esa boina que completa ese look algo trashy que maneja. Se mantiene al límite con las características de su registro vocal de blues y rock and roll, y mantiene aquel sonido algo lo fi que lo ha caracterizado en la discografía de su agrupación. Y no tiene miedo ni apuro para pasearse entre los instrumentos que requiera al momento, ya sea en los sintetizadores, la guitarra, el bajo, o percusiones menores como las maracas y el pandero.

Uno de los momentos más altos de la entrega (aunque aún con poca prolijidad del sonido), llega con  “Better Off Alone”, de su disco debut “Passover” (Light in the Attic, 2006), que da  paso al momento más bailable de la tarde, “Telephone”, con esos sonidos que exudan a década de los 60’s.

A esa altura, los fans y curiosos que llegaron al Lenovo Stage, ya estaban más encendidos gracias a los alaridos de Bland y Maas, y por momentos en backstage se visualizaba algo así como un concilio sicodélico, ya que se paseaban de un lado a otro gente de The Ganjas y de Black Rebel Motorcycle Club.

En el segundo tercio del setlist completo que ejecutaron sobre el escenario, The Black Angels dio mayor protagonismo al sonido de “Passover”, y recordando algo de su segundo disco, “Directions To See A Ghost” (Light in the Attic, 2008), con “You On the Run”, que deja entrever los momentos más pegados de esta neo-sicodelia no tan entendida por el público noventero que llegó a Maquinaria.

Y el invitado especial de la tarde, el sol a contraluz, no daba tregua y seguía avanzando y tomando posesión del horizonte, y del trance que iba generando la anti fiesta que a momentos se vivía. Trance que llegó definitivamente con “Yellow Elevator #2” y en el que era imposible evitar un inapelable recuerdo a “Revolver” de The Beatles, gracias a las guitarras y la armonía de las voces de Maas y Hunt.

Ya acercándose el final, dejaron los momentos más hipnóticos con “Black Grease” y “Phosphene Dream”, para terminar todo con “Bloodhounds On My Trail” y con un Alex Maas despidiéndose de forma tímida, y bajando para reunirse con los integrantes de Black Rebel Motorcycle Club.

Fue un show con altos y bajos. Dejaremos en esta ocasión los bajos al sonido y a la organización. Los altos, hay que dárselos a The  Black Angels, que sin ser la mejor de las bandas de la neo-sicodelia, son músicos  afiatados, guitarras ensordecedoras y un orden casi natural del setlist, que lleva desde una sensación de movimiento a momentos estáticos. Sería bastante bueno volver a verlos, pero esta vez solos; quizás en un boliche más lúgubre o con, al menos, el sol a nuestras espaldas.

Por Pamela Cortés
Fotos por Sebastián Rojas

Setlist:

1. Bad Vibrations.
2. Entrance Song.
3. Haunting At 1300 McKinley.
4. The Sniper.
5. Better Off Alone.
6. Telephone.
7. Young Men Dead.
8. You On The Run.
9. Yellow Elevator #2.
10. Black Grease.
11. Phophene Dream.
12. Bloodhounds On My Trail.

La agrupación es obra de las manos de Anselmo y Pepper Keenan (de Corrosion of Conformity), que juntos a Kirk Windstein (Crowbar) y Jimmy Bower (Eyehategod) levantan esta cooperativa que lleva 3 álbumes a su haber y una placa en vivo.

La aparición de Down en suelo chileno, comenzó con algunos arreglos previos a los amplificadores, donde Pepper y Jimmy salieron a probar guitarras y batería. Luego de este juego previo, a las 17:30, vemos por primera vez a Anselmo y compañía en el escenario. Podemos distinguir a Kirk Windstein, pero falta un Rex Brown, quien para esta gira fue reemplazado por Pat Bruders (Eyehategod) por situaciones que el ex Pantera debía atender.

La mera presencia de Anselmo hace que el público explote en alegría y aprovechando la energía que se genera, sin esperar mucho más, Down parte sus motores y se larga a toda potencia con el primer tema de la tarde “Hail The Leaf”. La presencia escénica de los cinco es destacable, pero sin lugar a dudas es Anselmo el que hace de las suyas, no sólo con saltos y gritos, sino que golpeándose la frente con el micrófono hasta que esta comienza a sangrar. Es en ese punto cuando comprendes lo que realmente tenemos frente a nosotros.

“Lysergic Funeral Procession” sigue con la misma intensidad, y entonces sabes que esto no va a bajar nunca. La voz de Anselmo está intachable y la frenética interpretación de Keenan y Bower complementan esta.

En un momento de pausa Anselmo se dirige al público, y en un acto que de seguro a más de uno caló profundo, iza una guitarra Dean con la bandera confederada, dedicando la siguiente canción a la memoria de su “hermano”, Dimebag Darrell. Ese puro gesto enfervorizó a todos los que cabecearon a lo largo del tema “Lifer”, la cual vendría a ser solo una de varias dedicaciones que vendrían a ocurrir.

“Pillars Of Eternity” fue otra de estas dedicaciones, que ahora fue a sus amigos de Loaded, y en especial a un Duff McKagan que, como dijo Anselmo “Si bien ustedes pueden creer que es un travesti… es un muy buen tipo”. A continuación “The Path” es presentado como un tema para los headbangers y que es un tema que se debe cabecear con fuerza, pero no parece que los chicos de Down nos den mucha posibilidad para hacer algo más. Con “Losing All”, uno de los pocos temas más conocidos de la banda, el público puede corear con más confianza. Requirió algunos empujones de parte de Anselmo, pero finalmente se pudo escuchar cómo gran parte de los presentes entonó alto las voces. Es desde aquí donde se da paso a otro de los momentos memorables de la tarde: el coro de “Walk” (Pantera) donde, con la compañía de Bower y Keenan, se entonó tal como si fueran los desaparecidos texanos sobre el escenario.

“Ghost Along The Missisippi” fue la dedicación que los chicos de Down hicieron a sus compañeros de Alice In Chains. Con riffs que a momentos hacían recordar el metal de Pantera en un tema que, sin ser menos intenso que el resto, tenía una cualidad mucho más matizada que sus otras composiciones. Por otra parte “Underneath Everything”, tema dedicado a los chicos de Faith No More, fue un puñetazo en el rostro con una intensidad altísima.

“Swamp of Souls” fue presentada como un tributo a Black Sabbath y todas las bandas que le deben algo a ellos. A estas alturas es indudable cómo el sonido de Down está influenciado por la oscura psicodelia y los riffs duros de Black Sabbath. Y es que Down tiene también un tema con los escenarios áridos, por una parte, y los pantanos, imaginería que en general se asocia a ese sonido duro y pesado que los hacen ser tildados, por momentos, de stoner metal. Y es que hay algo de Texas, hay algo que ya vimos del Missisippi y no es extraño que algunos temas estén dedicados a ciudades del West-Side estadounidense como “New Orleans Is A Dying Whore”.

La pregunta es clara: ¿alguien conoce el primer tema de Down de su disco “NOLA”? Pocos (muy pocos) sabían la respuesta. Y este fue el pase para que tocaran “Temptation Wings”, pero Anselmo no estuvo corto de pretextos para hacer la presentación de cada uno de sus temas, haciendo nuevamente referencias, ahora, al sur de los Estados Unidos (y al sur como concepto general) con “Eyes of The South”.

Down hace los reparos de comenzar a cerrar el show, yendo a un costado del escenario y agradeciendo el recibimiento, pero Phil dice “Tenemos tiempo para una más” y durante un rato, donde nuevamente vuelve a entonar Walk, esta vez completamente acapella, vuelven a tocar “Stone The Crow”.

El cierre fue simplemente magistral, difícil de explicar incluso. “Bury Me In Smoke” fue el tema de cierre, pero lo impresionante fue que, luego de tanta intensidad y potencia, Duff McKagan y Mike Bordin suben al escenario, y toman los puestos de Windstein y Bower, respectivamente.

Down fue una hora y media de pura intensidad, de sonidos agresivos y rítmicas potentes. Su sonido es claramente reminiscente de las bandas de las cuales formaron parte anteriormente sus miembros. Un sonido que no sólo tiene de metal, tiene de sonidos del desierto y del pantano; una interpretación genial y un carisma que varias bandas desearían. Un muy buen reencuentro con una figura que también resulta sumamente significativa para el colectivo metalero como lo es Anselmo que, agradecido (regalándonos también una pequeña acapella de “Stairway To Heaven”), dejo el escenario con una actuación que quedará grabada en la retina de muchos.

Por Mauricio Schwarze
Fotos por Sebastián Rojas

Setlist:

1. Hail the Leaf
2. Lysergik Funeral Procession
3. Lifer
4. Pillars of Eternity
5. The Path
6. Losing All
7. Ghosts Along the Mississippi
8. Underneath Everything
9. Swan Song
10. New Orleans is a Dying Whore
11. Temptation’s Wings
12. Eyes of the South
13. Stone the Crow
14. Bury Me in Smoke (con Duff McKagan y Mike Bordin)

La “Cigarbox Guitar” comienza a sonar y “Endless Eyes” irrumpe con su rasgueo inquieto y con la voz bien puesta para comenzar a juntar gente, que en un comienzo podríamos cifrar en 500 personas, pero que ya a la mitad del show fácilmente alcanzaban las 3 mil. El audio es bajo, y además hay un pequeño ruido de vibración saturada en la amplificación. Estos dos problemas se repetirían varias veces. De hecho, el sonido recién logró un buen volumen hacia el quinto tema.

La segunda canción en sonar fue “Return To You”, con la vibra playera y el gran coro lleno de añoranza y esperanza. Ya aquí notamos la tremenda calidad interpretativa de Johannes y que sólo le basta su cajetilla sonora para lograr cautivar a la audiencia, lo que es muy complicado para aquel formato de presentación.

“Speechless” destaca, además de por el misterio recurrente de esta composición, por los cambios vocales que dan cuenta del gran registro que domina Alain. Esto se repite en la canción hecha por Johannes para The Desert Sessions, “Making A Cross” donde el artista logra tonos altos casi sin la necesidad de utilizar el falsete. Notable.

Pero el tipo sabe que no es el más conocido en su tierra de origen y por eso va presentando las canciones, les da contexto y, de paso, se comunica con el público en su español casi perfecto. Para “Fall to grace” el sonido se arregló, al menos en el volumen. No obstante, siguieron los problemas con esa vibración extraña en la amplificación. Luego vendría la colaboración de Felo Foncea (conocido por su trabajo con Dracma y De Kiruza) para una gran versión de “Bleeding Whole” donde la armonía de sus voces es realmente de alto vuelo. Pese a que había sol, la iluminación trabajaba y Alain cambiaba de color de piel dependiendo de este elemento un tanto inentendible por la hora y el contexto, pero simpático al fin y al cabo.

Las chispas de luz seguirían iluminando a Johannes para la imperturbable nostalgia de “Spider”, uno de los momentos más altos en la percepción del público. La conexión con los asistentes seguiría manifestándose en la hermosa “Unfinished Plan”. Un par de personas del público pedían a rabiar una canción de Eleven y Alain los calmaba diciendo que “venía más adelante”. Aunque habría que esperar. Antes siguió presentando tracks de su disco “Spark” (Ipecac) como la galopante “Gentle Ghosts” y su intrigante frase “just in the edge of this life / Gentle ghosts”, donde la difusa línea entre abandono y permanencia se nota en la interpretación de Johannes. De hecho, su flamenca interpretación la hace un gran momento en de la presentación, al igual que “Make God Jealous” y la contemplativa mirada del público hacia una composición impecable.

Coincidentemente, la canción once del setlist es la prometida muestra de Eleven, y es nada menos que la gran “Why” que, aunque carece de la rabia interpretativa de esta fenecida agrupación, pone a Johannes en un momento interpretativo diferente. No son las bellas y bien tocadas canciones de “Spark”, sino que una versión de canciones hechas con más ira y dudas que con la esperanza oscura que Johannes ha comenzado su camino solista.

Por esto mismo, no es de extrañar que, tras el gran momento de “Why”, Alain decida cerrar su show de 47 minutos de duración con su composición para Queens of the Stone Age, “Hangin’ Tree”, que en su versión suena aún más urgente que en la marcha infernal que Josh Homme y los suyos graficaron en “Songs For The Deaf” (2002). A diferencia del show del año pasado en Rock & Guitarras, esta vez Johannes no le cambia el tono a la canción, sino que la mantiene en la de la grabación original, pese a que de todas formas logra dejar en claro que solito se la puede.

Un gran final de jornada, para un gran artista que ha sabido hacer de la experiencia su mejor aliada, porque el camino de Alain ha sido largo, lleno de participaciones, codeándose con la crema y nata del rock anglo, pero por fin nos deja en claro por sí mismo, con él en el foco de atención, la belleza de las cosas simples, pero también que una guitarra, por muy acústica que sea, siempre podrá rockear como se debe.

Por Manuel Toledo-Campos
Fotos por Sebastián Rojas

Setlist:

1. Endless Eyes
2. Return To You
3. Speechless
4. Making A Cross (cover de The Desert Sessions)
5. Fall To Grace
6. The Bleeding Whole
7. Spider
8. Unfinished Plan
9. Gentle Ghosts
10. Make God Jealous
11. Why (cover de Eleven)
12. Hangin’ Tree (cover de Queens Of The Stone Age)

Ya a horas que comenzara esta nueva edición, Maquinaria se presentaba como el festival más noventero que podría desarrollarse en 2011, cosa que para muchos es un sueño hecho realidad ya que, hace quince años, era impensado contar con la mayoría de las bandas que nos visitaban en esta oportunidad.

La fiesta comenzó en las afueras del Club Hípico desde temprano, con hordas de jóvenes –y no tan jóvenes– apostados en largas filas esperando que abrieran las puertas. Y a eso de las 13:35, la entrada principal fue abierta para los asistentes.

Pasadas las 14 horas, todos los que iban llegando, se encontraron de frente con el Lenovo Stage y su número de apertura, The Ganjas, que a esta altura son infaltables para este tipo de eventos. La banda de Sam Maquieira y Rafael “Pape” Astaburuaga tocó aproximadamente 40 minutos. Mientras que en el Claro Stage empezaba a armar el show Pepper que, por ser los primeros de la lista, siempre sufren de poca audiencia.

Cuando en el Transistor Stage se asomaba Duff McKagan’s Loaded, algunos fans se lograron entusiasmar ante un show que, siendo realistas, no estaba a la altura de lo esperado. Mucha guitarra ruidosa y gritos estruendosos que jamás lograron sinergia entre sí. Sin embargo, la agrupación del incombustible ex bajista de Guns N’ Roses, echó mano a clásicos de su antigua agrupación, como “So Fine” o “It’s So Easy”, y logró equilibrar la presentación.

A las cuatro de la tarde con exactitud, subieron al escenario Black Rebel Motorcycle Club. Una de las bandas menos comprendidas por la audiencia, ya que estamos hablando de una asistencia algo homogénea, donde bandas como esta, parecen muy antagonistas a la cita, pero con una propuesta en sonido que los tiene de puntal dentro de su segmento musical. Fue un show potente, asertivo y muy bien logrado, casi sin baches de sonido, donde Peter Hayes, Robert Levon Been y Leah Shapiro repasaron algunos de sus mejores singles. El problema vino cuando se despidieron treinta minutos antes de lo programado, quedando sus más fanáticos seguidores con caras que llegaban al suelo.

Luego vendría el turno de la potencia de Down en el Transistor Stage, con Phil Anselmo demostrando su potencia en escena, uno de los bravos de la cita. El carisma del ex Pantera demostró con creces porqué es uno de los frontman más queridos por la audiencia metalera chilena, sin embargo, el viento y notorios problemas de sonido, estuvieron a punto de mermar esta esperada presentación.

El Lenovo Stage, a medida que avanzaba la tarde, se convertía en un universo paralelo ante los escenarios llenos de ritmos más acelerados. La delicadeza de Alain Johannes, la neo-sicodelia de The Black Angels, y la fiesta electrónica con The Magician, abrían dimensiones, para muchos, desconocidas.

A las 19.30 horas se comenzaba a vivir algo épico, nunca antes vivido en tierras chilenas, y es que en una misma noche artistas de la talla de Alice In Chains, Chris Cornell, Faith No More y Megadeth estaban a segundos de presentarse en escenarios nacionales. Claro que algunos con una década y media de retraso, pero la verdad, a nadie le importaba ese detalle.

Aunque muchos tenían el temor de que ciertas bandas tardías no estuvieran a la altura de la contemporaneidad, Alice in Chains mostró una calidad impactante en su presentación. Con un sonido avasallador, un puesta en escena sobria y músicos de excelencia como Jerry Cantrell -absoluto líder de la agrupación-, Sean Kinney, Mike Inez y el carisma de William DuVall que demostró ser más que un registro parecido al de Laney Staley. Ciertamente uno de los grandes momentos de la tarde-noche.

Luego, todos correrían en masa a ver una vez más al más brillante de Soundgarden, Chris Cornell. Con un show acústico, donde hizo gala de su mejor repertorio y de su absoluta calidad vocal, atreviéndose a regalar al público covers como “A Day in The Life” de The Beatles. Un show siempre respetado, pero que se convirtió en una suerte de laguna entre los show de potencia de Alice In Chains y Faith No More.

Mientras tanto en el Lenovo Stage la fiesta seguía con Bag Raiders y Matías Aguayo, encargado de cerrar la primera noche de fiesta en ese escenario.

Llegaría así el momento para una de las bandas con más conexión con el público chileno, Faith No More. La reunida agrupación de Mike Patton, subió casi con media hora de retraso, a presentar por completo su disco “King For a Day, Fool For A Lifetime”. Con un sonido cercano a la perfección, pero que podría haber sido un poco mayor en cuanto a potencia, Patton y sus boys mostraron por enésima vez su destreza y feeling con el público. Nota aparte Billy Gould, siempre un grande con las cuatro cuerdas. Las sorpresas prometidas por meses llegaron de la mano de las trompetas en “Star A.D.”, tocada por primera vez en vivo, y para el gran finale contaron con un coro gospel chileno en “Just A Man”, ciertamente el mejor cierre pensado. Y aún así, el público recibió con cierta sorpresa el bis, regalado en agradecimiento por los miles que a esa hora sufrían de una cuasi hipotermia, en medio de una helada noche santiaguina.

El cierre absoluto, vendría con la banda más ruda de la noche, Megadeth, sólida agrupación en vivo y que siempre muestra sobre el escenario su experiencia de 25 años. Músicos de primera línea, partiendo por el virtuosismo de Dave Mustaine en la guitarra y voz, que recuerda aquello que alguna vez dijo James Hetfield de Metallica, reconociendo el peor error de su vida al echarlo de la banda, aunque también puede ser sólo un rumor. La pulcritud de los solos de Chris Broderick, y las sólidas y complejas bases de David Ellefson y Shawn Drover complementan este virtuosismo. La batería de canciones fueron principalmente sus grandes éxitos, acompañados de su trabajo más reciente, “TH1RT3EN”. Pero fue “A Tout Le Monde” una de las más aplaudidas de la  presentación.

Ciertamente, la primera jornada de Maquinaria Festival 2011 estuvo a la altura en términos musicales. Pasearse en sólo una jornada por la electrónica, el grunge, el rock and roll sicodélico, o la calma del folk pop. Superando la expectativa de varios que pensaban que sólo irían a ver chascones de poleras rudas, pero que daba cabida a más estilos, y por supuesto dándole la oportunidad a chicos fans de Megadeth presenciar la nobleza de las cuerdas electro acústicas de Johannes, por ejemplo.

En cuanto a la organización, quedaron cosas pendientes; el Redbanc que nunca existió, la escasez de agua, la Intendencia Metropolitana poniéndole candados a última hora a la venta de alcohol en el sector general y Carabineros cerrando el sector VIP aduciendo a que era una decisión por parte de la producción, cosa que finalmente era mentira y fue una determinación propia. No obstante, aunque todos sepan que están en medio de un festival de rock, con todos los inconvenientes que pueda conllevar, es necesario que la organización del festival sea absolutamente eficiente en las fallas evidentes, que no se pueden pasar por alto.

Pero si de resumir se trata, preferimos que la música prevalezca ante todo, porque habían ganas de más, y aun quedaba un día entero para saciar las ansias de rock.

CONTINUARÁ…

Por Pamela Cortés
Fotos por Felipe Ramírez Amigo

Lo de Kyuss Lives! en el Stoner Fest, fue diametralmente opuesto a la presentación de los hermanos Hanson. Un Teatro Teletón acondicionado desérticamente para la ocasión por la alta temperatura, iluminación cálida y las pocas posibilidades de conseguir una cerveza. Sólo faltaba la típica planta rodadora del desierto moviéndose entre la gente, pero estaban todas en un show de Ricardo Meruane. Ya generado el ambiente ideal, precalentado por las sólidas presentaciones de los referentes del stoner nacional, Hielo Negro y Yajaira, Kyuss Lives! subía al escenario a las 21:45, para pagar esa larga deuda con sus fanáticos chilenos, quienes por fin pudieron sentir como sus oídos perdían la virginidad en manos de expertos veteranos del rock desértico (una extraña imagen mental, considerando la pinta de camioneros rudos que caracteriza a John García, Nick Oliveri, Brant Bjork y Bruno Fevery) El público –experto y devoto- a lo bonzo ovacionaba a los californianos, quienes daban el vamos con “Gardenia” del álbum “Welcome to Sky Valley”, (1994), comenzando un épico viaje de hora y media entre grandes éxitos, cabelleras sacudiéndose, encendedores que lograron burlar la seguridad del recinto para cumplir su objetivo, sudor y ojos rojos. La fuerza de “Hurricane” (“…And the Circus Leaves Town”, 1995) se deja caer en segundo lugar, confirmando lo que se veía venir. Nick Oliveri le daba al bajo como si- también- tuviera problemas de violencia doméstica con él, y García –o el tipo que se lo comió- justificaba los kilos y las cazuelas de más, con un vozarrón tan bien conservado, que ni los puchos que se fumó en el escenario lo hicieron flaquear. La otra mitad de Kyuss también hacía lo suyo, con un Brant Bjork iluminado desarmando la batería a golpes y Fevery en la guitarra, dándole techo a los fans damnificados por la salida del extrañamente pelirrojo o posiblemente rubio, Josh Homme, fundador de Queens of the Stone Age y Them Crooked Vultures.

La aguja del indicador de calidad de show seguía subiendo con tracks como “One Inch Man”, “Thumb”, “Freedom Run” y “Asteroid”, para luego llegar a marcar índices máximos con la romanticona-sensual “Supa Scoopa and Mighty Scoop”, “Conan Troutman” y la épica “Odissey”, con sus dulces letras que invitan a viajar a lugares tan apacibles como montañas en llamas y el vientre de la Bestia. Luego, el mismo indicador de calidad del show,  simplemente reventó a causa del track “El Rodeo”, con el tándem de García en la voz y Oliveri en los gritos complementados con sus gestos de paciente de institución mental que gusta de quemar cosas. Luego, “100º” (“Welcome to Sky Valley”) cerró el primer módulo del show desatando la euforia, los aplausos y los gritos de apoyo, como “¡Grande Kyuss!”, acompañado de saludos a las madres de los integrantes de la banda.

Luego la banda se tomó un break en el camarín, seguramente para una breve partida de bridge, tejer a crochet o revisar nuevas solicitudes de amistad en Facebook, tal como acostumbran todas las bandas stoner, y salieron a darlo todo con los tracks “Molten Universe”, “Spaceship Landing”, “Allen’s Wrench”, para cerrar con toda la energía anti-sistémica y las ganas de destruirlo todo de “Green Machine”, un temazo que de seguro cabecearán los hijos de los hijos de toda la asistencia al show.

Kyuss Lives! demolió años de espera, oídos y parte de la infraestructura del teatro en 90 minutos, en un show sincero, potente y real, adoptando la filosofía “we are Motörhead and we play rock and roll”, sin dejar mucho espacio para conversar con la audiencia, decir cuánto los quieren o que es el mejor show que han tocado en la historia. Aunque de todas formas se sintió como tal. Los que estuvimos ahí podemos dar fe de eso.

Grande Kyuss y saludos a tu mamá.

Por Claudio Hernández
Fotos por Praxila Larenas

Setlist:

1. Gardenia
2. Hurricane
3. One Inch Man
4. Thumb
5. Freedom Run
6. Asteroid
7. Supa Scoopa and Mighty Scoop
8. Conan Troutman
9. Odyssey
10. Whitewater
11. El Rodeo
12. 100°
    ———————————
13. Molten Universe
14. Spaceship Landing
15. Allen’s Wrench
16. Green Machine

Principalmente, la existencia de una cancha consiguió, antes de que la agrupación británica siquiera tocara una nota, tener armada la pista de baile. Y claro, con el correr de los 82 minutos que duró el show, cada vez se fue llenando más.

Todo partió con una media hora de retraso –aunque también La Cúpula se llenó en ese tiempo- y lo hizo con una intro similar a “Voicething” del “Head First” (Mute, 2010), para luego pasar a la tremenda “Crystalline Green”, una canción que le hacía total justicia al glamour del traje brillante y barroco que portaba Allison Goldfrapp. Pero la emoción se haría presente con “You Never Know”, donde el violín que acaricia Will Gregory se nota más que en la versión de estudio, logrando traspasar las barreras sensitivas que invitan a bailar para lograr sentir, y hacer que estas canciones de synth pop consigan tocar alguna vibra profunda.

Un problema que se notó fue que el bajo nunca sonó, o por lo menos no lo suficiente. Pareciera que hay demasiados instrumentos para la influencia que tienen en la performance. Por lo menos, los teclados y las percusiones funcionaban a cabalidad, a tiempo y casi perfectos, pero era el bajo, un instrumento primordial precisamente para la música más bailable, el que falló. Esto no perjudicaría que “Dreaming” sonara todo lo buena que es, aunque sería “Number One” la que soltaría definitivamente al público hacia la música y la pista de baile.

Allison Goldfrapp siempre tuvo al público en el bolsillo, por eso no resulta tan relevante decir cuánto bailó, gesticuló o posó frente al par de ventiladores que la hacían siempre parecer en medio de una sesión de fotos. En cambio, con “Number One” los brazos se alzaron y los pies dejaron de estar en el mismo lugar. La gente por fin entendió que quedarse en los cómodos asientos de la tribuna de La Cúpula no era suficiente para disfrutar a Goldfrapp en pleno.

Con una cancha llena en más de dos tercios, llegó un momento tremendo de la noche: la interpretación de “Rocket”, coreada y bailada por todos. El primer single de “Head First” consigue que la gente se vuelva loca, que el recinto arda y que cada uno le pusiera su cuota de despecho o dedicatorias virtuales al coro “Oh / yo tengo un cohete / Oh / Tú vas en él / Oh / Nunca vas a volver”.

Entonces, cuando un clásico como “Satin Chic” entra en escena, más fácil le resulta a Goldfrapp hacer que el público mueva su cuerpo y mire con admiración cada gesto, cada aleteo de brazos o cada baile asemejando a una marcha que realiza Allison. Menos aún con el himno en el que se ha convertido “Believer”, con casi iguales cuotas de amor y odio. Un bueno ejercicio era ver los rostros de la gente y notar cómo interpretaban también.

Mientras, la banda suena bien, el bajo sigue sin aparecer —pese a que el bajista esté ahí, haciendo lo suyo— y el trabajo de iluminación es verdaderamente de joyería, dándole a Allison siempre el marco de deidad con el que su actuación queda perfecta.

Luego viene la bailable, aunque no tan relevante en el show, “Shiny & Warm”. Aunque es un buen respiro antes de otro clásico, “Train” del disco “Black Cherry” (Mute, 2003) Es este “tren” el que nos pasa por encima; nunca crees que el synth pop tiene tanto poder hasta que su desarrollo de teclados y percusiones lo logra. De hecho, es fácil advertir que hay mucho de rock en la propuesta de Goldfrapp, porque las estructuras de varias canciones, y en especial la forma de tocar los instrumentos en “Train”, hacen que en vivo parezca a ratos un “hardcore pop”.

El público agradece esto; aplaude, grita, corea. Allison luce a ratos desorientada entre las canciones y atina a dar las gracias “en el último show de la gira”. Luego vuelve a su personaje habitual y La Cúpula casi se derrumba con la versión de “Ride a White Horse” que incluso, de tan poderosa, pareciera que fuera la última canción de la velada. Afortunadamente no es así y se viene el delirio de la audiencia, mientras Allison sigue utilizando ese registro que incluso suena mejor que en el disco, para comenzar con la (supuesta) última canción: “Ohh La La”. Si bien suena adecuada, no es tan épica como fue “Ride a White Horse”, pero su fama la precede y la gente de todas formas ya está metida en esta fiesta. De hecho, no hay mucha reacción tras terminar la canción: aplausos, incertidumbre, algunos cánticos de barra para que Goldfrapp vuelva al escenario, pero nada del otro mundo. El grupo vuelve porque quiere hacerlo, y se agradece.

Comienzan el bis con dos canciones, ante las que el público se muestra más contemplativo y con una disposición a disfrutar de la emoción que esto le lega. “Black Cherry” es tierna, el violín emociona, y muchos y muchas aprovechan de acurrucarse. A su vez, “Little Bird” explica el traje de Allison, una verdadera ave que al abrir sus brazos abarca buena parte del escenario con su carisma. También, obvio, es una canción que funciona y en la parte instrumental se nota mayor cantidad de sonidos orgánicos, lo que sirve para darle profundidad a un momento que emotivamente tiene una gran energía.

El baile vuelve con la marcha feliz de “Happiness”, cuyo coro es otro gran momento de comunicación entre la vocalista y la audiencia.

Luego viene un momento inesperado. Una canción que no sonó en todo el periplo por Latinoamérica de Allison, Will y los suyos. “Lovely Head” ni siquiera está en las bases de fondo que utilizan para el concierto, todo es teclados, batería y la voz de Allison —el bajo jamás sonó— y es el momento de mayor agradecimiento por parte de la gente. Entienden que ese momento es único y que valió la pena mirar y admirar.

Para el final, la severidad disco de “Strict Machine” se hace un tremendo cierre de fiesta, y la gente recién entiende que bailó por más de ochenta minutos. La sensualidad synth del coro “I’m love / with a strict machine” es un gran momento para entender por qué Goldfrapp suena como suena.

No es cuestión de una banda o de una vocalista, sino que la fidelidad al sonido de sintetizadores y teclados, como una manera de homenajear a los pasados tiempos del pop.

Goldfrapp no busca sólo que la gente baile, ni que coree, ni que grite, también hay una clara vocación emotiva, para lo que ayuda la voz de Allison Goldfrapp, verdadera sacerdotisa del synth pop moderno, que te puede hacer llorar mientras mueves tu humanidad en la pista de baile. Porque eso fue la Cúpula anoche, una pista de baile. Y por eso es importante que las productoras identifiquen al público que tendrá la banda, precisamente por el bien del espectáculo. Ese que Goldfrapp dio, y de sobra, anoche en La Cúpula: para bailar y llorar (de alegría)

Por Manuel Toledo-Campos
Fotos por Fernanda Vaca

Setlist:

1. Crystalline Green
2. You Never Know
3. Dreaming
4. Number 1
5. Rocket
6. Satin Chic
7. Believer
8. Shiny & Warm
9. Train
10. Ride A White Horse
11. Ooh La La
    ———————-
12. Black Cherry
13. Little Bird
14. Happiness
15. Lovely Head
16. Strict Machine

Cuando se presentaron por primera vez, en 2008, venían del éxito arrollador de sus 2 primeros álbumes a presentar un reciente “Our Love to Admire” (2007) Un público muy joven hacía fila desde temprano y compraban cintillos con escarcha, con el nombre de la banda que hizo vibrar a un repleto teatro con un intenso show. Anoche era un publico post 25 el que llegaba tranquilamente a minutos del concierto, sin rastros de aquella fanaticada. Debe ser porque en sus últimas entregas, la banda dejó los estribillos pegajosos, para meterse de lleno en su búsqueda más oscura, como buenos discípulos de The Cure o The Smiths, marcando una madurez que no entusiasmó a todos sus seguidores. Esta vez sin el bajista Carlos Dengler en su formación, el ahora quinteto vino a presentar “Interpol” (2010), un disco en el que escasean los hits y del cuál sólo tocaron 3 temas.

Son las 20:00 hrs y un Caupolicán casi vacío recibe tibiamente a los Intimate Stranger los encargados nacionales de abrir el show. El cuarteto tuvo la oportunidad de mostrar 45 minutos de largas canciones de herencia británica, con el protagonismo de su vocalista y bajista Tessie Spoljaric-Woodgate. Más tarde el mismísimo Paul Bank agradeció a  Intimate Stranger y señaló que eran una gran banda.

Pasada las 21:00 hrs apareció Interpol, para el penúltimo concierto de la gira, que luego los tendrá en un receso indefinido. Un terneado Daniel Kessler hizo sonar los primeros riff de “Succes” para saber que el concierto sonaría tal como en los discos. Un Banks con lentes y look de ajedrecista, con una voz cada vez más alejada del fantasma de Ian Curtis empezó a cantar y toda la gente se comenzó a mover al ritmo del bombo de Sam Fogarino. Luego fue el turno de “Say Hello to the Angels”, el tema más The Smiths del “Turn On The Brigth Lights” (2002), para desatar la euforia de una audiencia hambrienta de hits. Tocaron “Narc” de “Antics” para seguir con la reposada “Hands Away” de su exitoso disco debut, para pasar a “Barricade”, quizás la más pegajosa de su última entrega. Todo sin respiro, con las breves intervenciones de Banks en español y un set de luces sobrio, sin aparatajes, donde resaltaban la cohesión del genial Fogarino con el bajo, la complicidad de las guitarras de Kessler y Banks, además de los coros y arreglos del tecladista Brandon Curtis.

Para el quinteto todo es solemne, desde una impecable vestimenta a una inspirada performance, es Daniel Kessler el alma de la fiesta quién se va soltando de a poco con sus característicos movimientos de pies, disfrutando cada sonido de su guitarra que es parte de la marca registrada del grupo: samplea partes, desafina notas y crea capas sónicas con delicadeza.

Suena “Rest My Chemistry” de “Our Love To Admire” (2007) y las parejas se abrazan con la atmósfera melancólica que tan bien logran, con las capas de guitarras. Se encienden los smartphones del público, para seguir con la bella “C´mere” y “The New”. El pelirrojo vocalista apenas mira al público y se centra en cantarle al suelo o al micrófono, pero su voz sí que sabe transmitir ese amor y desamor del que hablan sus letras, provocando lágrimas en los más sensibles de los asistentes.

A continuación, el bajista Brad Truaj comienza a tocar las primeras notas de “Evil”, tal como lo haría Dengler, y en el Caupolicán se desata una fiesta, Daniel Klesser se saca la chaqueta del terno, comienza a bailar y a regalarle sonrisas o uñetas al público que corea con fervor religioso, luego fue el turno del “Lights”, del último disco, un single que de single no tiene nada. Siguieron “Untitled” y “The Henrich Maneuver” donde el público volvió a bailar y a generar tímidos pogos en el comienzo de la cancha.

Luego vino “Take you on a cruise”, “Memory Servers” del último disco, “Slow Hands” dónde toda la cancha saltó sin treguas y “Not Even Jails” para retirarse del escenario con la ovación total y la fanaticada rendida a la banda más británica de Estados Unidos.

Al regreso, un locuaz Paul Banks en un perfecto español de acento mexicano, bromeó presentando a la banda, contó que era el penúltimo show de la gira y presentó a uno de los roadies, en lo que parecía una despedida de los escenarios para siempre. Sonó “Specialist”, la hermosa “NYC”, donde muchos de los asistentes cerraron los ojos para levitar, y finalizaron bien arriba con la increíble “Obstacle 1”.

Un concierto impecable de principio a fin, donde sin duda faltaron éxitos (como “PDA”), pero que confirmó la genialidad de cada uno de sus integrantes, la melancolía de las composiciones con una irresistible base bailable. A ratos parcos, demasiado formales y sin la cursilería del “Viva Chile” ni banderas nacionales de por medio. Le dieron el gusto a su público que bailó y se emocionó sin treguas con sus grandes éxitos, con un sonido perfecto.

Por Jaime Albornoz
Fotos por Praxila Larenas

 Setlist:

1. Success
2. Say Hello to the Angels
3. Narc
4. Hands Away
5. Barricade
6. Rest My Chemistry
7. C’mere
8. The New
9. Evil
10. Lights
11. Untitled
12. The Henrich Maneuver
13. Take you on a cruise
14. Memory Servers
15. Slow Hands
16. Not Even Jails
    ————————-
17. Specialist
18. NYC
19. Obstacle 1

Anoche, The Raveonettes, se lo demostró a casi 600 personas en el Centro Cultural Amanda, con una frialdad deliciosa, con la eficiencia de su performance, pero también con un montón de detalles que delataban la grata sorpresa que su público chileno les dejaba en cada uno de los instantes de los 60 minutos que duró el show.

Todo inició con la energética “Attack of the Ghost Riders” del EP debut de los daneses. Todavía tímidos y haciendo su trabajo, The Raveonettes sueltan agradecimientos ante fans que les hablan en su idioma natal, sorprendidos de que a miles de kilómetros de distancia los entusiastas hagan la tarea. Viene “My Tornado”, donde queda de manifiesto el muro de sonido que conforman las voces de Sune y Sharin, pero también que los músicos de apoyo que tocan de pie dos baterías al unísono le dan todo un elemento punk a la propuesta indie-rock del dúo. Casi todas las canciones ganan mucho con este tipo de puesta en escena. Temas como el tierno “Dead sound” ganan profundidad y urgencia con otra actitud. Aquí ya notamos que lo de Sharin y Sune no es pose, sino que es su forma de vivir la música, de forma aparentemente fría, pero siempre atenta al feedback de su audiencia. Es otra forma de calidez, que puede parecer distante, pero que es totalmente honesta. Por mientras, la sensual “Lust” calma los beats; con ese riff y la instrumentación logra llegar a la médula de cada fan, y marca uno de los varios puntos altos del concierto.

Luego, la juguetona “Noisy Summer” y sus aplausos, se roban la escena con su mezcla indie/surf rock y que con empatía logra que la gente baile y coree, sin embargo la audiencia está esperando lo que sigue. De golpe “Love Is a Trashcan” suena más directa y rockera que nunca. Uno de los clásicos de la banda logra que muchos canten y que otros se queden mirando como si un milagro estuviera ocurriendo.

Una gracia del concierto fue que nada sobró y nada faltó, así, cada canción era un acontecimiento en sí misma, con riffs o solos cerebrales y metódicos, que provocaban reacciones completamente enajenadas. Varios bailaban meneando la cabeza de un lado a otro, mientras Sharin lo hacía con un swing más calmo, como niña en jardín infantil.

Otra esperada se aproximaba: “Heart of Stone”. Sonó más parecida a su versión en estudio, lo cual no es malo, sólo que hubiera sido lo contrario verla con un poco más de sangre, pese a que la rítmica percusión pusiera de todas formas a muchos a bailar.

Aunque The Raveonettes viene a Chile a presentar su disco de este año, “Raven In The Grave”, recién en la octava canción irrumpe un corte de este álbum. “Evil Seeds” tiene la misión y no defrauda. La madurez sonora se nota y la evolución le sienta bien a la pareja danesa, que se siente más cómoda con dejar espacios para la calma sonora y luego explotar en riffs. Si a alguien le queda dudas de eso, “Forget That You’re Young” pone a todo Amanda (por fin) a corear y ponerle ganas al baile o por lo menos darse cuenta de que ante ellos The Raveonettes está poniendo en escena uno de sus setlists más sólidos en mucho tiempo.

“Ignite” sigue con esta selección de “Raven In The Grave” y logra un sonido tan Happy Mondays, que duele, pero en buena. Las reminiscencias a Joy Division también son un plus, demostrando que los daneses no se quedan en fórmulas probadas, sino que incursionan más allá.

La presentación de canciones nuevas se cierra con la melancólica y reverberante “Apparitions” que lleva a Sune y Sharin a otro tipo de interpretación vocal, más demandante en el disco y aún más en vivo, y salen airosos, como ya es costumbre.

“Blush” vuelve a poner el beat más rápido y esta locomotora no para. Sune y Sharin siguen mirando atentos al horizonte, pero de reojo se quedan con la imagen de un fanático y siguen adelante, tocando y tocando. Sharin se intercambia de instrumento variadas veces con uno de los músicos de apoyo y sigue adelante, a veces con guitarra, a veces con bajo, pero siempre en el lugar correcto.

El momento imborrable de la noche llega con “Last Dance”, donde no sólo se corea, sino que se ruge el coro. Casi como petición mutua, dicho coro busca preservar esta frágil pero interesante relación entre Raveonettes y su público chileno: “Este es el último baile / Guárdalo para mí, nena”. Y parece un compromiso cumplido con el dúo final de canciones. “That Great Love Sound” es tan movediza y potente, que la gente cree por momentos que es la última canción y, con su final extendido, este pensamiento vuelve aún más incierto el qué ocurrirá. Pero “Aly, Walk With Me”, esa canción que tanto suena a Portishead del “Lust, Lust, Lust” (Orchard, 2007), cierra la fiesta, de forma estruendosa, fuerte, potente, jugada, casi extrema con Sune y Sharin jugando con rasgueos ensordecedores que logran dejar a todos los presentes electrificado.

El público no alcanza ni a pedir el bis, ni a aplaudir o a hacer el típico “No nos vamos ni cagando” y ya suena música de fondo, las luces se encienden y las esperanzas se pierden.

Un show seco, potente y sin aspavientos innecesarios, se acaba.

The Raveonettes constató la relevancia de los detalles, esos que denotan la cercanía de una banda que, si nos guiáramos sólo en su forma de tocar, no quedaría como un témpano de hielo inexpugnable (como hay tantos en Dinamarca), pero que, por suerte, no fue así. Un hielo que nunca había logrado ser tan cercano y cálido a miles de kilómetros de distancia.

Por Manuel Toledo-Campos

Setlist:

1. Attack of the Ghost Riders
2. My tornado
3. Dead sound
4. Lust
5. Noisy Summer
6. Love is a Trashcan
7. Heart of Stone
8. Evil Seeds
9. Forget That You’re Young
10. Ignite
11. Apparitions
12. Blush
13. Last Dance
14. That Great Love Sound
15. Aly, Walk With Me

Lo que pasó anoche fue un chorro de sangre directo al cerebro. Un show de esos donde no importa la cantidad, sino que la calidad, y a ratos The Kills sonó exacto a como lo hace en sus registros de estudio, pero algo cambia. Pese a que creamos que Alison es la extrovertida y que Jamie resulta ser más reflexivo, en vivo es al revés. Mosshart canta e interpreta para sí misma, de forma tímida, entreteniéndose, pero también escondiendo mucho. Alison es forma, pero en el fondo, es una tierna muchacha que se puso nerviosa cuando dos fanáticos se subieron al escenario y le besaron una mejilla. Mientras, Jamie sorprende por ser más cercano con la audiencia, divertirse con ellos y llevar esa actitud punk que tanto le gusta, tomando la guitarra como una pistola, golpeando las cuerdas estridentemente e incitando a la gente a batir las palmas.

Fue una suerte que no apareciera la puntualidad inglesa. La gente entró recién pasadas las 20.45 y el concierto partió con veinte minutos de retraso. Algo más que aceptable. De hecho, el público se acomodó bien en los asientos acolchados… Para pararse de inmediato cuando The Kills entró en escena.

Alison le daba carne a “No Wow”, canción del injustamente olvidado disco del mismo nombre. Sus bailes, movimientos de cabeza y esos quiebres que hace al moverse por el escenario vuelven loco al público, pero comenzamos a ver que le cuesta comunicarse con la gente. Ella no hace  más que dar las gracias. Jamie tomaría posteriormente el micrófono para reaccionar ante el público, diciendo que “esta es la razón por la que hicimos este tour. Gracias por dejárnoslo en claro”. Vinieron a presentar “Blood Pressures” (Domino, 2011) y eso se nota. No sólo viene una coreadísima y potente versión de “Future Starts Slow”, sino que además la tremenda “Heart Is A Beating Drum”. Las bases apoyan, dan las percusiones, un poco de ruido blanco también, pero es Jamie el motor musical con su guitarra llena de efectos. Mientras, Alison es magnética, al menos como los fanáticos perciben. De hecho, al final de “Heart Is…” bota un ventilador de una patada y se sube a disfrutar de su viento. Es que la guitarra de Jamie y el baile y los alaridos de Alison logran quitarle toda solemnidad a un escenario pulcro como es el Teatro Oriente. The Kills enturbia el ambiente, dejándolo más cercano a lo que esperan los fans. Los asientos numerados se difuman un poco porque en el aire ya está “Cheap and Cheerful” y los pasillos se llenan de gente que quiere capturar esa imagen de Mosshart meneando la cabeza o de Jamie apuntando con la guitarra.

Para “Kissy Kissy” la gente es capaz de digerir la complejidad de los arreglos de la canción, poco empáticos, pero lo suficientemente poderosos como para traspasar cualquier atisbo de cansancio. Lo mismo con la rítmica “U.R.A. Fever”, donde parten en una especie de diálogo que deriva en un gran momento con ambos cantando en el mismo micrófono.

La prueba de “DNA” sacó otro poco de sangre, con ese ritmo rico en quiebres y un coro donde el público participa gustoso.

A esas alturas se repetía un asunto que minaba la atención de varios asistentes: el audio. En algunos momentos las voces se perdían por la potencia de los instrumentos, es decir, de la base y la guitarra, y tampoco era tanta la amplificación. El Teatro Oriente tiene excelente acústica, pero resulta entretenido que una banda que utiliza bien los sonidos saturados no llegue a sonar lo suficientemente fuerte en su concierto. De todas formas, cada stroke de Jamie es potente, y en “Satellite”, no sólo es la gente sino que el mismo Hince quien se da cuenta de cómo prende la audiencia.

“Tape Song” es una pausa en medio de tanta potencia, en especial porque luego viene la canción que mejor refleja las posibilidades y matices cuya cima puede alcanzar un dúo, “Baby Says”, no sólo tiene nostalgia y un momentum exquisito, sino que también control respecto a la emoción. Un gran momento donde el público más que gritar, escuchó y atendió a la dirección de Alison y Jamie.

“Black Balloon” dio con la complicidad de las palmas en algún momento, pero luego el respetable prefirió que The Kills hiciera el show. Y así el in crescendo de esta canción va operando como parte de la triada que supuestamente cierra la presentación.

Entremedio hay un gran cover, “Pale Blue Eyes”, de The Velvet Underground, que en la versión The Kills mantiene la suciedad deliciosa del sonido de la guitarra y configura un momento único en el concierto, ya que no la tocaron ni en Perú, ni en Brasil.

“Last Day of Magic” y “Sour Cherry” aparecieron como grandes finales, tanto por el ritmo endemoniado que logran, como por la interpretación sentida de Jamie. Alison armó una conexión en ciertos momentos con la gente en la platea alta y lanzó un par de sonrisas cómplices. Todo esto para que los asistentes, tras una hora de concierto, quedaran pidiendo más. Y tras un alarido, ensordecedor a ratos, Mosshart y Hince regresaron al escenario. Allí nuevamente Jamie tomó la palabra para agradecer a los fans. “The Last Goodbye” logra configurar un momento mágico, donde sientes cada parte del teclado que toca Jamie en vez de la acostumbrada guitarra, o donde Alison se detiene en su bamboleo constante y desde un punto fijo se abre por fin a la gente.

El problema es que un par de fanáticos rompieron un poco esta magia subiendo al escenario y besando en la mejilla a la cantante, pero ella siguió como si (casi) nada hubiera pasado para armar el paisaje más bello del concierto, con el público ondeando sus brazos con el swing de vals de este último adiós.

Alison se puso a resguardo y, con un par de baquetas, ayudó a darle aún más sustancia a la ya rabiosa y divertida “Pots And Pans”, para luego dar pie al mejor riff de guitarra de la noche y freír cabezas con “Fried My Little Brains”, un cierre perfecto para una noche corta, precisa, pero de alto impacto, que la gente agradeció con su aplauso y también con la tranquilidad de que The Kills lo dio todo arriba del escenario, tal como prometieron.

Algunas conclusiones pueden ser que faltó un par de amplificadores que aumentaran el volumen de la performance. También que Jamie es más extrovertido en el fondo que la carismática pero realmente tímida Alison Mosshart. Y finalmente que, si bien son dos personas, en el escenario se hacen un solo montón de sangre que va por tus venas y que se convierte en un chorro directo a tu cabeza. Como Coldplay jamás imaginó que se podría hacer. Al estilo The Kills.

Por Manuel Toledo-Campos

Setlist:

1. No Wow
2. Future Starts Slow
3. Heart Is A Beating Drum
4. Cheap And Cheerful
5. Kissy Kissy
6. Ura Fever
7. DNA
8. Satellite
9. Tape Song
10. Baby Says
11. Black Balloon
12. Pale Blue Eyes (cover Velvet Underground)
13. Last Day Of Magic
14. Sour Cherry
    ——————————-
15. The Last Goodbye
16. Pots And Pans
17. Fried My Little Brains

La jornada se inició a las 20:55 con el show de los nacionales The Ganjas, y ciertamente han sido pocas las veces en que una banda encargada de abrir un show de estas características ha tenido un vínculo tan especial con el conjunto principal. Y es que no cuesta nada buscar en Youtube el video donde Andy Bell pierde los estribos al escuchar el nombre de los nacionales, señalando que llevaba casi tres años intentado recordar cómo se llamaba aquella banda que lo había “hipnotizado con su música” en su visita a Chile el 2006. Con ese antecedente parecía casi obvio que debían ser The Ganjas los encargados de abrir el show de Beady Eye. La labor de los nacionales fue pulcra y concisa, entregando en 30 minutos ese sonido hipnotizante y desértico que la caracteriza.

Una vez finalizada su presentación, dieron gracias al público, el cual se comportó de manera notable entregándole el apoyo que a muchas otras bandas teloneras se le suele negar. Y es que la verdad, The Ganjas se lo tienen más que merecido, siendo hoy por hoy una de las mejores agrupaciones de nuestro país.

22:00 en punto y “Yellow Tail” (aquel tema instrumental creado por Bell y Archer) comienza a retumbar en el Industria Cultural. La banda sale al escenario con ritmo pausado y arrogante, mientras Liam los presenta y anuncia la primera canción: “Four Letter Word”, el tema que abre el disco “Different Gear, Still Speeding”. La potencia de dicha canción es impresionante, suficiente como para convencer a cualquier escéptico de que este conjunto no es una mera versión de Oasis sin Noel. Y es que escuchar a Liam gritar con todas sus fuerzas “Nothing ever last forever” es como para que se pongan los pelos de punta. La presencia del vocalista es imponente, y es que sin moverse o gesticular demasiado logra comerse el escenario y demostrar por qué es uno de los grandes “Rock Star” de la historia. El show continúa con “Beatles & Stones”, la cual si bien no es una obra imprescindible, cumple con la función de mantener al público encendido.

“Millionaire” perpetúa la fiesta y por primera vez se logra ver al público genuinamente prendido. Aquel tema fue escrito por Andy Bell, el cual vuelve a la guitarra alternando labores con Gem Archer y asumiendo un protagonismo al cual no estábamos (y quizás él tampoco) acostumbrados. Y es que la labor de Bell es para ser aplaudida, creando un perfecto complemento con su compañero Gem.

Las revoluciones bajan un poco cuando la banda comienza a interpretar “Two Of A Kind”, y no porque la canción no posea ritmo o potencia, sino que, al ser un Lado B, carece de esa masividad que la haga reconocible para todo público. Liam por su parte comienza a mostrarse más inquieto que en cualquiera de sus antiguas presentaciones en Chile. Interactúa con el público y se comporta de manera más empática que de costumbre. Antes de interpretar “For Anyone”, señala que va dedicada a todas las muchachas del público. La dulzura de la canción sorprende, y también la interpretación de Liam, el cual entregó quizás la mejor presentación personal que le hemos visto en estos lados.

“Three Ring Circus” es una canción que pasa sin pena ni gloria en “Different Gear, Still Speeding”, y en vivo no es la excepción. Uno de los problemas que tienen que sortear las bandas que recién comienzan, es la estrechez del catálogo con el que cuentan (lo que las obliga a echar mano a Lados B, Covers, etc.) No sería sorpresa que en el futuro (quizás con el lanzamiento de su segundo disco) dicha canción quede relegada y no vuelva a ver la luz del día.

La banda logra reponerse (y de qué manera) con “The Roller”. Por primera vez el público canta al unísono, entregando una de las postales más memorables de toda la jornada. Dicha canción tiene pinta de clásico, y ayer fuimos testigos de su efectividad en vivo.

“Bubble With a Bullet” sufre con el mismo destino de “Two Of A Kind”. Su escasa difusión no le permite generar un vínculo con el público, el cual observa calmo la interpretación de la banda. Todo cambia repentinamente con “Bring The Light”. La euforia se apodera del recinto y los coros de Bell y Archer generan una catarsis en los presentes. Liam se roba la película repitiendo incesantemente “Baby Come On!”, mientras Matt Jones logra opacar a las guitarras con su piano. Sencillamente notable.

“Standing On The Edge Of The Noise” logra mantener el nivel creado por su antecesora y da paso al que fue quizás el momento más emotivo de la jornada. “Kill For A Dream” y “The Beat Goes On” sobrepasan las expectativas y logran imponerse como las obras más preciosas de la banda. La interpretación es casi perfecta y demuestra la verdadera versatilidad que poseen estos músicos.

Como estamos hablando de Liam y compañía, las cosas no pueden permanecer quietas por mucho tiempo, y “Man Of Misery” es la encargada de entregar esa cuota de adrenalina que parecía perdida. Si bien, tampoco es parte de “Different Gear, Still Speeding”, logra imponerse pidiendo a gritos un lugar en el próximo disco de la banda.

Casi cincuenta minutos de show y es hora de ingresar a la recta final. The “Morning Son” y “Wigwam” entregan momentos similares y de singular potencia. Inician de manera serena para luego dar paso a una verdadera catarsis musical. La banda se pierde en un sonido épico, mientras Liam permanece inmóvil, tranquilo y con una mirada absorta que no logra inmutarse con la algarabía que ocurre a su alrededor. Y es así como deja el escenario para luego ser seguido por el resto de sus compañeros.

Es hora del encore y, como la tradición lo amerita, el público corea el nombre de Liam y de Beady Eye para que vuelvan al escenario. La banda regresa y nos entrega uno de esos momentos que son tan contradictorios, pero tan especiales a la vez. “World Outside My Room” es una canción de una sencillez tan increíble, que su interpretación en vivo parecía una idea descabellada, no sólo por su simpleza, sino porque costaba imaginar a Liam y compañía interpretando una canción que irradiara una sensación de intimidad tan grande. Finalmente lograron acallar los prejuicios, y de paso demostraron que a esta banda no le son ajenas las obras más pequeñas y humildes.

El final del espectáculo llega con “Sons Of The Stage”, aquel cover de World Of Twist, del año 1991. La tradición de cerrar con interpretaciones de composiciones ajenas, se remonta a cuando Oasis solía cerrar sus espectáculos con temas como “I Am The Walrus” o “My Generation”. “Sons Of The Stage” no cuenta con la masividad de aquellas verdaderas obras maestras, pero logra entregar un cierre adecuado para el show. Quizás no llega a los niveles de éxtasis que uno pudiera esperar, pero no cabe ninguna duda de que ayuda a cerrar de una manera notable, dejando a los fanáticos satisfechos y con la sensación de que se presenció un show de altísimo nivel.

Beady Eye es una banda que recién da sus primeros pasos. A pesar de la arrogancia de su principal figura, se ve obligada a transitar de manera humilde por el mundo, dejando de lado los grandes estadios, cambiándolos por pequeños recintos donde la conexión con el público es mucho mayor, pero donde la presencia mediática se vuelve escasa. El amor que tienen estos músicos por el Rock & Roll los motiva y transforma en sobrevivientes. Oasis se esfumó, y sin su líder y principal compositor el futuro parecía bastante oscuro. Liam, Andy y Gem lograron reponerse y demostrar que tienen mucho por entregar. La valentía de olvidarse de un pasado exitoso parecía más bien un suicidio, cuando en definitiva término siendo un verdadero renacer. Aún queda mucho paño por cortar, pero como diría Liam Gallagher: “The Beat Goes On”.

Por Emilio Guerrero B.
Fotos por Fernanda Vaca

Eran cerca de las 23:00 hrs. Y, después de disfrutar del plato de entrada (Sepultura), la fanaticada pedía a gritos y con ansias el plato de fondo. La euforia no se hizo esperar y el público se desato al escuchar los primeros acordes de “Imperium”, pista número uno del “Through the Ashes of Empires” (2004). Seguido de eso “Beautiful Mourning”, del aclamado “The Blackening” (2007), hizo que la audiencia prendiera como pasto seco y saltara como nunca antes; se veían ya los primeros mosh pit que animaban a Robert Flynn y compañía a agregar más carbón a la caldera. Muy poco tardaron en notar como el público chileno sabe tratar a sus bandas favoritas.

Machine Head continuaba con la aplanadora y ahora nos remontaba al año 1999 con su disco “The Burning Red”, y de esa placa hacía presente el ya clásico “The Blood, the Sweat, the Tears”. Seguía el setlist y era el momento de escuchar lo nuevo de su último trabajo “Unto The Locust”, de ahí sonaba el tema “Locust” –primer single del disco que salió hace ya un mes y que sigue la senda de lo realizado con “The Blackening” en 2007– precioso tema, lleno de cambios que denota la madurez alcanzada por la banda, y fue  notable que el público se la supiera a la perfección, dado que no lleva mucho tiempo de ser estrenada.

Luego se dio paso para otra pista de su nuevo disco, “I Am Hell (Sonata in C#)”, que en vivo es impresionante cómo suena, ¡vaya que nivel de poder!. Acá otra vez se armó un mosh pit casi infernal en cancha.

Cabe destacar que hubo mucha comunicación entre los asistentes y la banda, cuando se pidió alboroto, todos saltando y moviendo la cabeza como frenéticos. La banda no lo podía creer, resultó que todo lo que les dijeron sobre el público metalero nacional era cierto y lo comprobaron en carne y hueso.

Continuaba la noche y se nos venía “Aesthetics of Hate”, temazo del “The Blackening”, la siguió “Old”, del ya clásico álbum “Burn My Eyes”, la que en cuestión de segundos desató toda la energía del Caupolicán. La cancha no estaba tan llena, lo que permitió con facilidad que se generarán los huracanes humanos de fuego.

Ya era tiempo de otro tema del nuevo disco, ahora iniciaba “Darkness Within”, con una bella intro en guitarra acústica. La iluminación y el humo propusieron una atmósfera única y especial, que en seguida se rompió cuando sonó el potentísimo riff de “Bulldozer” del disco “Supercharger” (2001), el cual volvió a remecer al público haciéndolo gritar y corear cada letra.

Quedaba poco para el final, la banda lo sabía, y era tiempo de echar mano a algo de “The More Things Change”, en esta ocasión nos aturdían con el ya clásico “Ten Ton Hammer”, golpe certero, que dejó a la gente de cancha en éxtasis. Acá Robb se despedía y nos decía “¡Muchas gracias Santiago!”. Pasó algo curioso: como era ya algo tarde, varias personas creyeron que se había terminado el show con la despedida de Robb y se dispusieron a abandonar el recinto, pero no pasaron más de dos minutos y por cada rincón del teatro, retumbaba el griterío del público pidiendo más, obviamente faltaba el encore, señores.

Robb sube al escenario con un vaso de cerveza ofreciéndonos salud y agradeciendo. Se notaba muy emocionado con el ambiente. En ese preciso instante sube el resto de la banda y empiezan el penúltimo tema y ya nuevo himno “Halo”, bastaron dos acordes y en cuestión de segundos se desató otra vez el infierno, y el público lo cantó todo. Acá el mismo Robb Flynn decía que este era el momento para que los asistentes agotaran sus energías e hicieran de esto algo único e increíble, dicho y hecho.

Llegaba el último tema de la noche, “Davidian”, himno absoluto de la banda. Fue agradecido con un nuevo (a esa altura incontable) torbellino humano; los de Oakland no lo podían creer.

La noche fue intensa y se recordará por siempre, puntos altos y memorables fueron la mayoría de sus temas, pero en “Darkness Within” hubo algo especial y único. Machine Head es de esas bandas que sabe hacer música, que mueve y crea cambios; de las bandas más verdaderas y puras de estos últimos años, con detalles que marcan y hacen de esto una experiencia aún mejor.

La postal final fue épica, con un Flynn y compañía más que contentos con la experiencia vivida en casi hora y media de show. Nos amaron, y otra vez más se demostró cierto el  rumor de que acá el público es único y distinto.

Por Daniel Guajardo
Fotos por Felipe Ramírez Amigo

Setlist:

1. Imperium
2. Beautiful Mourning
3. The Blood, the Sweat, the Tears
4. Locust
5. I Am Hell (Sonata in C#)
6. Aesthetics of Hate
7. Old
8. Darkness Within
9. Bulldozer
10. Ten Ton Hammer
    —————————
11. Halo
12. Davidian

Miércoles infernal en Santiago, el público en su mayoría con poleras de la banda que ejercerá como plato de fondo, un par de buitres revendiendo, y un letargo en el aire que está para una postal. Una vez dentro de uno de los mayores patrimonios musicales nacionales, y con un pequeño retraso de al menos 15 minutos, salía a escena la banda comandada por su carismático guitarrista, Andreas Kisser , junto a Paulo Jr. en bajo y Jean Dolabella en batería, y qué mejor que comenzar a calentar motores (como ya se ha hecho costumbre en sus anteriores visitas) que empezar con la a estas altura clásica Intro del disco “Schizophrenia” (1987), seguida de otro clásico, “Arise”, en donde el público se mostraba efusivo y dejaban claramente plasmado el porqué Sepultura es una de las bandas más respetadas y con más seguidores en Chile. Seguirían “Refust/Resist”, canción emblema de primera mitad de los noventa y, que por el clima de violencia/represiva que impera en Santiago, se gozo a concho, casi a niveles religiosos, luego dieron paso a dos de su nuevo disco, la potente y bien trabajada “Kairos”, que le da su nombre al álbum, y “Relentless”. El show siguió con “Dead Embryonic Cells”, otra joyita del disco “Arise” de 1991, para luego continuar con las correctas “Convicted in Life”, “Chone” y “What I Do!”, estas tres últimas con Green como protagonista en las grabaciones de estudio.

Uno de los momentos altos de la jornada se vivió cuando Andreas Kisser se apoderó del micrófono para lanzar la populista frase “Santiago de Chile, la raíz del heavy metal” dando pie a la interpretación de la grandiosa “Troops of Doom”, de su debut “Morbid Visions” (1986) Luego desfilaron, otro par que suelen ser recurrentes en sus presentaciones, “Septic Schizo” y “Escape to the Void”, ambas del disco “Schizophrenia” (1987), la versión de “Just One Fix” de Ministry, aparecida también en el disco Kairos, al igual que “Seethe”, que sonó como antesala de su hit de 1994, “Territory”, en donde se hicieron oíbles algunas pifias de sonido en la guitarra de Kisser cuando ejecutaba los tonos altos, algo que sería una tónica de casi toda la presentación. Luego vinieron seguidas “Policia” e “Inner Self”, en donde continuaron los ya citados problemas de sonido.

Para el final dejaron dos de las mejores e infaltables de su repertorio, ambas del disco “Roots” (1996), “Ratamahatta” y “Roots Bloody Roots”, coreadas por un Caupolicán casi repleto, y en donde Green demuestra todo su despliegue corporal y rítmico, dejando en el asfalto a todos esos puristas que aún sueñan con el regreso de los hermanos Cavalera.

Un show potente, a ratos refrescante, a ratos predecible, pero con una cercanía y empatía con el público nacional que se agradece. Sin embargo está claro que necesitamos un pequeño respiro con nuestros amigos brasileños, ya con ellos, tenemos suficiente pasto para masticar durante un buen tiempo.

Por Missael Godoy
Fotos por Felipe Ramírez Amigo

Setlist:

1. Intro
2. Arise
3. Refuse/Resist
4. Kairos
5. Relentless
6. Dead Embryonic Cells
7. Convicted in Life
8. Choke
9. What I Do!
10. Troops of Doom
11. Septic Schizo / Escape to the Void
12. Just One Fix (cover de Ministry)
13. Seethe
14. Territory
15. Policia
16. Inner Self
    ————————-
17. Ratamahatta
18. Roots Bloody Roots

Cada uno de sus proyectos solistas o en conjunto, han tendido en cierto modo (o mejor dicho, al ojo crítico) a eclipsar la rica y variada discografía de estos músicos de Chicago. Bandas paralelas, como es el caso de John McEntire y Tortoise, en donde cumple un rol multifuncional a diferencia de lo que hace en The Sea And Cake, cumpliendo sólo en batería. O la de Archer Prewitt y su nutrida carrera como solista además de su participación con The Cocktails. O también sobre los trabajos solistas de Sam Prekop y Eric Claridge, los cuales provienen de Shrimp Boat. Finalmente decantan en un proyecto “paralelo” en donde hacen gala de una exquisita y delicada discografía, y que, a punta de post-rock, bossa y principalmente pop, son capaces de llevarnos a momentos sublimes como fue el caso de este domingo en el Centro Cultural Amanda.

Esto comienza con la bonita introducción nacional por parte de Astro, quienes tuvieron que salir un poco más tarde de lo acordado, debido a esta mala costumbre que se está dando en Chile sobre llegar tarde a las tocatas-fiestas. Sonido sicodélico y cumplidor en su rol de introducción a los de Chicago. Luego vendría la super banda independiente chilena de “Caravana”, que de a poco nos sumergieron en un ambiente que venía con sonidos más suaves y melódicos.

Luego vendría el turno de Prewitt, Prekop, McEntire y Claridge que, distribuidos en ese orden, se disponían a entregarnos unos de los mejores y más completos conciertos del año, por decir lo menos.

Todo comienza a teatro lleno con la delicada guitarra de “Weekend”, en donde los sintetizadores que acompañan el tema de estudio sobraban mientras entremezclaban la precisa voz de Sam Prekop, con los delicados acordes de Prewitt. Luego seguimos con la alegre “Windows Sills” y “The Staircase”, del aplaudido “Car Alarm” (2008), en donde ya inmersos en el trance hipnótico de esas dulces y bellas melodías, sólo bastaba con dejarse llevar.

Luego vendría el primer guiño al último disco (“The Moonlight Butterfly”, 2011) y una de las razones de su visita a Chile, tocan “Up on the North Shore”, con la cual, entre quiebres rítmicos y morisquetas que nos entregaba McEntire, simplemente no podías dejar de bailar, y sonreír.

Así pasamos a los temas del disco “Everybody” (2007): “Middlenight”, “Crossing Line” y “Exact To Me”, un poco menos dulzonas, pero precisas para subir el movimiento y el ritmo; aquí nos dan muestra de las infinitas capacidades técnicas que quizás, entre tanta melodía deliciosa e hipnótica, por ahí alguien puede olvidar. Así seguimos en la misma línea con “Scort” y “An Assassin”, el show no baja ni un segundo la atmósfera, acompañada de delicados fondos de colores con fotografías, que solo ayudaban a darle más intimidad al momento.

Con “Midtown” dan una merecida pasada a esos característicos rasgueos bossa que mezclan de manera magistral con los bajos de Claridge y los cantos -en esos momentos casi susurros- de Prekop.

Continuaban con “The Argument”, del disco “The Fawn” (1997), uno de los momentos más altos de la noche, con el ritmo de John McEntire casi marcando el pulso de los oyentes; las guitarras de Prewitt y el bajo de Claridge, rompiendo una y otra vez con los ritmos, subiendo y bajando, nos tenían a todos entregados a esa bella suerte.

Cierran con “Coconout”, pero, al recibir el ensordecedor griterío y aplauso de los espectadores, vuelven inmediatamente con “Lyric” de su último disco, para luego terminar la hermosa noche con el broche de oro de “Parasol”, segunda canción del disco “Nasaau” (1995)

La agrupación nos entregó una pasada por casi toda su nutrida discografía, llevándonos de un lado a otro desde el post rock hacia el bossa, de un lado a otro con una armonía tal, que no permitía siquiera sentir cada uno de los cambios.

Lo más bello de The Sea and Cake es definitivamente la sutileza, lo delicado, lo discreto, la perfección de lo preciso; un trabajo de cirujanos, como una ecuación química perfecta y armónica en busca del equilibrio. Temas mágicos y sin pretensiones, salvo disfrutar. Algo de lo cual, quienes participamos en esta bella noche en Amanda, pudimos disfrutar y seguir recordando como uno de las grandes tocatas del año, aquí en Santiago.

Por Pablo Ruiz
Fotos por Praxila Larenas

El show partió a eso de las 19:00 hrs. con la presencia de los nacionales de La Rata Blusera y su invitado argentino Miguel Vilanova (ex Botafogo y actual Don Vilanova), que venían a presentar su colaboración más reciente. Patas Negras (Autoedición, 2011) Una correcta presentación con un buen sonido, con un Arena a medio llenar, pero siempre apoyado por la gente en las gradas, y con una interesante adaptación al español de un tema de Robert Johnson. Cerraron su show que se extendió por sobre la media hora.

Pasada las 7:50, la gente seguía llegando en masa, pero el desorden y el caos en la entrada  a los sectores Vip fue un punto negro en la organización, y de paso, el público de entradas poco accesibles, se daba el lujo de llegar sobre la hora, entorpeciendo la visibilidad de los que llegaban puntualmente.

Pasada las 20:00 hrs, Clapton salió a escena y sin pronunciar palabra alguna, se lanzó -al igual que en su anterior visita- a interpretar esa joyita de Charles Segar y Big Bill Broonzy llamada “Key To The Highway”, en donde su tecladista Tim Carmon, partió robándose los aplausos con su tremenda ejecución en el primer momento alto de la noche. Luego vendría otro clásico, “Tell The Truth”, de su época con Derek and the Dominos, en donde el denominado mano lenta, hace gala de toda su maestría al mando de su apastelada Stratocaster. A esas alturas, y con un Movistar Arena repleto, continuaría con otro clásico, “Hoochie Coochie Man”, escrita por el influyente Willie Dixon, esta se transformó en otro momento cumbre, en donde nuevamente destacó la ejecución de Carmon y su otro compañero en teclados, Chris Stainton -otro formidable actor secundario del rock-, dejando al público deleitado con lo que observaban hasta ese momento. Con un Clapton parco, pero relajado sobre el escenario, empieza la cuarta de su repertorio, “Old Love”, extraída de su disco “Journeyman” (1989), con una intro monumental y con un Clapton perfecto en su ejecución, hicieron de esta canción unos de los momentos emocionantes del show.  Luego pasaría para sorpresa de algunos la correcta y muy ochentera “Tearing Us Apart”, para luego dar paso al momento acústico de la jornada, acá el británico se saca el sombrero ante sus referentes musicales, desfila la sobrecogedora versión que hace de Driftin’ Blues y la mejor de su show para muchos “Nobody Knows You When You’re Down and Out”, tema de Jimmy Cox y popularizada por la leyenda del blues Bessie Smith. En ese momento, Clapton y su banda habían creado una atmósfera entrañable y el público respondía ovacionando a destajo cualquier destello de maestría del ex miembro de Blind Faith. Luego vendrían una tras otra, la coreada “Lay Down Sally”, de su aplaudido disco “Slowhand” (1977), y “When Somebody Thinks You’re Wonderful”, original de Harry M. Woods, incluída en su disco más reciente de estudio, “Clapton” (2010). Tras eso, ejecuta una bella versión reposada de “Layla”, similar a la de su disco unplugged, para continuar con otro momento memorable del show, su interpretación del clásico de Cream, “Badge”, compuesta con su amigo George Harrison, sonó mucho más potente y distorsionada que la original, con una excelente base rítmica a cargo del baterista, Steve Gadd  -otro que brilla con luces propias y que esta semana hará una clínica de batería en Santiago- y el bajista Willie Weeks (ex miembro de la banda de Harrison), un lujo para los fanáticos y los no tanto. Volviendo nuevamente al relajo, Clapton se manda uno de sus hits, la madura y coreada “Wonderful Tonight”, seguida de otra perla de su mencionado disco “Slowhand”, “Before You Accuse Me”, original del compositor y músico estadounidense Bo Diddley. La sorpresa de la noche fue “Little Queen of Spades”, en donde Clapton se pone en los zapatos del satánico y venerado Robert Johnson, con una interpretación épica y con su banda en estado de gracia. El final estuvo a cargo de la correcta y poco inspirada versión de “Cocaine”, para cerrar con otra de Johnson, “Crossroad”, otra que pasó sin pena ni gloria, pero que no terminaron de afectar en lo absoluto lo implacable del resto de su show. Un espectáculo sencillo en presentación, pero efectivo en emoción, un deleite para esas ratas bluseras subterráneas, que vieron a uno de sus mejores exponentes.

Al final, el desconcierto por no ver al Clapton de “Bad Love” e “It’s Probable Me”, fue de pocos, pero la satisfacción de haber presenciado al socio de Allman, Lennon, Harrison, Ray Vaughan, Bruce, Baker, Winwood, King, entre tantos otros, fue de la mayoría, tanto así que hasta los murciélagos que nos esperaban a la salida del Arena, nos parecían buena compañía.

Por Missael Godoy
Fotos por Sebastian Rojas Muñoz

Setlist:

1. Key To The Highway
2. Tell The Truth
3. Hoochie Coochie Man
4. Old Love
5. Tearing Us Apart
6. Driftin’ Blues
7. Nobody Knows You When You’re Down and Out
8. Lay Down Sally
9. When Somebody Thinks You’re Wonderful
10. Layla
11. Badge
12. Wonderful Tonight
13. Before You Accuse Me
14. Little Queen of Spades
15. Cocaine
    ————————–
16. Crossroads

Bad Religion por su parte, con formación diezmada por la ausencia de Mr. Brett y con el último aliento de la gira de su más reciente producción, “The Dissent of Man”, situación lamentada por los más puristas de las formaciones originales. Sumado a todo eso, venían a pagar la deuda que muchos fanáticos tomaron ese 10 de abril de 2007, cuando Greg Graffin y compañía abrieran el show de Velvet Revolver en extrañas circunstancias. Más de unos cuantos se acordarán de aquello.

Minutos pasadas las 20 hrs. hizo su entrada BBS Paranoicos, que en poco menos de cuarenta minutos repasaron, como es de costumbre, grandes pasajes de su discografía, no sin irse ovacionados por una audiencia criolla que aún los mantiene en alto.

Los nacionales incluyeron clásicos como ‘Tac’ y ‘Mentira’,  como también material más reciente con ‘Ruidos’, ‘Cristales’ de su disco “Capital” y ‘Tanto insistir’ del “Algo no Anda”. Aprovechando de repasar lo último de su autoría con ‘La victoria del perdedor’ y ‘La Rabia’, entre muchas otras, dentro de lo que media hora les permitió.

21:00 en punto, al puro estilo inglés se daba el vamos a un nuevo show de los californianos en nuestro país. Para la ocasión, abrían con ‘The Resist Stance’, que se desprende de su última producción “The Dissent of Man”, álbum que en primera instancia los encarrilaría a tomar su rumbo a Sudamérica, pero que poco antes de arribar, dejarían en segundo plano para erguir esta nueva incursión, como una suerte de aniversario y costumbre de celebrar en nuestras tierras. ‘Social Suicide’, continuaba con la euforia del repletísimo Teatro Caupolicán, para llegar a su punto máximo con ‘21st Century (Digital Boy)’ y lograr el desenfreno total.

Greg Graffin apoyado por los coros de una emocionada audiencia, era la tónica en cada canción. Así pasaban tremendas interpretaciones de ‘Los Angeles is Burning’, primer corte del “The Empire Strikes First” (2004), ‘Wrong Way Kids’, segunda y última canción de la noche que se desprendía de su última placa. Más ‘Sinister Rouge’, que introducía a los presentes en un estado de comunión con la banda.

Tras un breve speech, el casi calvo vocalista, intenta dilucidar un lugar de Chile a visitar. Concluye en acudir al desierto de Atacama, para luego preguntar si alguno de los presentes se les uniría. Era el turno de ‘Atomic Garden’, que en conjunto a ‘Befeore You Die’, mantenía la atención completa del multitudinario público presente, aún cuando la intensidad disminuyera con esta última canción.

‘Receipe For Hate’ y ‘I Want to Conquer the World’, transformaban las brasas en una hoguera y el Caupolicán se encendía entre los estrepitosos beats de la batería de Wackerman. Con ‘Come Join Us’, no faltó el osado fanático que sorteó la seguridad del escenario para compartir unos micro-segundos el escenario con Graffin y los suyos, para luego realizar arriesgados stage divings.

Luego vinieron aplastantes versiones de la melódica ‘New Dark Ages’, la clásica ‘Do What You Want’ del disco “Suffer” (1988) y la irónica ‘You’ del tremendo “No Control” (1989). Con ‘Modern Man’ y ‘Generator’ en su típica forma en vivo, aumentaban más aun los decibeles y la intensidad transformaba el sector cancha en un verdadero campo de batalla.

‘The Defense’ volvía a lo más reciente de la agrupación, recordando esta gran canción del aclamado “The Process of Belief” (2002). ‘Let Them Eat War’ del “The Empire Strikes First”, hacía de las suyas calmando algo la locura que se vivía a esas alturas en cancha. ‘No control’ al minuto siguiente lograba todo lo contrario, el desenfreno del respetable.

‘Anesthesia’, mantenía la nota alta, y las energías que no pretendían esfumarse en el cuerpo de los más de cuatro mil asistentes. Pero ya el final se avizoraba, ‘Along the way’ del EP de 1984, “Back to the Known” y ‘Fuck Armageddon… This Is Hell’ daban la primera pausa del concierto, antes del “Grande finale”.

Y claro tras el bis, el hattrick lo consiguieron con ‘American Jesus’, ‘Infected’ y ‘Sorrow’ desatando por última vez en la noche, la algarabía y el goce generalizado. Para luego comenzar con las mejores remembranzas de una noche inolvidable.

Es un hecho que Bad Religion pudiendo vivir de su gran legado e influencia en una nueva forma de punk rock melódico, se han esmerado por reinventarse para mantenerse vigentes en el mensaje que pretenden masificar. No necesita introducciones, difusión mediática, ni grandes pancartas, eso no quiere decir que no la merezca. Es más, son todas herramientas de las cuales Graffin y los suyos han prescindido. Y muy proporcionalmente a esa honestidad y cercanía, la paga se les devuelve hasta en el mismísimo Chile. En donde atraen una multitudinaria audiencia fiel y comprometida. Bastaron los primeros acordes de la noche, para corroborar el peso de esta institución del punk rock californiano y mundial.

Fotos por Jorge L. González Guerra

Setlist

1. The Resist Stance
2. Social Suicide
3. 21st Century (Digital Boy)
4. Los Angeles Is Burning
5. Wrong Way Kids
6. Sinister Rouge
7. Atomic Garden
8. Before You Die
9. Recipe For Hate
10. I Want To Conquer The World
11. Come Join Us
12. New Dark Ages
13. Do What You Want
14. You
15. Modern Man
16. Generator
17. The Defense
18. Let Them Eat War
19. No Control
20. Anesthesia
21. Along the Way
22. Fuck Armageddon… This Is Hell
    ————————————————
23. American Jesus
24. Infected
25. Sorrow

De hecho, canciones de su más reciente producción, “Entre ángeles y demonios”, no habían logrado ver la luz tan masivamente como lo hicieron anteriormente con su disco homónimo y el “Vol. 2: El Efecto”, que fueran rotados en MTV por largo rato.

Pero en honor a la verdad, quizás no eran los más adecuados para el público de System of a Down.  Sobre todo por lo tambaleante que ha sido su historia y las mermas en su formación, quizás no le ha permitido erguirse como un absoluto en el repertorio musical nacional.

La lluvia y la oscura escena que formaba el espeso manto de nubes, para algunos fue un intento  por aguar la velada, para otros no fue más que una tétrica imagen que introducía la maquiavélica performance de los armenio-americanos, pero para el bien de la salud de todos, la tormenta que se veía venir amainó y, minutos antes de que Serj Tankian y compañía salieran a escena, el frío era lo único que amenazaba con mermar el entusiasmo de los miles de fanáticos que ya llenaban un encendido Estadio Bicentenario.

21:25 y el telón se interponían entre el escenario y el respetable. La intensidad aumentaba a cada segundo y las jugarretas del equipo de producción no calmaban las ansias por ver a System of a Down en escena. Fue recién cerca de diez minutos después que, entre luces, se veían las figuras de Shavo Odadjian, John Dolmayan, Daron Malakian y Serj Tankian tras el pendón que enarbolaba el nombre de la banda y nada más que ‘Prison Song’ –canción que abre su segundo disco de estudio, “Toxicity” (2001)–  era la que abría una presentación esperada por los más de quince mil fanáticos reunidos para la gran ocasión.

Tras el inicio, el telón caía y la introducción del “Mezmerize”, ‘Soldier side’ continuaba al alza con un despliegue potente de energía. Fue entonces con ‘B.Y.O.B.’ que salió a relucir lo más desquiciado de Daron Malakian y a su vez lo más ridículamente teatral de Serj, con ese “bailecito”, mientras el público coreaba “Everybody’s going to the party…”. Simplemente fue un momento genial.

Ya al inicio Serj Tankian espetaba frases en apoyo a la “causa estudiantil” y cuan orgullosos  e inspirados se sentían gracias a ella. No podía ser menos, si a System of a Down no por nada se le considera casi el hijo putativo de Rage Against The Machine. Si hasta el alcalde “interino” de La Florida veía con recelo la realización de este concierto, dada la demostración de “violencia” que se tuvo para la venida de Zach de la Rocha y los suyos.

Sin duda, el sonido hasta el momento iba bajo y al inicio con leves fallas de ecualización que se fueron corrigiendo en la medida que fueron pasando canciones. Pero por cierto, no importaba, System of a Down comenzaba a sacar la artillería pesada con ‘Needles’, para dar paso a ‘Deer Dance’, ambos tracks que se desprenden del “Toxicity”, en el mismo orden. ‘Radio/Video’ bajaba las revoluciones para volver a sacar lo más teatral de la banda y traía al tapete una gran canción de su disco “Mezmerize”. Las vocalizaciones entre Daron y Serj eran sin duda impresionantes, aunque le faltara algo de volumen.

‘Hypnotize’ le daba la batuta a Malakian, aunque la intensidad de las canciones bajaba, el sonido mejoraba, la conexión de la banda para con su público no podía más que tildarse de fluida y perfecta. ‘Question!’ seguía con la tónica, pero esta vez el ánimo volvía a subir, Serj no paraba de mirar atónito cómo el público en su totalidad coreaba cada una de las letras. A veces, incluso, superándole en volumen.

‘Suggestions’ fue un “vacilón” de aquellos. La banda se notaba estar pasándolo (perdonándome la expresión) “la raja” arriba del escenario. Todo muy dentro de sus parámetros, excepto el melenudo guitarrista, que ya demostraba  su extravagante personalidad.  Con ‘Psycho’, canción que se desprende del record de ventas “Toxicity”, le daba la pasada a Shavo Odadjian para que entrara en primer plano con su bajo.

Con ‘Chop Suey!’ y ‘Lonely Day’, les daban por fin tregua a los fanáticos de éxitos radiales para que escucharan lo más mediático del cuarteto. Porque sin duda, a pesar que ya el público coreara potentemente todas las letras, para estos dos singles la potencia de la audiencia aumentó exponencialmente.

‘Bounce’ y ‘Kill Rock ‘N Roll’ mantenían la nota alta, la primera por medio de la agresividad de sus guitarras y la segunda por medio de la potencia melódica que caracteriza la dupla Tankian/Malakian en las voces. ‘Lost in Hollywood’ daba paso a lo más emotivo y autocrítico de la banda. Ya tras más de quince canciones, el concierto se erguía como uno de los grandes eventos de este año y, me atrevo a decir, que así lo fue hacía el final.

A modo de anécdota, oí decir repetidamente a la salida que ‘Forest’ fue una de las mejor recibidas y aplaudidas por el respetable. La suma de los rototoms de Dolmayan,  la guitarra aplastante de Malakian y la creciente intensidad en el bajo de Odadjian, más la desgarradora voz de Tankian, al parecer fueron lo más agradecido de la noche.

Luego ‘Science’, con juego de luces y el tablero que se movía hacía arriba y abajo. Ni el despliegue de grandes canciones, mucho menos la entrega del público parecían rendirse. El derroche de energías era tremendo de ambas partes. Entonces aparecía el pendón de las montañas y muchos pensaron que era el momento de ‘Atwa’, lamentablemente para esos muchos que sí la esperaban, no llegó. Pero si ‘Holy mountains’ del “Hypnotize” (2005).

Tras la pseudo pausa, ‘Aerials’ volvió a encender los ánimos al máximo. El single sigue latente en el oído de los más de quince mil fanáticos. ‘Vicinity of obscenity’, ‘Tentative’ y ‘Cigaro’ daban paso al tridente más irreverente del repertorio de la banda.

Así  llegábamos al final con el telón con la portada de su primer disco. ‘Suit-Pee’, la que abre dicho álbum, más ‘War?’ sacaban las telarañas y el polvo sobre esos dos tremendos extractos de su disco debut. ‘Toxicity’ ya hacía pensar en un final y la satisfacción una media hora antes, ya era evidente por ambas partes. Malakian, agradecido, se sinceraba con su equipo de producción y el público en general. Para finalizar, fue más que suficiente la frenética ‘Sugar’ corte de presentación de System of a Down por ese lejano 1998 cuando recién salían a la luz mundial.

Fotos por Cristian Soto L. (DG Medios)

Setlist:

1. Prison Song
2. Soldier Side – Intro
3. B.Y.O.B.
4. Needles
5. Deer Dance
6. Radio/Video
7. Hypnotize
8. Question!
9. Suggestions
10. Psycho
11. Chop Suey!
12. Lonely Day
13. Bounce
14. Kill Rock ‘n Roll
15. Lost in Hollywood
16. Forest
17. Science
18. Holy Mountains
19. Aerials
20. Vicinity of Obscenity
21. Tentative
22. Cigaro
23. Suite-Pee
24. War?
25. Toxicity
26. Sugar

De aquí a un resto de tiempo, hemos sido tocados por la diosa de la suerte, y nos hemos podido dar el lujo y el gusto de poder sacarnos muchas de esas espinas clavadas. Y aunque sea con bastantes años de desfase, como es el caso de Primal Scream, se perdonan esos azares del destino cuando tenemos la posibilidad de disfrutar en vivo el increíble Screamadelica. (1991, Creation)

Hoy nos presentaba la oportunidad de celebrar los 20 años de uno de los discos fundamentales para la historia musical de los años 90 y venideros. Disco padre del Brit-Pop que luego nos ahogó en los años 90, y abuelo de tantos otros movimientos (unos más agradables que otros) que lo siguieron, disco pionero en mostrarnos que los sintetizadores y las guitarras si podían convivir juntas. Además de ser la respuesta británica al emergente Grunge que en paralelo nacía en Seattle de la mano de Cobain y muchos más.

Por ahora la espera terminó y hoy era el momento de celebrar.

Pasadas las 21:30 hrs. salta al escenario la banda escocesa cargada de las expectativas de los asistentes, comienzan la fiesta con “Movin’ On Up” y de la mano de su entusiasta corista, con ese pegajoso y exquisito coro, poniendo patas para arriba a todo el Caupolicán.

La fiesta continuaría, así como manda el vanguardista disco, con la sicodélica “Slip Inside This House”; ya aquí Bobby Gillespie comenzaba a apoderarse del show embrujándonos con ese gigante carisma que lo caracteriza, no paramos de bailar y gritar al son del piano, y los efectos sicodélicos de fondo.

Ya el sonido distorsionado de los teclados de Martin Duffy nos avisa que esto no para. Seguimos con “Dont Fight It, Fell It”, así como nos dice la canción, no batallamos y nos rendimos al acid house y la deliciosa voz de la corista de la banda.

Ahora como en los mejores recuerdos de las fiestas de los noventa aparecen los lentos; Gillespie nos lleva a uno de los momentos emotivos de la noche, acompañado de la guitarra acústica ejecutan “Damaged”. El silencio y la quietud sólo lo rompían los melódicos cantos de Gillispie. Para colocar los pelos de punta.

Luego llego el momento de la sicodelia y la distorsión: de la mano “I’m Comin’ Down”, “Inner Flight” y la excelentísima “Higger Than the Sun, las que nos llevaron a los momentos más altos de la noche. Nota aparte merecen las proyecciones que acompañaban cada canción que, quizás con alguna sustancia ilícita en el cuerpo, no dudo que lograban llevar a lugares y sensaciones inimaginables.

Pero esto era un fiesta y nos lo recordarían con “Loaded” y “Come Together”, en esta última canción dedicándola a las protestas que han ocurrido últimamente en Chile, y por ahí recordándonos lo importante que es para cada revolución su banda sonora.

Así se retiran los escoceses con la labor cumplida con lo que respecta al Screamadelica y a la espera de los gritos desesperados por su vuelta, los cuales de a poco fueron subiendo su intensidad, quizás justificados por la energía gastada en tanto alarido y baile permitido. Volverían finalizando con las canciones “Country Girl”, “Jailbird” y con la guinda de la torta de la noche, “Rocks”, en donde, así como llegamos, nos fuimos: bailando.

Un concierto, al igual que el disco, impecable, con casi todas las necesidades espirituales saciadas, dignos de una banda de su nivel. Quizás lo único que nos queda por esperar, es el momento en que “XTRMN” cumpla 20 años y quizás, si es que siguen vivos, volvamos a repetirnos el plato, ganas no faltan.

Fotos por Andrés Lagos (Transistor)

Es cierto que esta banda, que debutara en un lejano año 1999 y saliera a la luz con su primer LP “The Second Stage Turbine Blade” en 2002, no forma parte del inventario colectivo de la audiencia chilena. Una lástima. Pero no empaña el tremendo trabajo que han hecho desde entonces.

¿El lugar? El Teatro Oriente, que a decir verdad es una locación a la altura y, a pesar del hecho que tuviera asientos, no mermó el accionar del público con la banda. El escueto espacio, fue lugar perfecto para instaurar un ambiente grato, casi familiar. En donde dio gusto que la audiencia chilena supiera comportarse en un entorno prácticamente sin seguridad y que permitía admirar el oficio del cuarteto neoyorquino en primerísimo primer plano.

Coheed and Cambria, presentó un setlist preciso y muy equilibrado entre sus cinco placas de estudio, aunque levemente se inclinó hacia su segundo disco “In Keeping Secrets of Silent Earth: 3” (2003). Se dieron el lujo de repasar algunos de sus grandes éxitos como ‘Devil in Jersey city’ o ‘The Crowing’, de sus dos primeros álbumes.

La entrada no fue más pintoresca que la de cualquier otro concierto, no hizo falta más, para que los más de setecientos presentes se pusieran de pie entusiasmados, para apoyar en los coros al melenudo vocalista, desde el primer minuto.

‘No world for tomorrow’(2007), ese track del disco del mismo nombre, distintivo de lo progresivo pero también vintage, daba el puntapié inicial con que Coheed and Cambria deleitaría por más de hora y media a la afortunada audiencia. Para seguir con otra joyita del mismo disco, ‘Gravemakers and Gunslingers’ y los créditos de Chris Pennie (ex Dillinger Escape Plan) comenzaban a vislumbrar como un evidente punto alto.

Con ‘Ten Speed (Of God’s Blood And Burial)’ del “Good Apollo, I’m Burning Star IV, Volume One: From Fear Through the Eyes of Madness”, ‘A Favor House Atlantic’ y ‘The Crowing’, del “In Keeping Secrets of Silent Earth: 3”, continuaron la escalada de calidad de una presentación que se hacía exquisita a los oídos del respetable. No es para menos, el mundo paralelo –entre discos e historietas (“The Amory Wars”) y toda su cronología- creado por Claudio Sanchéz y sus secuaces, es casi onírico.

De pasada sonaron la emotiva ‘Pearls of the Stars’ y ‘Here we are Juggernaut’, de su último opus de estudio “Year of the black rainbow” (2010). Para luego dar con la parte más enérgica e intensa del show, la melódica y rockera (y todo un clásico) ‘Devil in Jersey city’- de su disco de 2002-  y una potente interpretación de la oscura ‘The Camper Velourium III: Al The Killer’, del disco que lanzaron al año siguiente.

Juntar ‘Everything Evil’ y ‘The Trooper’ (cover de Iron Maiden) fue una gran idea. Mezclar la gran canción de su primer disco con el incombustible clásico de los respetados músicos ingleses. Luego ‘In Keeping Secrets of Silent Earth: 3’ del disco de 2003, que se titula de igual forma, fue de las más coreadas.

Tras un breve receso, Coheed and Cambria volvió entre los vítores del público para cerrar con un hattrick de lujo. Empezando por ‘World of lines’, de la línea más adolescente de su última placa, para continuar con ‘Delirium trigger’, que muy bien le hace honor a su nombre, y en Oriente gatilló aún más delirio. Los asistentes no querían pensar en un final.

Pero claro, Coheed and Cambria daría en el gusto a la voz general para cerrar con la potencia de ‘Welcome Home’ y, así, finalizar una presentación herméticamente perfecta, sin deslices ni fallas en absoluto.

Por cierto, que el público quisiera más, finalmente no provocó problemas. Mal que mal todos quienes presenciaron tal despliegue de técnica, calidad y exquisitas sonoridades que la banda brindó, se fueron con una mano delante y otra detrás, pero con la satisfacción de haber disfrutado un directo de gran calidad, y que difícilmente se les borrará de la retina.

Setlist:

1. No World For Tomorrow
2. Gravemakers And Gunslingers
3. Ten Speed (Of God’s Blood And Burial)
4. A Favor House Atlantic
5. The Crowing
6. Pearl of the Stars
7. Here We Are Juggernaut
8. Devil In Jersey City
9. The Camper Velourium III: Al the Killer
10. Everything Evil / The Trooper
11. In Keeping Secrets of Silent Earth: 3
    –––––––––––––––––––––––––––––––––
12. World of Lines
13. Delirium Trigger
14. Welcome Home

En un teatro Caupolicán repleto y luego de unos 20 minutos de retraso debido a una larga prueba de sonido durante la tarde, entran a escena los músicos –entre ellos una docena de cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Chile- comandados por il generale Patton. La ovación no se hizo esperar.

Como ha sido común en prácticamente todos los conciertos, “Il cielo in una stanza” fue el pie de entrada. La siguieron rápidamente y sin respiro “Che Notte!”, que popularizara hace exactamente 50 años Fred Buscaglione con su personaje de Fred Bombardone en la película “Noi Duri”; “Ore d’amore”, versión calcada a la de Fred Bongusto del ’67 y la popular –a juzgar por la reacción del público asistente- “20 km al giorno”.

Con el viento a favor y la asistencia ya en el bolsillo, Patton y sus italianos bajaron las revoluciones con la bellísima “Quello che conta”, también popularizado en una película italiana de mitad del siglo pasado, “La Cuccagna”.

Cambio radical con “Urlo Negro” y sus particulares voces y percusiones frenéticas, para nuevamente volver a la parte calma de esta montaña rusa de Mondo Cane, con un clásico bastante conocido en nuestro país: “Legata ad un Granello di Sabbia”, tema que acá se conoce más por la voz de Nico Fidenco que por la de Patton, pero que no sería de extrañar que esa tendencia se revirtiera.

Con ovaciones, como toda la noche, continuó con “Deep Down”, y me detengo aquí para comentar de la impresionante gama vocal de Mike Patton, tal como lo demuestra en este tema, partiendo con un tono imposiblemente bajísimo, para llegar a unos agudos a boca abierta que cualquiera creería que no es el mismo tipo quien produce ambos sonidos. ¡Seco!

Luego vinieron la juguetona “Legata ad un Granello di Sabbia” (que recuerda fugazmente esa rareza llamada “Adult Themes for Voice”); la hermosa “Scalinatella” que estuvo opacada por un par de “espontáneos” algo gritones, detalle que denotó la molestia de Patton; “L’uomo che non sapeva amare”; “Ma l’Amore no”; “Canzone”; “Ti offro da bere” y “Dio come ti amo”, todas con esa familiaridad de la infancia (al menos los que ya pasamos los 30) y perfectamente ejecutadas.

Ya nos acercábamos al final y fue el turno de “Storia d’Amore” con un Patton preguntándose “por qué” al ritmo de las palmas de los entusiastas asistentes; la romanticona “Lontano, lontano”; la fantomasiana “O Venezia”; la festivalera “Yeeeeeeh!” y la simplemente grandiosa “Senza fine”.

Patton se retira, pero no sus músicos, lo que significaba obviamente que vendría un merecido encore. Así sucede, sin embargo antes tuvo la cortesía de presentar a cada componente de su orquesta. Los más destacados y reconocidos por el público fueron Vincenzo Vasi, entre otras cosas encargado de el Theremin, instrumento que entrega el tono destacado que tiene la puesta en escena de Mondo Cane; los ya mencionados encargados de las cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Chile; Scott Amendola en la batería y Trevor Dunn en bajo (el más vitoreado), quienes ya nos habían visitado con The Nels Cline Singers.

Dicho encore incluyó “Una Sigaretta” y “Sole Malato”. Así concluyó un espectáculo perfecto, con un Patton brillando de una forma desconocida para nosotros, al menos en vivo y en directo, con una orquesta reducida en cantidad pero monumental en su calidad y en los arreglos, seguramente en un principio echamos de menos a uno que otro integrante original del proyecto, pero sólo hicieron falta unos minutos para olvidarnos de la ausencia y dejarnos llevar por la omnipresencia de este Mondo Cane, que nos trasladó durante hora y media a un Mondo Magico.

Con casi 30 años de carrera los Red Hot visitaban por tercera vez Santiago, esta vez para presentar “I’m With You”, su más reciente trabajo lanzado hace sólo unas semanas. La misión en esta gira no sólo era mostrar su nuevo álbum, sino que mostrar estas nuevas –y viejas canciones– con Josh Klinghoffer en la guitarra, tras la salida de John Frusciante el 2009.

Probablemente Anthony Kiedis, Flea y Chad Smith no podrían haber encontrado a un mejor suplente para el carismático Frusciante, y lo tenían ahí. Es que Klinghoffer los acompañó en la gira anterior como segundo guitarrista, comparte discografía con el ex-Red Hot; como el álbum que tienen ambos: “A Sphere In The Heart Of Silence”, su gran participación en los álbumes solistas de Frusciante, o el proyecto que comparten junto a Joe Lally, Ataxia. Klinghoffer logra traer nuevos aires a la banda y comparte mucha onda, aunque no logra los coros de su partner Frusciante.

Como previa al show de los californianos, Chancho en Piedra inició la jornada, para luego dar paso al show de los ingleses de Foals, quienes fueron invitados por los Chili Peppers a abrir toda su gira por Sudamérica. Presentaron un set sólido de 7 canciones, pero que no logró disminuir el apetito del público que esperaba el plato de fondo, por lo que en las últimas canciones tuvieron que aguantar bastantes pifias.

A eso de las 21:50 se apagan las luces para dar inicio al espectáculo esperado. Con “Monarchy of Roses”, el primer track de su nuevo trabajo, Red Hot Chili Peppers pusó a saltar de inmediato al público presente. Siguieron con “Can’t Stop” y “Tell Me Baby”, para luego bajar las revoluciones con “Under The Bridge” coreada por gran parte del estadio.

Entre el show, algunos fanáticos cantaron el “Cumpleaños Feliz” a Clara Balzary, hija de Flea, quien estaba al costado del escenario, pero no se atrevió a salir ante el llamado de Anthony Kiedis. El bajista agradeció vía Twitter el gesto de estos fans.

Finalizando la primera parte del set se largaron con las coreadas “Otherside” y “Soul to Squeeze”. “Higher Ground”, la versión de la original de Stevie Wonder que editaron en su álbum de 1989, “Mother’s Milk”, entremedio de los singles “Californication” y “By The Way”, pusieron fin a una sólida y ovacionada presentación. Los seis músicos en escena se bajan del escenario, para luego volver por más.

Con un solo de Chad Smith comienzan a aparecer nuevamente en el escenario. Josh Klinghoffer con toques a su guitarra, y luego Flea bailando al ritmo de Smith para comenzar esta última parte con “Dance, Dance, Dance”, también de su último trabajo, para luego terminar con una tripleta del “Blood Sugar Sex Magik” (1991): “Sir Psycho Sexy”, “They’re Red Hot” y “Give It Away”. Antes de empezar con la última, el bajista mandó un mensaje de aliento para los chilenos: “Suerte a todos y buena suerte con la educación. Educación gratis para todos”.

Una sólida cuarta presentación fue lo que nos dejó el cuarteto, con un setlist que si bien tuvo como principal su nueva producción, también pudo recorrer gran parte de su trayectoria, dejando conforme a quienes asistieron al recinto de Macul.

Setlist:

1. Monarchy of Roses
2. Can’t Stop
3. Tell Me Baby
4. Under the Bridge
5. Ethiopia
6. Around the World
7. The Adventures of Rain Dance Maggie
8. Dani California
9. Factory of Faith
10. Otherside
11. Me & My Friends
12. Soul to Squeeze
13. Californication
14. Higher Ground
15. By the Way
    ––––––––––––––
16. Chad Smith Solo/Dance, Dance, Dance
17. Sir Psycho Sexy
18. They’re Red Hot
19. Give It Away

Limp Bizkit llegaba a Chile tras un fallido intento por venir en 2010, luego que el mismo Durst sufriera una lesión que lo dejara imposibilitado. Con Wes Borland, guitarrista y miembro original de la banda, retornado meses antes del comienzo de la gira en 2009. Con nuevo disco bajo el brazo, y con todo a su alrededor, aparentemente a su favor. No era para más, 10 años de espera, una larga travesía que muchos olvidaron en el camino pero que en otros nació y en los más leales se renovó.

Lenta fue la llegada de los fanáticos, es que el Movistar Arena estuvo lejos de llenarse, a pesar que el escenario estuviera casi en la mitad del recinto. Los más de cinco mil asistentes desbordaron el lugar más por el despliegue de energía que por cantidad.

A pesar de los largos diez años, es notable el arrastre y la influencia que tiene esta banda rap metal americana. Es decir, mantienen el rango de fanáticos que les siguen, si bien la audiencia anoche 21 de julio no era multitudinaria, si lo era en gran parte novicia. Es que en este largo periodo sin duda han sufrido un recambio.

A lo nuestro. El periplo comenzó pasadas las 20 hrs. cuando Alex de la Fuente y una formación de 2X reformada y llena de fuerza que por medio de grandes clásicos como ‘No lo podrás sostener’, ‘A romper la calma’, con la participación de Pablo “Didi” Ferrari (ex Sangre Aborigen, actual Retumba). Para dar paso a una ovacionada ‘La fuerza policial’, el caballito de batalla con que 2X se bajó en gloria y majestad del escenario. Pero no fue, sino tras ‘Juicio y Castigo’, que la banda finalizara una tremendamente aceptable presentación.

Tras un poco más de media hora de 2X en el escenario, la aparición de la sediciosa figura de Fred Durst, el estrafalario guitarrista Wes Borland, el mítico DJ Lethal (ex House of Pain) y la gran dupla que conforma John Otto (Batería) y Sam Rivers (Bajo), estaba por venir. El público que tímidamente sumaba, se notaba impaciente. Pero el rápido actuar de los roadies de 2X, sumada a la previa preparación del escenario para la presentación de los de Florida, ayudó a que la espera no fuera extensa.

Fue entonces cuando aparecieron uno a uno los integrantes, y tras la introducción ‘Introbra’, el quinteto norteamericano irrumpía en Chile por primera vez. Para desatar el furor y la algarabía colectiva entre los presentes con ‘Why Try’, de su última placa “Gold Cobra”. Luego, con ‘Pollution’, daban el primer batatazo de la noche, aquella joyita de su primer disco, “Three Dollars Bill Y’all” (1997). Y claro eso fue todo, porque en adelante, todo se centró en el “Chocolate Starfish and the Hot Dog Flavoured Water” (2000) y en menor medida en el “Significant Other” (1999).

Entonces vino ‘Hot Dog’ y los “fuck” iban y venían, el Movistar Arena a estas alturas se comenzaba a rendir frente a una banda que al fin pagaba su gigantesca deuda con el público chileno y claro comenzaba a hacerlo con Sudamérica.

‘Break stuff’ encendió los ánimos hasta el techo, la temperatura de golpe y a los fanáticos que apostados en todos los sectores del recinto se pusieron a saltar y disfrutar. La comunión de los aficionados con la banda, ya establecida, permitía a un maqueteado Durst interactuar con los presentes, con cada vez mayor fluidez.

El trajín de la banda incluyó luego ‘My Generation’ adjunta a ‘Livin it up’, que desembocó en una emotiva interpretación de ‘Re-Arranged’ y la cercanía del quinteto con la fiel audiencia llegaba a su punto máximo.

Llamó constantemente la atención la actitud de Wes Borland, que junto al resto de sus compañeros, a excepción de Durst, se mostró bastante distante y molesto, aparentemente, por el sonido. Se sentía algo de tensión en las filas del quinteto en la medida que el show seguía en curso. A título personal, me pregunto si habrá sido mi imaginación, o ¿no?.

‘Eat you alive’, pasaba como un nuevo punto de ignición, que con ‘My way’ y ‘Nookie’ desataban la entrega de un público, que no podía ser catalogada de otra forma, como notable, no pararon de corear. Todo eso, sumado al oficio que más bien se advertía como un sonido cada vez más similar al de estudio y una correctísima puesta en escena.

Tras las constantes pausas entre canciones, y la contundencia de Durst al espetar tan decidora frase: “Fuck you!”, a lo cual el público le respondería de la misma manera. Para que luego el calvo vocalista explicara: “Es muy divertido decir esa palabra… …No sé por qué”. Hasta el momento todo era jolgorio, y Dj Lethal insistía en tratar de sacarnos de contexto pinchando discos con beats electrónicos, y hasta un pedazo de ‘Jump around’.

Al término de tales intromisiones, fue cuando la emotividad llenó al local del Parque O’Higgins. El cover de The Who, incluido en su placa de 2003 “Results May Vary”, empezó a sonar.

Tras el gran momento, que encumbró a Limp Bizkit en lo más grande, con ese paupérrimo cover. Fue el turno de subir el volumen y la distorsión nuevamente, con una breve introducción por parte de Borland. ‘Boiler’ continuaba con una presentación que para muchos comenzaba a cerrar una etapa que permanecía trunca hace años.

La melodía de Misión Imposible III, salía de la guitarra de Borland y del bajo de Rivers ahora, la euforia para variar se erguía como invitado entre el público y el escenario. Ya se olía el final del show. Sobre todo si consideramos que bandas de este tipo no suelen esforzarse mucho por seguir tocando. Recordemos que las tres presentaciones de Korn que ya ha registrado en Chile ninguna ha alcanzado los 110 minutos de duración, asimismo pasó con Deftones en 2001, 2006 y 2011 y con Slipknot en 2005 por enumerar algunos ejemplo.

Para entonces Fred Durst quién se había retirado del escenario, vuelve a salir y pregunta: “¿Quieren más? ¿Tienen algún pedido que hacerme?”, a lo cual el público responde dividido entre ‘Faith’ y ‘Rollin’’, causándole una confusión a Durst y una serie de malos entendidos.

Finalmente todo terminó con el clásico cover de George Michael, ‘Faith’. La canción que hace más de 15 años les valiera gran parte de la fama y el renombre que hoy ostentan. Esa misma, comenzaba a cerrar una noche redonda. En donde fanáticos y banda, acaparaban primeras impresiones del otro. Y satisfacían una deuda que por mucho tiempo había permanecido sin saldar.

Tras el “intento de numerito” de Durst con las féminas presentes, y con la libido más apaciguada, luego que una fanática casi lo “comiera a besos”. Durst subió a un individuo del público a cantar ‘Full Nelson’, contrariando el pedido popular por ‘Rollin’, que vendría después a cerrar el set. Fred Durst, hizo lo que quiso en su paso por Santiago y sin duda reafirmó el porqué de su fama.

Setlist:

1. Why Try
2. Pollution
3. Hot Dog
4. Break Stuff
5. My Generation
6. Livin’ It Up
7. Re-Arranged
8. Eat You Alive
9. My Way
10. Nookie
11. Behind Blue Eyes
12. Boiler
13. Take a Look Around
14. Faith
15. Full Nelson
16. Rollin’

Slayer y Tom Araya a estas alturas se han vuelto un cliché de los símbolos patrios. Es el origen de gran orgullo de muchos, y deleite de otros tantos que degustan de lo más clásico del THRASH METAL AMERICANO. Bajo esa perspectiva las expectativas eran altas. Siempre lo han sido, así lo fue en 2006 para su última visita. Situación que incluso hizo de estos cinco años, una larga espera.

Tras la espera, una improvista aparición de Thornafire en la oscuridad de un escenario, que aparentemente aún no estaba listo para ellos. Sumaba entonces, la típica presentación de apertura. Con una ecualización deplorable, la típica recepción fría y tras una escueta performance que incluyó temas como ‘Hacia la ruina del Agartha’,  ‘Sucubación’ y ‘Deconstrucción’ y que no duró más de 25 minutos, salían con la satisfacción de una misión cumplida.

Comenzaba la recta final para esta nueva incursión de Dave Lombardo, Kerry King,  Tom Araya y Gary Holt (en reemplazo temporal de Jeff Hanneman) en nuestro querido Chile. La cada vez más enardecida audiencia aguantaba encendida, y entre el ritmo de AC/DC por los parlantes, los vítores, chiflidos y gritos de ansiedad se comenzaba a vibrar lo que estaba por venir.

Tras una espera más tensa que larga al fin el infierno se desataba y el track que titula su último disco y la gira que los trajo a estos lares. ‘World painted in blood’ abria los fuegos con potencia mas no perfección. Pero no importó, Tom Araya ya se erguía en el medio secundado por la dupla de guitarras de King y Holt a sus costados. Más un inspirado Lombardo ubicado al alero de un imponente pendón. Aquél con el logo de la banda entremezclado con un pentagrama e inserto en el águila, típico emblema romano. Otros dirán NAZI.

Pegada a la introducción y la primera canción vino otra de su último disco ‘Hate worldwide’ que daba paso a los primeros clásicos noventeros de la banda. Toda la potencia de ‘War ensemble’ del “Seasons in the Abyss” (1990) sumada a la aplanadora de ‘PostMortem’ del mundialmente aclamado “Reign in Blood” de 1986 y ‘Temptation’ también de su placa de 1990 aumentaban el calor en el Movistar Arena, aunque la recepción del público aún era algo “tibia”.

‘Stain of mind’, del “Diabolus in Musica” (1998), y ‘Disciple’ del álbum “God hates us all” (2001) reponían con material noventero que no daba tregua a una audiencia que gozaba y sufría los embates de los pastosos riffs que expelían de la guitarra de King.

Tom Araya por su parte se esforzaba en espetar uno que otro “chilenismo” y que complementaba con alguna otra frase en inglés. Se dio el gusto por enardecer al público presente con arengas que solo buscaban una loca reacción del mismo. Por otro lado se tomó algunas libertades e insinúo hasta frases con tintes políticos y sociales, que al pasar los minutos no reforzó más que con cada canción.

Así pasaron, el tremendo track del “Season of the Abyss”, ‘Dead skin mask’, seguida de una aplaudida ‘Dittohead’ y ‘Americon’ que hace referencia al país que está en boga criticar, Estados Unidos. No hace falta mucho para darse cuenta, “Americon, it’s all about the mother fucking oil / Regardless of the flag upon it’s soil”.

La sorpresa se la mandaron con ‘Not of this god’, también de su última placa, que a pesar de haberla lanzado en 2009 junto al resto del álbum, no la habían interpretado en toda la gira.

Ya tras la exclusiva, todo fueron clásicos y el sonido se volvía cada vez más pulcro, potente y avasallador. ‘Mandatory suicide’ del “South of Heaven” (1988), seguida de ‘Chemical Warfare’, que inicialmente se incluyera como bonus track en la reedición del disco “Show no mercy”, en 1987. Mantenían el ritual en su máxima expresión, Tom Araya seguía liderando una verdadera comunión con su fanaticada criolla.

A esas alturas, la multitudinaria audiencia presente aún estaba expectante en busca de más material de lo más medular del repertorio de los de California. Pues claro, el concierto ya se perfilaba hacia el final. Un poco más de una hora de intenso despliegue, pero que aún no se veía en su peak.

Pero que el triplete de ‘Ghosts of war’ de su opus de 1988, ‘Payback’ del ‘God hate us all’ y ‘Seasons in the Abyss’ del disco con el mismo nombre, se encargaron por acercar la entrega de Slayer, más a ese tope. Antes de la primera salida, aprovecharon por interpretar ‘Snuff’, que si bien es de lo más nuevo de la banda, cayó de cajón a lo que estaba pasando y despidió a la banda a lo grande.

Pero no fue sino hasta el encore que la locura, y la verdadera potencia se vio representada en su forma magnánima. ‘South of heaven’ del disco de 1988, del mismo nombre al igual que ‘Raining Blood’, del disco de 1986, también ‘Black Magic’ del “Show no mercy” y ‘Angel of death’ de su opus máxima “Reign in Blood”. Todas, piezas maestras y fundamentales de la banda, fueron sin duda parte de otro momento, otro concierto, otra vida, otro mundo.

Fueron las encargadas de cerrar otra exitosa presentación de Slayer en nuestro país, y por cierto la razón de locura de los más de diez mil fanáticos que gozaron hasta el fin con tal despliegue de poder. Hasta llegaron a prender bengalas durante ‘Angel of Death’, para transformar ese momento en tensión pura aunque intensamente emocionante.

Setlist

1. World Painted Blood
2. Hate Worldwide
3. War Ensemble
4. Postmortem
5. Temptation
6. Stain of Mind
7. Disciple
8. Dead Skin Mask
9. Dittohead
10. Americon
11. Not Of This God
12. Mandatory Suicide
13. Chemical Warfare
14. Ghosts of War
15. Payback
16. Seasons in the Abyss
17. Snuff
    ————————————
18. South of Heaven
19. Raining Blood
20. Black Magic
21. Angel of Death

Desde esa época ya podíamos ver a un Tricky debatiéndose entre el bien y el mal. Con sonidos obsesivos y delirantes que bipolarmente se transformaban en juegos provocadores. Así al menos lo percibimos desde su primer álbum “Maxinquaye” de 1995, que continuó de igual manera en “Angels With Dirty Faces” y en colaboraciones tan significativos como en el disco “Post” de Björk.

Con el paso del tiempo, como todo héroe incomprendido, Tricky se ahogó en sus demonios que lo acompañaron por túneles de depresión, cambios de humor y arrebatos tan incomprensibles como el destruir toda una habitación de un hotel sólo porque alguien se había equivocado con su pedido. Pero estos ataques no eran del típico rockstar influenciado por las drogas y el estrellato. Lo de él siempre fue un lado oscuro que lo asfixiaba, que lo atrapaba en un autismo claustrofóbico y que intentaba exorcizar a través de su música.

Este infierno con el cual lidiaba y que fue su fuente de inspiración, también lo condujo a huir de la escena musical buscando ayuda en tratamientos psiquiátricos y cambiándose a un nuevo manager que le dio un giro más iluminado a su vida. Un nuevo camino que se observó desde “Blow Black” y que se materializa con más fuerza en “Mixed Race” producción ambiciosa por donde transitan influencias jamaicanas, africanas y francesas. Último trabajo que lo trae por segunda vez a nuestro país.

La noche del domingo es justamente eso, un recorrido por los submundos de este personaje que entra en escena apenas percibido por las sombras, sólo unos focos azules y rojos dejan ver una delgada figura que se mueve inquietantemente sobre el escenario para comenzar con “You Don’t Wanna” de Blow Back, canción que inmediatamente nos recuerda las bases de Sweet Dreams, pero con el sello propio de este artista del collage que es capaz de transformar cualquier pieza musical en algo completamente nuevo.

Luego continuaría con “Really Real”, donde aparece la dulce y sensual voz de Franky Riley, cantante que grabó en el último trabajo, “Mixed Race”, y que es el complemento perfecto a la voz excitantemente gastada de Tricky. En este punto, comenzamos a notar al resto de la banda, dos chicas rubias a cargo de la batería y el bajo. Otra, de piel mestiza, que toca delicadamente la guitarra mientras se mueve sensualmente bajo un foco rojo. Y un hombre en el fondo a cargo de las programaciones. Rincón que cada tanto Tricky iba a supervisar como maestro de orquesta que da órdenes a cada uno de sus músicos.

Una vez sumergidos en este inquietante universo llega “Puppy Toy”, excitante interpretación que nos introduce a un mundo de bares bohemios donde el blues era el fondo perfecto para los más famosos nightclubs de Harlem, visión que rescata Tricky con su insinuante propuesta escénica donde predominan sombras que se pierden en luces rojas, azules y otras amarillas que cada tanto dejan ver una gran lengua húmeda que emerge de los labios carnosos de este oscuro demonio.

Más tarde continuaría con la sugestiva “Overcome” de su álbum debut y con el alucinante cover “Ace of Spades” de Motörhead. Canción que es bailada indomablemente por Tricky, quién con solo un gesto de su mano da la orden para que seguridad ayude a subir a una treintena de personas al escenario. Masa que sube enardecida y comienza a saltar frenéticamente bajo los flash de luces blancas que iluminaban estroboscópicamente todo el escenario, mientras la figura delgada y oscura de Tricky se perdía entre la multitud.

En ese momento, todos los que seguíamos abajo nos vimos sumergidos en una especie de éxtasis contenido por no ser parte de los que se atrevieron a subir. Sin embargo, esta pequeña exclusión es aliviada rápidamente por el mismo Tricky, quién decide bajar y seguir bailando junto a todos nosotros, quienes lo elevamos al cielo como una figura venerada que es entregada de mano en mano para obtener algo de su energía.

Y siguiendo con esta ceremonia frenética llega “Council Estate” y todo vuelve a transformarse en una gran pogo que mueve a la multitud al son de cada base punk de esta canción. Para luego continuar con “Kingston Logic” donde Franky hace un rapeado juego de palabras, mientras Tricky se mueve a su lado con el torso desnudo, que se ilumina solo por unos focos azules que emergen del fondo del escenario con cada beat.

Para seguir viajando un poco más profundo llegaría “Past Mistake”, donde nuevamente muchos vuelven a subir a escena atraídos por este demonio erótico que sigue introduciéndonos en estas saturaciones delirantes que nos arrastran placenteramente por laberintos. Caminos donde nos perdemos sin la obsesión de encontrar la salida. Un acto de descubrir la música más allá de reconocerla. De interactuar hasta tal punto, que el mismo Tricky vuelve sobre todo nosotros estirando sus largos brazos para volver a perderse en el mar de personas.

Para quienes hemos escuchado a Tricky desde los tiempos de Massive Attack, ya deberíamos estar acostumbrados a los registros bajos y sugestivos a los que llega su voz, una experiencia única que sin duda puede tan aterradora como placentera. Como cuando interpreta “Vent” con un baile sinuosamente excitante que es interrumpido cada tanto por su esquizofrénica cabeza que se mueve con fuerza de lado a lado como intentando exorcizar los demonios que acosan sus pensamientos. Una escena que se complementa con un largo brazo que sube apuntando al cielo y a cada integrante de su banda, como con el poder mental de hacer hablar y callar cada sonido con tan solo levantar su índice. Entonces nos vuelve a levantar el brazo para que hagamos lo mismo, luego apunta al cielo, a nosotros y la nada.

Sin duda, este concierto fue una experiencia de sonidos oscuros que fueron impecablemente interpretados por una iluminada voz femenina, que nos ayudó a recorrer estos parajes inquietantes y a la vez embriagadoramente lúcidos que componen la mente y el alma de Tricky. Un fiel reflejo de que no podemos ver el cielo sin haber pasado antes por el infierno.

Fotos por Felipe Ramírez A.

De estas dos corrientes imperantes del viejo mundo nace, a fines de los 70, la respuesta americana con su propia visión del rock, el Glam Metal. Caracterizado por el joven rockstar, sexualmente atractivo, provocador y por sobre todo irreverente. Chicos con cabelleras largas y escarmenadas, pantalones de cuero ajustados y torsos desnudos que eran verdaderas pinturas humanas que exhibían tatuajes impresionantes. En este marco surgieron bandas tan glamorosas como Cinderella, Warrant, Poison, Skid Row  y por supuesto Mötley Crüe, banda que fue considerada la propulsora del movimiento y recordada por sus excesos, problemas con drogas, alcohol y la muy expuesta vida de farándula rodeada de chicas rubias, guapas y exuberantes.

De esa época dorada del metal pocos sobrevivieron al acelerado estilo de vida y al estallido Grunge de los 90. Sin embargo, después de 28 años, podemos hablar de un resurgimiento de esos años provocadores que vuelve con uno de sus máximos exponentes, Mötley Crüe. Banda que se presentó por primera vez en Chile frente a un público heterogéneo que colmó hasta las graderías más alta del movistar Arena.

La noche del sábado abrió con unos sólidos Fahrenheit y los carismáticos Buckcherry, banda californiana que revivió eléctricamente los años glamorosos del metal y que actualmente impulsan la nueva oleada de esta corriente. Aunque no es una banda tan conocida en este extremo sur, poseen un sequito de seguidores que corearon con vehemencia cada canción, moviéndose al ritmo de los agudos de su vocalista Josh Todd y los riffs apasionados de su carismático guitarrista que, visiblemente emocionado por ver un estadio hacinado de gente, lanzaba cada tanto uñetas al público y tomaba fotos como cual adolescente con su primera cámara digital.

Luego de esta encendida puesta en escena, cerca de las 21:30 se escucha ¡Crüe!, ¡Crüe!, ¡Crüe! , un gran eco que retumbó en el recinto. En eso cae el telón negro y, entre unas incandescentes columnas de focos blancos y dos gigantescos bombos de la enorme batería Tommy Lee, entra corriendo con su cabellera rubia al escenario el vocalista Vince Neil, seguido del impetuoso bajo de Nikki Sixx y el enigmático Mick Mars, para dar comienzo al show con la potente “Wild Side” de 1997. Canción que inmediatamente inyectó adrenalina a los fans más antiguos de esta banda.  Luego continuarían con “Saints of Los Angeles”,  primer sencillo que da el nombre a  su último disco, álbum que atrajo a seguidores más jóvenes. De esta forma se podía  a ver a un público bastante heterogéneo que trascendía edades y géneros.

Luego de “Shout at the Devil”, “Same ol Situation” y “Primal Scream”, Tommy se acerca al borde del escenario y levantando una botella verde de Jägermeister brinda por la fiesta que se está dando entre el público y ellos. Luego ofrece un trago a todos los fans y regala este elixir germano a los afortunados de primera fila.  Sin duda, un gesto propio de Lee que siempre se caracterizó por su sobre expuesta vida de rock star.  Pero, que más allá de esta visión de eterno joven vividor, demuestra que es un artista impecable y de calidad musical al sentarse frente a un piano y comenzar con las primeras notas de “Home Sweet Home”.

Luego vendría el turno de Mick para mostrar su virtuosismo a través de “Guitar Solo” que por instantes se transformaba en verdaderos gritos desgarradores de su amada guitarra. Aullidos amplificados que eran un fiel reflejo de los sentimientos agónicos de su creador. De esta enigmática figura que permanece inmutable todo el tiempo en escena y que a pesar de su enfermedad (Morbus Bechterew) que lo deja siempre en ese estado inerte, logra de forma milagrosa tocar con gran destreza estos acordes que serán la introducción de uno de sus mayores éxitos, “Dr. Feelgood”.

La fiesta seguía con “ Too Fast for Love”, “ Smokin´ In The Boys Room” para llegar a uno de sus puntos más altos con “ Girls, Girls, Girls”, que muy bien podría haber sido ambientado por unas chicas bailarinas alrededor de un caño. Sin embargo, dejando de lado ese estigma de mujeriegos, decidieron hacer bailar sus atriles robóticos, micrófonos brillantes y acompañados de las miles de manos que se alzaban en cada coro.

A pesar de algunos detalles como, el exagerado contingente de seguridad que todo el tiempo estaba controlando a los fans para evitar cigarrillos encendidos, fotógrafos cerca del escenario y  chicas encima de los hombros de sus acompañantes, esta fiesta se vivió con todo el glamour de aquellos años. Con chicos agitando sus largas cabelleras, mujeres gritando descontroladamente, hombres con pañuelos en la cabeza y haciendo el clásico saludo rockero en fin… todos aquellos clichés del rock que nacen a partir de la excitación que provocan músicos que se entregan por completo a su público. Como lo hicieron la noche del sábado Mötley Crüe, banda que mostró a punta de energía y calidad sonora que el Glam Metal da para mucho más tiempo que sólo una década.

Fotos: Ignacio Orrego – Fotorock

Así mismo debiera ser el texto en la placa del monumento que tienen que hacerle a Iron Maiden, cerca de donde está “el pilucho” en el Estadio Nacional después de su último concierto en nuestro país. No sé con que otra frase o adjetivos puedo compartir la magnitud de lo que muchos tuvimos la suerte de ver y sentir.

La sexta visita a Chile de estos maestros tenía varios detalles que lo hacían tan o mas especial que el 2001 cuando vinieron por primera vez con Dickinson & Smith. Vamos por parte…

Durante casi 20 años haciendo el esfuerzo de venir a tocar, como el ’92, que estando en Chile -presentación programada para el 23 de Julio en la Estación Mapocho- no tocaron. ¿Las razones? La Iglesia (principalmente el Cardenal Medina y el asesor en temas religiosos de Patricio Aylwin, Humberto Lagos) y el gobierno consideraron al Jefe Harris y su piño un “grupo que promueve conductas relacionadas con el satanismo”.

El ’98 se anunció una nueva versión del internacional “Monsters of Rock” programado para el 10 de Diciembre en el Velódromo del Estadio Nacional. La entrada era Panzer, Criminal, Helloween y Slayer; y el plato de fondo, Maiden. ¿La razón? Augusto Pinochet estuvo preso en Inglaterra, de donde proviene la doncella. La política nuevamente, una mierda. El reemplazo fue Anthrax.

Para su concierto del 9/3/08 en la famosa Pista Atlética, las 28.000 entradas que se pusieron a la venta duraron un huevo. Se pidió a gritos el Estadio Nacional, de parte de la hinchada, de la productora y de la banda misma. No hubo caso, el Heavy Metal siendo atacado por la gente estúpida y miedosa que por ser algo que no entienden (porque no lo sienten) nuevamente no le dan cabida. Para el ’09 se pidió nuevamente el Nacional, pero se derivó al Club Hípico.

Aunque haya ido mas gente al concierto anterior a este, este fue el grito de victoria, se levantó la copa, ahora venía la celebración. Tocar en el Estadio Nacional fue como ganar un mundial de fútbol. Bruce Dickinson por fin pudo cumplir la promesa que hizo en 2008 en la Pista Atlética después de “The Trooper” y antes de “Wasted Years”, para dar cabida a la gente que quería ver a la banda y quedó afuera.

Y para remate (y también para terminar esta eterna intro) Sam Duna, antropólogo canadiense metalero, creador de documentales como “Metal: a Headbanger’s Journey”, “Global Metal”, “Rush: Beyond The Lighted Stage” y el mismo “Flight 666″, vino con su equipo a grabar el concierto para lanzarlo en DVD (al igual que el de Mötorhead el sábado) en conjunto con el concierto del viernes en Argentina, en formato HD y una “cámara-helicóptero” que parecía un ovni y registraba ángulos que hay que esperar a ver.

Estos detalles decoraron este concierto, lo que lo hacía muy especial. Ahora, a lo que vinimos…

Kingdom of Hate fue la encargada de patear la pelota. Tuve la mala cueva de llegar afuera del estadio cuando estaban tocando el último tema de su corta presentación. Se decía que prendieron el ambiente más allá de lo que la gente esperaba. Muy bien para una banda con historia y trayectoria, recuerden que los ex-Necrosis recibieron la burla hace más de 20 años atrás en televisión por parte de Don Corleone.

Los californianos Exodus, comandados por Gary Holt y promocionando por tercera noche consecutiva en Chile su último disco “Exhibit B: The Human Condition”, siguieron calentando el ambiente. Junto a Metallica, creadores del Thrash Metal, hicieron cabecear a gran parte del estadio, tocaron clásicos del género como “Bonded By Blood” y “The Toxic Waltz”, entre otros. Se fueron ovacionados, más que merecido, pero estamos acá por Maiden.

Sam Dunn sale al escenario a contarnos lo de la grabación de este concierto (con un traductor horrible) y que 2 noches atrás habían grabado a los argentinos, por lo que teníamos que demostrar que éramos mejor público que ellos. Un lienzo gigante que decía “IRON MAIDEN: CHILE ES TU CASA. UP THE IRONS” colgaba del techo del Estadio Nacional, una fiesta.

Y vino “Doctor Doctor” de UFO y EL PRIMER CONCIERTO DE HEAVY METAL EN LA HISTORIA DE NUESTRO PAÍS EN EL ESTADIO NACIONAL.

Se apagan las luces y empezó la intro. “Satellite 15″ daba el vamos a esta impresionante noche. En las pantallas podíamos ver el video introductorio, conservando el mismo tema que envuelve a su último álbum “The Final Frontier”, el espacio y Eddie dando vueltas por ahí como de costumbre.

A pesar de que vivimos en una sociedad donde se valora todo lo banal y no lo honesto y/o artístico y estamos rodeados de mierda, la vida de los que escuchamos Rock/Metal tiene un momento de intimidad colectiva, donde estamos todos juntos y todos remamos para el mismo lado, donde no existen los problemas ni las preocupaciones, donde la unión es inminente e inevitable, donde sólo existe una bandera y donde lo único que realmente importa es que la banda que queremos ver y que ha marcado nuestras vidas y personalidades va a salir a tocar, ese pequeño momento donde el suspiro se transforma en un grito que sale del alma, te recorren los escalofríos y la euforia hace que gritemos al doble de nuestra capacidad, en ese momento Nicko McBrain le pega a la caja y ya estamos en “The Final Frontier”.

El Jefe Steve “Harry” Harris con el escudo de su querido “West Ham United” en su bajo, junto a los “three amigos” Dave Murray, Adrian Smith y Janick Gers con cara de cumpleaños, y de atrás viene corriendo el gran Bruce Dickinson para dar un salto y en ese segundo ya se ganaron al público, las cartas ya estaban arriba de la mesa. El primer single de su última producción pegó bien y demostró que, a pesar de ser mucha menos pesada y potente que “Aces High”, el efecto logrado es el mismo, todos felices, todos saltando, todos cantando y todos rendidos ante este regalo que nos daba la vida misma. El escenario extraordinario, un fondo negro con luces blancas que nos hacían sentir en el espacio y unas pantallas gigante de EXCELENTE CALIDAD, algo poco común en conciertos de nuestro país.

“El Dorado” -canción ganadora del Grammy- fue la encargada de seguir. Como fanático de Maiden tengo que decir que este tema siempre fue de mi gusto, pero no era de las que me tenían impacientes por escuchar, pero en vivo es otra cosa, el galopeo de Harris te hacía rebotar el cerebro con el cráneo y Dickinson, a sus 52 años, corriendo y saltando para todos lados, llegando a todos los tonos y no desafinando nunca, es una cosa única en su especie.

Ya habían salido las bengalas y nos pegan con “2 Minutes To Midnight”. Palabras sobran, clásico de clásicos. Dickinson y sus ya típicos “Scream For Me” provocando que todos hayamos despertado hoy con las gargantas rasposas y afónicos.

“The Talisman” era, personalmente, una de las mÁs esperadas del nuevo disco. Podemos decir que es una típica canción de Maiden de los últimos 10 años. Intro lenta, al medio pesada y de 8 minutos mas menos, pero verla en vivo fue impresionante. Repito, Dickinson a su edad, llegando a todos los tonos, cantando con el alma provocando escalofríos en el coro, es algo único en su especie, realmente impresionante. Buenos solos y las diferentes estrofas con el galopeo característico de esta banda, realmente la sensación era indescriptible y muy emocionante, hasta las lágrimas.

Luego, Bruce se dirigió a la hinchada en nombre de la banda, nos contó lo del DVD y lo de las infinitas giras de Maiden, y que tocar en Chile, era como tocar en casa: “Coming Home” también de “The Final Frontier” fue la siguiente, coreada por gran parte del estadio, algo más que positivo, pensando que generalmente no mucha gente está al tanto de las últimas producciones, acá la cosa fue al revés.

Ahora vino uno de los “nuevos clásicos” de la última década, “Dance Of Death” y el gigante telón del mismo disco del ’03 fue la siguiente. El mismo extracto de Shakespeare que en ’04 cuando promocionaban dio el vamos a la guitarra acústica de Janick Gers, mientras el “Air Raid Siren” nos relataba una historia para enfriar los huesos. Me sacó el sombrero ante la ejecución de esta canción, tuvo de todo y muy intenso, solo ellos pueden crear una atmósfera tranquila y misteriosa para darle paso a la velocidad, fuerza, potencia, brutalidad y pasión. El solo de Janick Gers demuestra que ninguno de los 3 guitarristas sobra, todos aportan con lo suyo y no se debe solo a algo de imagen, curioso que Janick Gers y Adrian Smith llevan exactamente la misma cantidad de años siendo miembros oficiales de Iron Maiden.

La infaltable “The Trooper” fue la siguiente, muchos “simpatizantes” (no hinchas) de Maiden critican la repetición de esta canción en sus conciertos, pero esta es distinta, es un clásico no solo de Maiden, si no de la música contemporánea en general, por historia no podía faltar. Ver a Smith, Murray, Gers y Harris parados juntos al frente en los monitores, mientras Dickinson arriba de McBrain con la bandera de la “Union Jack” nos relata la historia de la Batalla de Balaclava en 1854. Los escalofríos acá ya eran algo común, la pasión y emoción que transmiten hace que la gente se identifique con ellos. Las bengalas salían cual clásico del fútbol y estaban todos saltando: blancos, negros, católicos, judíos, satánicos, ricos, pobres, viejos y niños levantando el puño y coreando el clásico coro, podrían hacer un concierto tocando 19 veces esta canción y el resultado sería el mismo.

“The Wicker Man” reventó el ambiente ya con el clásico “Your Time Will Come” cada vez que Dickinson nos hacía cantar el coro. Smith se lució con el solo junto a Gers, para dar paso a Murray que al igual que en toda la noche nos deslumbró con sus solos de 10 mil notas por segundo. Llegó el turno en que Bruce nos contó que iban volando arriba de Japón cuando ocurrió el terremoto/maremoto, que estaban tristes por los fans de Maiden que quedaron con ganas de verlos al igual que por toda la gente que se vio afectada por el desastre, que al ser fans de Maiden somos todos hermanos bajo una misma bandera, lo mismos colores, “Blood Brothers” fue cantada con el alma por todos los asistentes.

“When The Wild Wind Blows”, la tercera canción más larga en la discografía de Maiden fue la última de “The Final Frontier”. 11 minutos de maestría pura, pasando por variedad de estilos, momentos cancheros, otros progresivos y lentos, realmente espectacular, debe ser lejos uno de los puntos altos de su nuevo álbum. Si había una canción inesperada fue la siguiente…

“The Evil That Men Do” dejó la cagada, por como dije antes, no creo que alguien se la haya esperado y porque salió el “nuevo” Eddie, impresionante. No hay duda que los avances en la tecnología hacen que Eddie cada vez vaya mejorando en producción y movilidad, era realmente gigante, Steve Harris le llegaba a la cintura, imagínense Dickinson. Nunca había visto a los 7 arriba del escenario TOCANDO, así es, le pasaron una guitarra después de ir a molestar a Janick Gers y así terminaron la canción con 4 guitarristas arriba del escenario, ¿que tal?

La canción mas “estadio” no podía faltar, nos tocó “Fear Of The Dark”. El típico “Ooh ooooh…” fue escalofriante, todos coreando, alumbrando con teléfonos, encendedores, lo que fuera. Mucho más no se puede decir. Llegó la canción insigne, el himno, la única canción que nunca han dejado de tocar en vivo desde que Steve Harris formó la banda el ’75: “Iron Maiden”. Acá nos dejaban en claro que hagamos lo que hagamos, estemos donde estemos “Iron Maiden’s gonna get you no matter how far”. La expectación era gigante por la rutina que ya conocemos, pero que no nos cansa nunca, el solo de bajo de Steve Harris para que saliera detrás de la batería Eddie. Sus manos se asoman por los costados y su gigante cabeza con ojos rojos nos hipnotizaba con la mirada a todos, totalmente a todos, vi hasta pacos y gente de seguridad dando vuelta la mirada para mirar al escenario, no se les puede culpar.

El pequeño receso de 1 o 2 minutos para que sonara “Woe to you oh earth and sea…”, debe ser la canción mas conocida de la doncella, “The Number Of The Beast” fue cantada desde abajo por todos. La intensidad y furia arriba del escenario es algo realmente único, por más que uno la escuche un millón de veces jamás va a aburrir y mucho menos en vivo. “Hallowed Be Thy Name”, otro clásico y a mi gusto, el mejor momento de la noche, nuevamente salieron las bengalas mientras Bruce relataba las revelaciones y experiencias de este hombre que va caminando a su ejecución, realmente emocionante.

Dicen que cuando uno lo pasa bien y disfruta, el tiempo vuela. Este concierto fueron las 2 horas mas cortas y rápidas de mi vida, lamentablemente llegaba el final pero con un clásico también inesperado: “Running Free”. Canción inmortalizada en el primer disco con Paul Di’Anno, donde Bruce aprovechó de presentar a la banda, la que fue más que aplaudida y vitoreada por la hinchada.

Muchos critican a Maiden, los tratan de repetitivos cuando tocan las mismas canciones. Cuando no lo hacen, las críticas dicen que no tocan clásicos. Cuando repiten canciones ocurre porque a diferencia de otras bandas, Maiden es la única que tiene un público renovable, cada vez mas niños van a los conciertos, para muchos esta fue su primera vez y tienen mucha suerte, da lo mismo que hayan miles que los hayan visto antes, también hay miles que los están experimentando por primera vez en esta gira.

Esto es lo que hace grande a esta banda, hacen lo que quieren. Si se hubiesen querido vender y ganar millones por tocar y cantar estupideces ya lo habrían hecho hace rato. Son de verdad, por lo mismo la gente se identifica con ellos, son reales y humanos, leales a lo que dicen y a lo que representan, la gente que hace eso es menor a la que no lo hace, por eso llegan al espíritu y marcan tanto. Díganme cual otra banda que tenga mas de 30 años editando discos siga llenando estadios, tocando más material nuevo (entiéndase de los últimos 10 años) que el que los hizo mundialmente reconocidos. No son viejas glorias, no viven del pasado, viven del presente, al igual que en toda su carrera.

Maiden ya es más que una banda. Es un estilo de vida, una forma de ver las cosas, es no dejarse pasar a llevar y darle para adelante con lo que uno cree. Todos somos troopers, aguante Iron Maiden y el West Ham, UP THE IRONS!

Fotos por Sebastián Jiménez

Fue entonces tras la presentación del propio Sam Dunn, antropólogo, músico y director audiovisual canadiense que nos sorprendiera en 2005, con “A headbanger’s journey” y en 2009 con “Iron Maiden: Flight 666”, ahora las hacía de presentador de la performance del trío hardrockero británico. Por cierto, al día siguiente siguiera con su labor junto a Iron Maiden, en el Estadio Nacional.

El ánimo se olía intenso, la efervescencia desbordaba, si hasta la música de fondo prendía al público como fuego a una mecha. Fue impresionante la manera en que corearon ‘Painkiller’ de Judas Priest y momentos antes de la entrada de Ian “Lemmy” Kilmister, Phil Campbell, y Mikkey Dee lo hicieran con ‘Hells Bells’ de AC/DC. Es que quizás muchos creyeron que era la introducción. Cuestión que no fue así pero que dio paso a la cortina de oscuridad, un vitoreo ensordecedor y la aparición del trío inglés sobre el escenario.

‘Iron fist’, del disco de 1982, con el mismo nombre, fue el inicio, tan explosivo como una granada de mano que estallara en el tímpano de los más de cinco mil fanáticos que repletaban hasta el techo el Teatro Caupolicán. Tras el discurso del propio Lemmy, acerca de la fama de las audiencias sudamericanas, y en especial la chilena, espetó: “he oído que la audiencia chilena es la más loca del mundo”.

‘Stay clean’, sonaba ensordecedora, el segundo track del tremendo álbum de 1979 Overkill, hacía que la gran masa que presenciaba el directo de los ingleses, se retorciera como poseída por un demonio. Tras ‘Get back in line’ del The Wörld is yours (2010) comenzó con algo de estupefacción, algunos intentaban esbozar las líneas del sonido, que tras la estridente salida había dejado a muchos con, algo así como,  un trauma acústico que hacía difícil escuchar lo que sucedía con claridad.

No por eso sonó mal, sino que a niveles que el oído de muchos ya no aguantaba. Pero claro, Motörhead es eso, a eso fuimos, grandes clásicos al tope del volumen les ha hecho ganar la plaza que tienen hoy en el hardrock clásico mundial.

En lo personal, después de haber presenciado a Manowar en el Teatro Caupolicán en 2010, pensé que nunca más vería un show tan ensordecedor y estridente en ese local. Fue potente y aún más ruidoso lo que hicieron Lemmy, Phil y Mikkey, tanto así que al menos quiénes eventualmente pudieran haberse decepcionado, recordarán en su tímpano al menos por una semana, lo que sucedió la noche del sábado en el recinto de San Diego 850.

Dos joyitas de su discografía histórica seguían con la apabullante presentación del power trío inglés, ‘Metropolis’ del Overkill (1979), ‘Over the top’ de la versión de lujo del Bomber (1979). ‘One night stand’ del Kiss of death (2006), ponía el sabor más actual de la agrupación. Entonces vino ‘Rock out’ y el peak volvió a su punto máximo tras el inicio. Por su parte Phil Campbell aprovechó de dejar en claro, porque ha sido pieza inamovible los últimos 27 años y se mandó un solo de aquellos que te hacen vibrar hasta las entrañas.

Los brazos en alto, las gargantas de más de cinco mil fanáticos que entonaban las letras de una de las bandas insignes del heavy metal clásico británico. Eran la tónica, entonces Lemmy volvía a machacar los oídos con la canción que cierra el disco Motörizer (2008), ‘The thousand names of God’, ‘I got mine’ del Another perfect day (1983). Más otro corte de su más reciente producción, ‘I know how to die’, condimentaban más un show de magnitudes, con un sonido que repletaba todo espacio vacío en el teatro y que por cierto hacía vibrar al recinto hasta sus cimientos.

Tras ‘The chase is better than the catch’, vino ‘In the name of tragedy’, con solo de Mikkey Dee incluído y ¡Qué solo!. Si bien hay muchos bateristas más versátiles y virtuosos que este experimentado percusionista sueco casi “cincuentón”. Pero el despliegue de su artillería no fue para menospreciar, sobretodo porque hizo una muestra bastante vistosa de sus cualidades, logrando por un momento el protagonismo que Lemmy había ostentado toda la noche.

‘Just ‘Cos You Got the Power’, de la versión extendida del disco Rock ‘n roll que se lanzara 2008. Entonces se comenzaba a cerrar una noche de antología, con una discurso previo de Lemmy antes de ‘Going to Brazil’, que en lo personal no entendí bien. Para luego lanzar dos llamaradas potentes con ‘Killed by Death’ y ‘Ace of Spades’.

Tras el bis noquearon a todos con una incombustible ‘Overkill’, y las casi dos horas de una emocionante presentación se daban por finalizadas de manera arrasadora, que incluyó la repetición del outro de la canción tres veces. Todo un final épico que, si no hay contratiempos, veremos pronto en dvd.

Setlist:

1. Iron Fist
2. Stay Clean
3. Get Back In Line
4. Metropolis
5. Over the Top
6. One Night Stand
7. Rock Out (solo de Phil Campbell)
8. The Thousand Names of God
9. I Got Mine
10. I Know How to Die
11. The Chase Is Better Than the Catch
12. In the Name of Tragedy (solo de Mikkey Dee)
13. Just ‘Cos You Got the Power
14. Going to Brazil
15. Killed by Death
16. Ace of Spades
    —————————
17. Overkill

Más de 1.800 personas lograron ver y escuchar a la banda de manera cercana. En una presentación más madura que sus dos anteriores presentaciones en Santiago (2007 y 2009) pero deslumbró problemas de coordinación en algunos temas, obviamente debido a la pausa de presentaciones en vivo. Con media hora de retraso la banda saltó a escena. “For reasons unknown” abrió los fuegos. Luego pasaron “This is your life” y “Somebody told me”, lo que vaticinaba un gran show y la efervescencia de los asistentes. Evidentemente The Killers tiene un arsenal de éxitos, temas que bordean lo dramático y heroico, mezcla que ha dado la fama al cuarteto, pero en el show en vivo hay unos quiebres entre cada canción que entibian dicha efervescencia.

Alrededor de 90 minutos duró la tercera presentación de The Killers en nuestro país, donde pasaron grandes hits como: “Bones”, “Human”, “Spaceman”, “Read My Mind”, “All These Things That I’ve Done”, entre otros.

La noche de ayer sirvió como un gran ensayo que trae de vuelta a las pista a Brandon Flowers y compañía. Este íntimo show además sirvió para prepararse para el sábado y ver por fin la primera edición de Lollapalooza en Chile, en donde, The Killers será el “cabeza de cartel” de dicho día.

Setlist:

1. For Reasons Unknown
2. This Is Your Life
3. Somebody Told Me
4. Smile Like You Mean It
5. Losing Touch
6. Bling (Confession of a King)
7. Bones
8. Shadow Play (Joy Division cover)
9. Spaceman
10. Human
11. A Dustland Fairytale
12. Read My Mind
13. Mr. Brightside
14. All These Things That I’ve Done
    ——————————————
15. Change Your Mind
16. Jenny Was A Friend Of Mine
17. When You Were Young

Fotos por Paola Manfredi

Sin duda las hizo todas. Desde volver locos a los roadies rociando con una gruesa manguera, todo lo que encontrara a su paso. Inclusive parte del escenario, los retornos, y a un pobre Blasko (Rob Zombie, Prong, Danzig) que sufrió los embates de locura del vocalista. A pesar de sus 62 años, un rodaje que pocos aguantarían, Ozzy solo desparramó entusiasmo sobre el escenario capitalino. Con esos pasos cortitos, una sonrisa que no se despegó de su rostro, se paseó sin cesar de un lado a otro cada vez que se le ocurrió, instigó al público por más.

Es lamentable que al parecer para algunos, “telonero” sigue siendo sinónimo de “prueba de sonido” para el acto principal. Penosamente para Sepultura, actualmente más nombre que banda, no fue la excepción. Sin respetar a esta tremenda banda, ni siquiera a su historia, el sonido no les acompañó. Es cierto que desde la salida de los hermanos Cavalera, Sepultura no es cercana a la silueta de lo que fue, mucho menos ejerce el peso de antaño.

De todos modos, el directo que Green, Dolabella, Kisser, y Pinto (Paulo jr.)  fue potente y la recepción de la gente, así lo dejó entrever. Los ánimos comenzaban a encenderse a las 19:45, cuando los oriundos de Minas Gerais, Belo Horizonte, pisaron el escenario. Ante una audiencia que recién tomaba su posición dentro del recinto les comenzó a celebrar tímidamente su presentación.

Sepultura lo sabe, Andreas Kisser también. El amor de Chile por los brasileños sigue siendo incondicional, a pesar de todo. Así, casi en una hora, desplegaron una batería de lo más duro de su repertorio. En donde lanzaron grandes temas como, ‘Arise’, ‘Refuse/Resist’ (esta última, como también lo hiciera Cavalera Conspiracy en su última aparición en nuestras tierras’), ‘Dead embryonic cells’, ‘Territory’ y una magnífica ‘Roots bloody roots’, entre otras.

Ya faltaban sólo quince minutos para el show principal cuando Sepultura abandona el escenario. Los brasileños se bajaron entre vítores y aplausos tras una presentación que si bien no sonó bien, sirvió de preparación para lo que estaba por venir. Es cierto que otras veces el Movistar Arena ha sonado mejor, pero en esta ocasión cualquier falencia en el sonido no mermó el oficio de Sepultura, mucho menos el de Ozzy Osbourne y su tremendamente cumplidora banda de apoyo.

Es cierto que Ozzy es el hombre del heavy metal,  también es cierto que ante tal estatus es de los pocos artistas que se puede dar el lujo de prescindir de cualquier elemento ornamental y complementario. Así fue como con una mano delante y la otra detrás no esperó, y se lanzó al escenario. Acto seguido, el público enloquecido ya cantaba su nombre y sin siquiera haber entonado una nota, y tampoco algún comentario. Ozzy se apoderaba de la voluntad de todos quienes presenciaban su ingreso al escenario del Movistar Arena.

Tras la entrada, y Ozzy con micrófono en mano, da el vamos con esa tan típica frase: “Que la pesadilla comience”. Entonces, ‘Bark at the moon’, abrió los fuegos de una presentación que tenía una vara alta por superar. Desde el 2008, cuando se presentó junto a Black Label Society, KoRn y Árbol, en el marco del festival  Monsters of Rock.

Por su parte, el propio Osbourne, emocionado, preguntaba si en su ausencia se le había extrañado, y luego añadía, “Yo sí, los he extrañado”. Cuestión que sin duda, terminó por hipnotizar a toda la audiencia.  Con el pasar de los minutos, los presentes se darían cuenta que lo que presenciaban, no podría clasificarse menos que, de “antología”.

Tras el clásico de 1983, fue el turno de ‘Let me hear you scream’, la segunda del disco “Scream” publicado el año pasado y la intensidad hacía vibrar al Movistar Arena hasta sus cimientos. ‘Mr. Crowley’, y la introducción en manos de Adam Wakeman (Sí, el hijo de Rick Wakeman) estremecía hasta los huesos a los más de diez mil fanáticos que figuraban extasiados frente este nuevo desborde de energía.

‘I don’t know’, de su época junto al fallecido Randy Rhodes y que escucharamos por última vez a manos de Zakk Wylde, sonaba potente en manos de Gus G. Aquel guitarrista que desde 2009 viene cumpliendo con su rol de manera digna y cada vez más elogiable. ‘Fairies wear boots’ sorprendió y no era para menos, el tremendo track del disco “Paranoid”(1970) de Black Sabbath condimentaba aún más un show alucinante.

Luego del gran clásico de la otrora banda de Osbourne, vino un espectacular doblete. ‘Suicide Solution’ del “Blizzard of Ozz” (1980), ‘Road to nowhere’ del “No More Tears” (1991) sonaron en todo su esplendor, para dar paso a otro clásico del Heavy Metal, que Faith No More se encargara hace más de veinte años por insistir en masificar. Nada más y nada menos que ‘War Pigs’, también de Black Sabbath. La incesante alarma daba paso a una fantástica interpretación del reputado corte que abre el disco “Paranoid”.

Con ‘Shot in the dark’ del “The ultimate sin”(1986) se demarcaba la mitad del concierto y el cansancio por el extenuante directo ya era manifiesto. Pero ni Ozzy ni el público echaban pie atrás. La joyita de la noche vino con ‘Rat Salad’, el corte instrumental del disco de Black Sabbath de 1970, que precedió un virtuso solo de Gus G, y que luego intercaló un lúdico solo de batería de Tommy Clufetos con el público presente.

Tras el intermedio, Ozzy volvió al escenario para golpear con otra espectacular canción. ‘Iron Man’, cargaba la mano a la historia. Los clásicos de Black Sabbath se tornaban en la pauta. Luego, ‘I don’t want to change the world’ y ‘Crazy Train’ daban por terminada la primera hora y media de show, y ¡Qué tremendo show!.

Tras el bis, vendría el grande finale que si bien no estuvo para suspicacias cerró la tercera presentación del histriónico vocalista inglés. ‘Mama I’m coming home’ fue para emocionarse, y ‘Paranoid’ para volverse loco.

Es cierto que no varió casi en absoluto entre lo que venía presentando, con lo que en 2008 presentó, pero de todos modos lo que el “Príncipe de las Tinieblas” entregó la noche del 28, todos quienes lo presenciaron sin duda atesorarán como el mejor de los recuerdos del rock y heavy metal en sus vidas.  Sin más, se nota que Ozzy Osbourne lo pasó –como decimos en buen chileno–“la raja”, tocando por tercera vez en nuestro país.

Desde que se anunció la visita de los irlandeses en septiembre del año pasado comenzó la polémica y tal como ocurrió el 2005 con Franz Ferdinand, los fans de Muse no consiguieron un recital de ellos solos, y tuvieron que pagar el alto costo de las entradas por verlos sólo 45 minutos en el escenario.

Pero descalificar una u otra banda no raya más que en la ignorancia de cada cual, pues como dice el dicho, “no se pueden comparar peras con manzanas”. Si bien Muse tiene calidad de sobra para repetir un recital en Chile, tal como lo hizo el año 2008 en el teatro Caupolicán, de no ser por la gira de U2 habría pasado un buen tiempo antes de escuchar nuevamente a la banda de Matthew Bellamy y los suyos.

En el Estadio Nacional se encontraban los dos bandos, por así decirlo, por una parte fanáticos de U2 que no sabían qué era ni quiénes eran Muse, pero que al final del día sólo se llevaron buenas impresiones de los recientemente ganadores del Grammy al mejor álbum de rock por “The Resistance”.

A las 8 en punto abrieron con “Plug in Baby”, potentes demostraron que por algo U2 los escogió como teloneros en su paso por Latinoamérica y dejó con la boca cerrada a quienes no sabían nada de ellos y que pensaban que sólo eran conocidos por participar en la banda sonora de “Crepúsculo”.

Por otra parte estaban los anti–U2, quienes explican que la mala calidad de los últimos discos queda demostrada en un show parafernálico más que cualquier otra cosa. Pero lo cierto es que con o sin la “garra – nave espacial”, U2 dejó más que demostrado que sabe hacer un espectáculo, y emociona con sus clásicos incluso a los más detractores de su música.

“No line on the Horizon” es sin duda uno de los peores álbumes de los irlandeses, paradójico ya que sus melodías son comparables con discos tan importantes como “The Unforgettable Fire”. Pero esas eran otras épocas, había otras banderas de lucha y tratar de regresar al pasado es algo inútil.

El espectáculo dejó más que claro esa melancolía y lo poco importante que es para los mismos irlandeses su última entrega. De las 24 canciones tan sólo 4 eran nuevas y cada vez que se tocaron en el escenario el público se desconcentraba, se quedaba callado y perdía emoción, incluso con la movida versión “I’ll Go Crazy If I Don´t Go Crazy Tonight”.

El álbum de 1987, “Joshua Tree” fue mucho más importante y protagonista de la noche. Además de proyectar imágenes de la época invitaron a cantar a Francisca Valenzuela “One Tree Hill”, un momento único en el escenario que lamentablemente la chilena no supo aprovechar al cien por ciento.

De hacer comparaciones, U2 sólo se deben comparar con ellos mismos y tratar de superarse, porque es verdad, sus últimas entregas no responden más que a los caprichos de una industria musical incansable. Mientras que Muse, por su parte, tan sólo lleva 12 años en escena, y a pesar de sus excelentes resultados no sabemos lo que pase con ellos en un tiempo más.

Quizás todavía los irlandeses no encuentran lo que están buscando, lo cierto es que es necesario, y con urgencia, reinventarse, sin buscar en el pasado ni en escenarios extraterrestres, sino que en la música más sincera como siempre lo han sabido hacer una y otra vez a lo largo de estos 35 años de carrera.

Por Paulina Herrera
Fotos por Alvaro Pruneda

Es notable el arrastre entre los fanáticos presentes, si consideramos la nula presencia mediática de Kashmir en Chile, es simplemente  impresionante la respuesta que tuvieron frente a los presentes. Coros, gritos, entusiasmo exuberante y una conexión directa desde el primer minuto fueron, en resumidas cuentas, lo que describió la noche perfecta de Kashmir en nuestro país.

Lo que sucedió la tarde del martes en el Centro Cultural Amanda (ex Cine Vitacura), fue vibrante. Vibrante como muchos recuerdan fuera la primera presentación de BRMC (Black Rebel Motorcycle Club), el segundo semestre de 2008. Si bien fue un concierto íntimo, lleno de complicidad entre la banda y la escueta audiencia, fue casi en tono privado, mas no privativo (la entrada costaba $12.000). Definitivamente todo un deleite para el centenar de fanáticos que llenaban el local.

Lo que Kasper Eistrup (voz y guitarra), Mads Tunebjerg (bajo), Asger Techau (batería) y Henrik Lindstrand (guitarra, y yeclados), entregaron en el recinto de Vitacura fue sin duda un espectáculo pulcro, penetrante, a la vena y sin deslices. Bajo una atmósfera de relajo pero no menos hostigante. La acústica del lugar fue tremendamente apropiada para la ocasión, la decoración acompañó bien, y un juego de luces que hipnotizaba, hicieron de la presentación de los daneses, una experiencia alucinante.

Tras una intro que sonaba un tanto étnica, ‘Danger Bear’, corte de su último larga duración daba el vamos a la presentación de Kasper y compañía. Los ánimos aún estaban bajo control, pero la energía ya desbordada. ‘Mouthful of Wasps’ y ‘Kalifornia’, avizoraban una noche que se erigía como electrizante. Lo que Kashmir lanzaba, solo a unos minutos del inicio, se llevaba el beneplácito de la audiencia.

‘Melpomene’, de su aclamado disco de 2004, “Zitilites”, más la excelente ‘The curse of being a girl’ del “No Balance Palace” (2005) y ‘Petite Machine’ también del LP de 2004. Continuaban un show parejo y lleno de complicidad, gracias al histrionismo del propio Kasper Eistrup que no paraba de comentar todo lo que se le venía a la mente.

Luego vinieron ‘The Indian (That Dwells Inside This Chest)’, ‘Surfing the Warm Industry’ y ‘Pursuit of Misery’ que mantuvieron la nota alta, y la atención al máximo. El sonido se encumbraba como perfecto. Tras las increíbles interpretaciones de ‘In the Sand’ y ‘Bewildered in the City’, vino ‘She’s Made of Chalk’, sin duda uno de los cortes más conocidos, y que el público ansiaba. Con ‘Rocket Brothers’, se daba término a la primera patita del show, que luego del bis, tuvo un final de antología, que a la postre ‘The Aftermath’, ‘Still Boy’ y  ‘The Cynic’ firmaron como absoluto.

Así, por más de una hora y media, un set list de dieciséis tracks, que si bien no se modificó en relación a sus anteriores presentaciones en México. Bastó y sobró para que Kashmir sedujera a un público que vibró ante tal cuota de buen rock escandinavo, europeo, y mundial.

Setlist:

1. Intro
2. Danger Bear
3. Mouthful of Wasps
4. Kalifornia
5. Melpomene
6. The Curse of Being a Girl
7. Petite Machine
8. The Indian (That Dwells Inside This Chest)
9. Surfing the Warm Industry
10. Pursuit of Misery
11. In the Sand
12. Bewildered in the City
13. She’s Made of Chalk
14. Rocket Brothers
    —————————–
15. The Aftermath
16. Still Boy
17. The Cynic

A las 21 hrs. los encargados para abrir el show fueron los chicos de Matanza. Banda Nacional que mezcla perfectamente la electrónica con los sonidos propios de los pueblos originarios de Sudamérica y que, con sólo 30 minutos en escena, lograron prender el ánimo del público.

Luego cerca de las 22 hrs se sube a escena James Murphy acompañado por Nancy Whang en teclado, Pat Mahoney en batería, Tyler Pope al bajo y Phil Mossman en guitarra, percusión y bajo. Más un invitado especial, Al Doyle de la banda Hot Chip, músico encargado de percusiones y de una guitarra capaz de elevar al máximo el sonido de LCD.

La noche se abrió con “Dance Yrself Clean” de su última placa “This is happening”. Tal vez último trabajo de la banda, ya que anunciaron que su último concierto lo harán en abril de este año. Sin embargo, no es una noticia que debiera preocupar tanto a sus seguidores, ya que años atrás hubo rumores de su separación, la cual fue desmentida por el propio Al Doyle quién declaró en el 2008 que LCD Soundsystem es una entidad que no puede disolverse. Una marca con vida propia, casi una casa de acogida por donde pasan todo el tiempo artistas que aportan su propio estilo. Entonces, habrá que esperar un tiempo para ver qué sucede con este proyecto.

Pero continuando con lo que fue esta acalorada noche, LCD seguiría con “Drunk Girls” canción con loops repetitivos y guitarras propias del sonido punk que hacen de este tema la fórmula perfecta para lograr que la noche comience a tener aire de fiesta. Y aunque el recinto no estaba copado en su totalidad, los que pudieron asistir a este show se suministraron una dosis considerable de adrenalina.

Y así se fue dando la noche entre “Daft Punk Is Playing At My House”, “I Can Change”, “All My Friends” y “You Wanted a Hit” canciones creadas especialmente para dar honor al nombre, ya que el repertorio de LCD Soundsystem es justamente eso, un sistema de sonidos que provoca un cierto estado de éxtasis en el cuerpo.

Más tarde llegarían con “Tribulations”, canción que seguramente los hizo más conocido en esta parte del hemisferio y con la cual el teclado de Nancy, quién bailaba al son de las perillas y bases programadas, se fusionaba en una sucesión de sonidos circulares y equilibrados que lograban poner en trance profundo a casi todo el Caupolicán. Una especie de gran Rave se vivió en ese momento, trance que pudimos percibir como saturaciones escalofriante en nuestros oídos y que sólo crecieron con “Yeah” que a ratos dejaba ver a uno que otra persona intentando hacer un Slam al ritmo de los rápidos Blast-beat. Sonidos ensordecedores que continuaban mientras cada uno de los integrantes se iban retirando uno por uno del escenario.

Entonces el público ovaciona con fuerza, pero los aplausos y gritos se perdían aún en el sonido casi fantasmagórico que surgía del escenario como si aún estuviera la banda tocando sobre él.

Luego de un rato todo vuelve a quedar en silencio, recién ahí escuchamos los silbidos del público que pedía a gritos que LCD Soundsystem regresaran a tocar. Y para nuestra gran sorpresa y alivio auditivo, volvieron con el maravilloso tema introductorio de la serie Twin Peaks, una obra maestra de David Lynch.

Es en este momento, donde percibimos que estamos viendo a una banda en vivo, ya que a ratos, frente a la escasa comunicación de los integrantes con el público, sentimos que estábamos sólo en una gran fiesta escuchando una excelente mezcla de lo mejor del electro-dance.

Y para finalizar, una balada que jamás relacionaríamos con lo que son LCD en esencia. Que tal vez, cuando la escuchamos por primera vez en la radio nacional que se dedica a difundir con más vehemencia la música Indie, nunca habríamos imaginado que de estos locos por las perillas, el ruido, la mezcla y el ritmo sincopado saldría una transparente y emotiva “New York, I love You…” la canción perfecta para cerrar un verano tranquilo sin mayores movimientos de nuestra querida y, a veces, temida tierra.

1. Dance Yrself Clean
2. Drunk Girls
3. Get Innocuous!
4. Daft Punk Is Playing At My House
5. I Can Change
6. All My Friends
7. You Wanted a Hit
8. Tribulations
9. Movement
10. Yeah
11. Someone Great
    ———————–
12. Losing My Edge
13. Home
14. New York, I Love You But You’re Bringing Me Down

Agrupaciones como Paramore, Avril Lavigne, Simple Plan, Fall Out Boy, o My Chemical Romance. Es cierto que poco tienen en común entre ellas. Pero muchas veces son bandas que poseen gran cantidad de fanáticos que no se reconocen como tal por diversos motivos. Se les suele clasificar como grupos para niños, vacíos y simplones. Quizás lo son, si de tecnicismos exagerados hiciéramos cátedra.

Pero la música, la apreciación, el fanatismo supera toda lógica, y es un sinsentido inmiscuirse en discusiones sin fin, al momento de hacer ese esfuerzo inútil por rankear por medio de una escala de valor, su cometido.

Paramore sin duda es una buena banda que recién comienza, muchos de sus fans también, y es bueno recalcarlo no a modo de menosprecio, menos a sus fanáticos. Es cierto que el diezmado cuarteto de Tennessee lleva siete años en las pistas, y al menos cinco en las “grandes ligas”. Pero es penoso que bandas noveles como esta, sufran tal cantidad de estrés sin la debida atención. Terminan por desbaratarse y tambalear antes de lograr un peak en su carrera. Esperemos que la transición que sufre Paramore hoy en día sea para mejor.

De todos modos es promisorio el presente, en donde cuentan con participaciones tan destacadas como la de Josh Freese (NIN, A Perfect Circle, The Vandals, Devo, entre otros), y los hermanos York, más Jon Howard. Cuestión que por lo demás, no hace extrañar en demasía a los hermanos Farro. Y sumado a un mundialmente exitoso “Brand New Eyes” bajo el brazo. Lo que Paramore es hoy, sirve para que muchos fanáticos se froten las manos.

Josh Freese, sin duda es un tremendo privilegio tenerlo en nuestro país nuevamente. Una gran base que cumple y desborda calidad. Pero que quizás a las fanáticas más asiduas, les cuesta aceptar en pos de relegar a los alejados hermanos Farro.

Es tremendamente notorio el oficio de un gran baterista, como es Josh Freese. Su expertise, el peso, y la envergadura que le da al sonido de la banda es sustancialmente un punto a favor para los chicos de Tennessee. Recordemos que es un baterista de vasta experiencia, y que ha pululado por variados estilos. Sus participaciones más notables han sido con el propio Trent Reznor, en Nine Inch Nails, con el cual de hecho se presentó en 2008, en nuestro país. También se le conoce por sus participaciones con A Perfect Circle, The Vandals, y la grabación de grandes discos como “Fallen” de Evanescence, “Art of Rebellion”, de Suicidal Tendencies y el disco homónimo de 12 Stones entre una extensa lista de colaboraciones notables.

Espacio Riesco, no solamente se llenaba de “quinceañeras” (acompañadas de sus papás), que por cierto eran mayoría. Sino también de gran cantidad de asistentes de otras edades.  No se trata de ser ni muy quisquillosos ni tampoco permisivos. Pero hay que decirlo, bandas como Paramore, tienen una cuota grande fanáticos no reconocidos, solo era cuestión de ver la entrada para darse cuenta. Por mi parte, lo asumo, “es mi placer culpable”.

Por cierto, fue un concierto redondo, que en relación al anterior limó toda aspereza, y así lo dejó entrever la propia Hayley a lo largo de la tarde del sábado. No paraba de repetir lo asombroso y loco del público chileno.

Por mi parte, dudo mucho que alguien saliera decepcionado luego del recital. Estuvo para todo, y para todos. No faltó ni un “clásico” –si me permiten llamar a sus canciones más típicas, así- y el repertorio a pesar de ser escueto. Alcanzó para que el público cayera rendido y entregado a los pies de Hayley, Jeremy, Taylor, Jon, Justin y Josh.

Todo empezó algunos minutos antes de las 19hrs., cuando el cuarteto nacional Libra salió a escena. Con una nueva placa bajo el brazo, “Entre ángeles y demonios”, nuevo lineup, y su reaparición en escenarios capitalinos. Libra hizo de las suyas. En no más de una hora repasaron lo mejor de su repertorio. “Llévame”, “Somos dos”, “Ojos del amanecer”, “Sobrevolando”, entre muchas otras amainaron la efervescencia que iba in crescendo para encender los ánimos de un excelente directo que estaba por venir.

Tras la salida de Libra, y tras algunos minutos de espera. Al fin se materializaba la presencia de Paramore, en el escenario del recinto de Huechuraba. El griterío, la euforia y la emoción se apoderaban de los infantes que esperaban ansiosos la entrada de la banda.

‘Ignorance’, daba el vamos a un repertorio que finalmente no variaría en absoluto, en relación a lo que venían de presentar en el resto de la gira sudamericana. Pero no importó. Los más de ocho mil fanáticos que casi repletaban el Espacio Riesco, alzaban sus manos, y sus gargantas para demostrar cuan extasiados se encontraban tras el inicio.

Luego, tras ‘Feeling sorry’, ‘That’s what you get’ y ‘For a pessimistic, I’m pretty optimistic’, recién bajaba por momentos la intensidad, pero ni el público ni la banda echaban pie atrás a la energía desplegada.

‘Playing God’, su último single, volvía a enardecer a la fanaticada presente. ‘Careful’, y ‘Decode’ entraban por la puerta ancha, y los aplausos se multiplicaban. Hacían de un público agradecido el mejor condimento para un concierto que se erguía como de ensueño para muchos de los que presenciaban tal dispersión de energía.

Un público frenético, una banda agradecida y tremendamente conectada con el momento. Fue  la tónica de un show intenso, emocionante y a momentos, bastante íntimo. Se agradece la complicidad. Prueba de ello, el pendón que le lanzaron a Hayley y que enarbolaba tal decidora frase: “Chile loves Paramore”. Al que la menuda vocalista respondió emocionada.

El relleno de presentación de integrantes un deleite para la masa femenina presente. El grito del respetable se tornaba a ratos insoportable, ensordecedor.  Tanto así, que se tragaba los intentos de la banda con continuar con su correcto oficio.

Es notable la simpatía, la llegada y aprehensión que causa Paramore en suelo nacional.  Una fanaticada novel, pero entregada al máximo. Cuestión que desde el primer minuto le adjudicó a la banda un público tremendamente entusiasta que no paró de gritar, cantar y moverse. Complicidad plena, resumieron un atardecer, que para muchos fue, para no olvidar.

Ya tras casi cincuenta minutos, y un pseudo bis al hombro, Paramore se hacía en el escenario tras escasos segundos, y se sentaban en unas sillas dispuestas en el centro. Para interpretar una batería de canciones y dar un giro a una noche, que hasta el momento se le podía catalogar no menos que intensa.

‘In the mourning’, ‘When it rains’, ‘When the lines overlap’, ‘Misguided ghosts’ daban el toque más íntimo y cercano de Paramore.

Tras el interludio, con invitación incluida de Hayley, ‘Crushcrushcrush’. Volvió a enardecer a una enloquecida fanaticada que no perdía detalle y no parecía perder energías, pese a la intensidad en que se disponía el show.

Así, tras  ‘Pressure’ y ‘Looking up’, ‘The only exception’, retomaba la intimidad y comenzaba a cerrar tras casi una hora y cuarto un espectáculo de primer nivel. Digno del respetable y la ocasión. Si bien no sonó espectacular, sonó bien y a tono con las expectativas.

Tras el bis, no podían faltar ‘Brick by boring brick’, y el tarareo de todos en el lugar, no se hizo esperar. Las palmas, y ese pegajoso “parara” pusieron la guinda de un pastel que la mediática  ‘Misery business’ terminó de decorar. Por cierto dieron un tremendo cierre, a un show tremendamente emocionante, energético en que la banda y fanáticos se complementaron a la perfección.

1. Ignorance
2. Feeling Sorry
3. That’s What You Get
4. For A Pessimist, I’m Pretty Optimistic
5. Emergency
6. Playing God
7. Careful
8. Decode
9. In The Mourning (Acoustic)
10. When It Rains (Acoustic)
11. Where The Lines Overlap (Acoustic)
12. Misguided Ghosts (Acoustic)
13. Crushcrushcrush
14. Pressure
15. Looking Up
16. The Only Exception
    ————————–
17. Brick By Boring Brick
18. Misery Business

Fotos por Javiera Carrasco y Alvaro Pruneda

Luego de su separación en año 2002, debido a los constantes problemas de drogas de su vocalista que dificultaban un compromiso serio con la banda, los Stone Temple Pilots vuelven como fénix de las cenizas para lanzar un nuevo álbum “STP” el cuál los trae por fin a este extremo sur.

La noche del 7 de diciembre en el Movistar Arena comenzó a las 8 de la noche con los teloneros The Suicide Bitches una banda de punk rock nacional, con influencias en el Grunge, que lograron captar la atención del público con un repertorio fresco y dinámico lo suficientemente energético para calentar los ánimos de los fieles seguidores de STP.

Luego pasada las 9 de la noche, se podía ver un movistar increíblemente colapsado por una multitud que prontamente comenzaría a impacientarse. Entonces a las 9 30 cae el telón de fondo y entre pifias de unos por la demora y los gritos enardecidos de otros, aparecen en escena los hermanos Deleo, Erick kretz y Scott Weiland que comienzan inmediatamente con dos joyas clásicas de 1992 “Crackerman” y “Wicked Garden” de su álbum debut “Core”. Lo que indicó que este concierto sería verdaderamente la historia de su vida musical, desde sus comienzos como Mighty Joe Young hasta llegar casi obligados por Atlactic Records a ser Stone Temple Pilots.

En seguida, dando un nuevo paso más en la historia de STP llegaría “Vasoline” una canción que se convirtió en éxito radial en 1994, y que esta noche muestra en plenitud el original sonido de la guitarra de Dean, quién fuera el pilar fundamental del sonido característico de la banda.

Transcurría el tiempo y veíamos a un Scott con más simpleza que excesos, vestido con un impecable traje negro y un cabello de look natural, una presencia lejana a la que conocimos en sus primeros tiempos con STP y con Velvet Revolver. Incluso su voz era más aguda y clara tal vez más ad hoc para el single rockero “Between the Lines” de su último disco lanzado en mayo de este año.

Finalizada esta canción, pudimos ver un estadio donde se fusionaban perfectamente dos generaciones de STP, un público más adulto que ovacionaba los hits Grunge de los 90 y una nueva descendencia que saltaban más enardecidos con el rock más evolucionado de los Deleo y la más tranquila puesta en escena de Weiland, quién cada tanto interactuaba con el público diciendo frases sencillas como “Peace, una palabra de lenguaje universal” aludiendo a la forma física de los dos dedos que aparecen dibujados sicodélicamente en la carátula de su último disco.

Más tarde llegaría con un tema que emocionaría a muchos “Big Empty” una canción que fue un ícono de las baladas del grunge y que fue inmortalizada en el soundtrack del films de culto “The Crow”. Para continuar con un excelente cover de Led Zepellin “Dancing Days”.

Para terminar el primer corte del show la banda volvería a deleitarnos con 3 grandes canciones “Plush”, “Interstate Love Song” y “Sex Type Thing” dejando ver porque Stone Temple Pilots logró tanta popularidad más allá del exagerado marketing de los sellos y los medios de comunicación.

Más allá de las nostalgias del pasado, Stone Temple Pilots nos entregó un espectáculo de buen nivel que evidencia una banda con más sentido grupal y que destacó por el excelente ritmo del bajo y una intensa guitarra que ahonda más en los sonidos propios del Hard Rock. Lo que muestra explícitamente la evolución que ha tomado esta banda californiana. Y, aunque extrañamos una entrega más profunda en escenario y baladas históricas como “Creep”, STP mostró a punta de buen gusto y solidez, un repertorio fresco, energético y de excelente calidad sonora que quedará en el recuerdo de los miles de personas que asistieron a este renacimiento de una de las bandas más significativas de los 90.

Presumo que al igual que todos, llegué al Estadio de La Florida con ese ambiguo sentimiento que arrastraba desde que se supo que FNM terminaba su carrera con nosotros: quería pero no quería; que bueno pero que malo; que orgullo pero que pena. Sentía los ácidos en mi estómago como se revolvían y sabía que era algo más que simple emoción. En esa disputa mental estaba, cuando después de una media hora de despedir a los geniales Primus, se apagan las luces y salen esos demonios vestidos de inusual blanco (excepto Bordin, fiel a su estilo); el Bicentenario se vino abajo con la cachetada de “Epic”. Sin introducción temática ni nada, así, seco. No alcanzábamos a tomar aire y se lanzan con “Everything’s Ruined”, ¡qué agradable sorpresa! Y no sería la única.

Patton interactuando con un excelente español y Bottum dándole a las teclas con el conocido sonido estilo-película-de-terror-de-los-’50 de “Be Agressive”. El torbellino no dejaba de hacernos girar con la clásica “Caffeine”. La fiesta ya había tomado forma.

Para bajar las revoluciones, el quinteto nos ofreció el cover de Michael Jackson, “Ben”, y perdónenme los admiradores del fallecido cantante-bailarín, pero creo que esta interpretación tiene mucho más onda y suena mucho mejor en el estilo FNM. Aunque sólo es mi opinión. A mitad del tema, el kamikaze Patton, baja por el pasillo del Rock Area; ahí compartió las primeras pechugas masivas con su publico, incluso, se llevó un gorro de regalo.

Se acaba el descanso y Juanito golpea los disonantes acordes de “The Gentle Art of Making Enemies”, Patton vuelve al escenario y el tema completo es cantado por todo el estadio. Lo mismo sucedió con la siguiente, “Last Cup of Sorrow”, el Bicentenario casi se viene abajo.

Pero debo confesar que lo que vino luego, personalmente, fue la mejor sorpresa de todas. Como contadas veces, “Helpless”, ejecutada de una forma impecable y con un final de lujo con todo el público pidiendo ayuda, sólo de recordarlo se me pone la piel de gallina. La segunda parte de esta sorpresa –aunque no tan sorpresa– fue “Cuckoo For Caca”, uno de mis temas favoritos y ringtone de mi celular (lo confieso).

La siguió una “canción mapuche en versión gringo” (sic), es decir, “Evidence” en su usual español. No hace falta decir que la mitad del sonido lo aportó la audiencia.

De ahí, otra sorpresa, “As the Worm Turns” y “Spirit”. ¡Que grandes temas! Y me dio un gusto tremendo ver a casi todos los integrantes del sector prensa (la mayoría mujeres), quedar absolutamente colgados y atinar sólo a llevar el ritmo con la cabeza sin saber lo que escuchaban. Entremedio de esas, nos ofrecieron “Midlife Crisis”, con un Patton grabándonos a todos y cortándonos un inspiradísimo “You’re perfect, yes, it’s true…” con un extracto de la canción de Stevie Wonder, “Sir Duke”.

Siguieron con la fantástica “King for a Day” y la versión de Violeta Parra de “Qué he sacado con quererte”. Simplemente emocionante.

Luego “Ashes to Ashes” y, para finalizar, “Just a Man”, con todos los integrantes emocionados con la reacción del público durante toda la noche y con un Patton, nuevamente, pidiendo cariños salivales o una “pollería” según sus palabras. Obviamente, correspondidos. Así fue la primera despedida.

Se había pasado rápido y después de un incesante “No nos vamos ni cagando”, volvieron a entrar a escena. Mike preguntando quién ponía una casa para el carrete post concierto y Hudson entonando otra gran sorpresa, “Zombie Eaters”. El éxtasis era máximo. La siguió “Surprise! You’re Dead” y “We Care a Lot”, la cual hizo resurgir fantasmas del pasado que sólo quedaron en eso, la disfrutamos completa. Se volvieron a despedir, pero nadie aún estaba cansado ni viejo, así que salieron con un nuevo encore, con los temas “Easy” y la fulminante “Digging the Grave”. Cabe destacar que el sonido para este concierto fue sencillamente espectacular, muy por sobre las presentaciones de 2009.

Y cuando creíamos que sería todo, vuelven a salir por tercera vez y nos regalan el cover de The Manhattans, “Kiss and Say Goodbye”, algo así como la “Canción del Adiós” nuestra. Bellamente interpretada y con un Patton, en un frenético acto de amor, entrando al público. Lamentablemente fui testigo de cómo le robaban su gargantilla y el enojo posterior del frontman, pero eso no opacaría la gran noche que ellos y nosotros vivimos.

Se nos va nuestra banda de Rock regalona, pero al menos lo hace de la mejor forma, con una comunión mutua de ellos y nosotros. Para muchos es la mejor banda del planeta, y creo que, recíprocamente, para ellos nosotros somos el mejor público, los más aperrados y los más amorosos; nos queremos con todos nuestros defectos y virtudes. Por eso no sería de extrañar que a más de alguno se le haya hecho un nudo en la garganta mientras finalizaba el concierto, personalmente, aún no puedo ni tragar del que tengo, sin embargo mi corazón late con mayor alegría desde el 5 de diciembre.

Setlist:

1. Epic
2. Everything’s Ruined
3. Be Aggressive
4. Caffeine
5. Ben
6. The Gentle Art of Making Enemies
7. Last Cup of Sorrow
8. Helpless
9. Cuckoo for Caca
10. Evidence
11. As The Worm Turns
12. Midlife Crisis
13. Spirit
14. King for a Day / Qué He Sacado con Quererte
15. Ashes to Ashes
16. Just a Man
    ———————
17. Zombie Eaters
18. Surprise! You’re Dead!
19. We Care a Lot
    ———————
20. Easy
21. Digging The Grave
    ———————
22. Kiss and Say Goodbye

Por Homero
Fotos por Felipe Ramírez Amigo

Desde las 5 de la tarde el público fue animado por Fulano y Monotonix, banda Israelí que vino por petición especial de Patton para exaltar lo ánimos, y como no, si ya desde el primer tema el vocalista Ami Shalev (bautizado por el público como Wilson) salía volando desde el escenario hacia el público, haciendo un show interactivo que fue lo suficientemente llamativo para cautivar a los enardecidos fans de Primus y Faith No More.

Luego de esta atractiva performance llegaría a escena, por primera vez a Chile y después de 20 años de espera, Primus quienes entraron en medio de dos astronautas inflables de casi 10 metros que estaban dispuesto a los costados del escenario y que eran parte del “Oddity Faire Tour” que los trajo a Buenos Aires y los cruzó por la cordillera hasta llegar al Estadio Bicentenario de La Florida.

Y entre Pink Panter y otras rarezas de Mancini que se escuchaban de fondo, entra a escena Les Claypool con una llamativa camisa roja Italiana, jeans negros, un lindo vest de color verde y un sombrero al estilo Chaplin, que lo hacían ver como un presente navideño ad hoc para esta fecha. Luego le seguiría el guitarrista Larry Lalonde y el notable baterista Jay Lane, miembro original del grupo.

Inmediatamente suenan los primeros acordes del bajo único e incomparable de Les para dar comienzo con “Pudding Time”, que ya en su primer minuto interviene con un solo de Jay quien dejó claro porque Claypool lo instó a volver al grupo después de 20 años.

Luego llegaría “Here Come the Bastards” un clásico de su tercer disco “Sailing the Seas of Cheese”, álbum que los hizo conocidos en nuestro país y los lanzó a una fama no buscada. Esto se vio reflejado cuando un centenar de personas escuchó las notas, que provenían de los golpes que Claypool le daba frenéticamente a su bajo, y comenzaron a saltar enloquecidamente dejando ver a varios fieles seguidores a pesar de los años.

Finalizada cada canción se escuchaba un gran eco alrededor del estadio que decía: ¡Primus! ¡Primus!, a lo que Claypool agradecía con un “gracias Chile”. A la vez que comenzaba con la introducción a lo que sería el cerdo más burlesco de los 90, “Mr Krinkle” quién sale desde el fondo del escenario saltando y girando en el aire un arco armónico que luego utilizaría para degollar un instrumento en posición de contrabajo. Sin embargo, después de dos minutos, Les cambia repentinamente de bajo para seguir con “John the Fisherman” registrado por primera vez en el disco “Suck on This” y que luego se transformaría en la primera parte de la trilogía del Juan el Pescador.

Finalizada esta canción, el público ovacionó con un: ¡Olé Olé Olé! ¡Primuuus Primuuus!. Y Claypool un poco sorprendido dejaría un espacio para agradecer una vez más al público. Luego volviendo a un costado del escenario toma su bajo de 6 cuerdas y comienza hacer gala de su virtuosismo con la introducción de “Over the electric grapevine” del disco “Tales From de Punchbowl”. Y mientras los fans seguían en éxtasis, incluso algunos bailando una especie de danza tribal por toda la cancha, llegaría el obrero asesino “My name is Mud” de Pork Soda. Para finalizar con “Harold Of The Rocks” dos clásicos que derrochan la experticia de estos músicos que, si bien tuvieron algunos problemas de sonido, demostraron en esta tarde que la complejidad rítmica tiene un espacio muy importante en nuestra escena musical.

Sin duda, aunque la presentación de Primus fue memorable y repasó casi toda su discografía, nos dejó con sabor a poco por el breve tiempo que pudieron estar sobre el escenario, no más de una hora por razones obvias, dejando muchas canciones emblemáticas fuera de este corto pero nutrido repertorio. Entonces tendremos que esperar una próxima visita para que ellos, como la gran banda de culto que es, puedan desbordar toda su genialidad en un complejo más íntimo. Ya que por ahora sólo fueron un invitado de lujo a la última cena de antología que daría más tarde Faith No More.

Setlist:

1. Pudding Time
2. Here Come The Bastards
3. Groundhog’s Day
4. Those Damned Blue Collar Tweekers
5. Over The Falls
6. Sathington Willoughby
7. John The Fisherman
8. My Name is Mud
9. Over The Electric Grapevine
10. Harold Of The Rocks

Fotos por Felipe Ramírez Amigo

La noche del 2 de diciembre en el Caupolicán es, sin duda, un concierto que se volverá un mito para los seguidores del Rock. Ya que los miles de fans que repletaron el teatro, enloquecieron cuando vieron entrar a Dee Snider corriendo por todo el escenario, agitando su tan característica cabellera rizada de un rubio casi albino y ejecutando todos sus movimientos eróticos de Rock Star.

Luego de media hora de retraso, que él público disfrutó con lo mejor de la música metal que provenía del muro de parlantes puestos en el escenario, Twisted Sister hace presencia sobre la tarima. Entonces un grito al más puro estilo heavy metal, resonaría junto a las miles de voces que gritaban ¡Twister Sister! y comienza a sonar estridentemente la guitarra de Jay Jay con el clásico “What you don’t know (sure can hurt you)” dando la bienvenida a lo que sería una noche intensa.

Finalizado esta primera canción todos quedamos impresionados con la fuerza que emanaba de esta banda. Exactamente tal cual la recordamos en esos videos emblemáticos de los 80. Aunque no con el maquillaje típico que los enmarcó dentro de las bandas de Glam, sino sólo con sus vestimentas de cuero y jeans tipo motociclistas metaleros y accesorios musicales como la llamativa guitarra de French o el atril rosado y a la vez intensamente rojo de Snider.  Pero más allá de la visual era una presencia, sobre todo de Dee, que irradiaba una energía asombrosa como cual chico veinteañero que saltó como loco entre “You can’t stop rock ‘n’ roll” y unas muy bien actuadas “Captain Howdy” y “Shoote’em down”.

Transcurría la noche y en cada canción intervenía un locuaz Snider que amplificaba los ánimos con frases como: “Twister Sister esta Chileee”, “ You are sick mothers fuckers crazy”. Gritando y dialogando hasta en un pueril español: “ you are Locoooosss”, “muy bien muy bien, ¿y tú?. Bien gracias”, “¡Hola Chile! ¿Dónde está tu amiga?- Al teléfono. Luego diría: “Mi Español es poquito” y termina agradeciendo como una chica avergonzada: “de nada de nada”. En ese momento las risas y los aplausos del público eran incontenibles, tanto así que toda la banda agradecía y grababan con sus Iphone las respuestas enardecidas del público.

Mientras los juegos frenéticos de luces se proyectaban en la enorme calavera de fondo, sostenido por unas sexys hermanas, llegaría un hits de todos los tiempos “”We’re not gonna take it” que fue eufóricamente coreada por miles de manos empuñadas al son de We’re right (yeah), We’re free (yeah), We’ll fight (yeah), You’ll see (yeah) que encendió los ánimos hasta tal punto que muchas camisetas volaron por los aires y se podía ver a varios chicos en la graderías más altas con el torso desnudo y agitando sus poleras al viento. Esta canción, que fue cantada en su versión original por un público más joven, también fue coreada extraordinariamente por los fans más antiguos en gritaban la clásica adaptación chilena “Huevos con aceite y limón…” que no dejó indiferente a la banda.  Ya que una vez finalizado el tema, Dee nos dice: Esta es nuestra canción pero ahora queremos escuchar la versión de ustedes y dirigiendo el micrófono a Eddy “Fingers” Ojeda, éste dice “Huevos con Aceite” y el Caupolicán completo fue envuelto en carjadas y aplausos, entonces la batería comienza nuevamente a marcar el coro y todos hasta el propio Dee que se tocaba las entrepiernas gritaba el clásico huevos con aceite y el público agregaba “ y limóooonnn” que revivió el espíritu del Rock de los 80.

A casi una década de su regreso, Twisted Sister logró volver a escena más vivo que nunca y continuó interactuando con el público como un perfecto líder carismático y emotivo, sobre todo cuando mencionó la pérdida de un héroe del heavy metal, el vocalista Ronnie James Dio, al cual rindió tributo con “Long live rock ‘n’ roll” de la banda Rainbow.

Más tarde continuando con las nostalgias, Dee tomaría su celular como si fuera un fósforo encendido y comenzaría con “The Price” una gran balada que nos recuerda el alto costo que a veces significa vivir los sueños y la vida, sobre todo cuando sabemos que es una batalla que al final todos perdemos, pero no por eso deja de ser Bella. Y así lo hacía ver el público, quienes incentivados por Dee, encienden todo el recinto como luciérnagas en la oscuridad.

Para finalizar esta primera parte, la batería de A. J sonaría de forma desquiciada para pedir Rock puro con “I wanna Rock” que hizo literalmente temblar a este noble recinto, mientras Dee seguía alabando al público con “Ustedes sí que saben rockear”.

Aunque con ausencia de maquillaje, lo de Twister Sister nos remontó con nostalgia a esa época donde la música se disfrutaba al límite de lo físico. Largas chascas moviéndose de un lado al otro, miles de dedos índices y meñiques haciendo el clásico saludo metalero, latas de cerveza volando, chicos desnudándose y tocando una guitarra imaginaria, en fin… todos esos clichés que son parte del manual rockero y que estas hermanas retorcidas lograron traer del pasado como destellantes flashback que inundaban el teatro con una energía desbordante. Un grupo de heavy metal puro que demuestra que más allá del tiempo, del maquillaje, de los singles de Pop, el alma del rock es vivida intensamente cuando existe una perfecta conexión entre el espíritu de la banda con sus fieles seguidores.

Fotos por Sebastián Jiménez

La cuenta regresiva había comenzado hace meses y, finalmente, llega al 25 de noviembre, día donde se presenta por primera vez en Chile esta potente banda germana en el Estadio Bicentenario de la Florida. Recinto que abrió sus puertas desde las 6 de la tarde para albergar a los más fanáticos que deseaban la mejor ubicación.

Cerca de las 9 de la noche, luego de una buena introducción de la banda nacional Kanatrán, el estadio por completo comienza a vibrar bajo un eco profundo que decía Rammstein! Rammstein! que análogamente sonaba como un choque de piedras en nuestros oídos. Entonces unas luces azules alumbran en forma de columnas sobre el telón negro y los gritos de la audiencia se hacen cada vez más ensordecedores. Inmediatamente se escucha una voz que canta como un himno: “Wer wartet mit Besonnenheit, der wird belohnt zur rechten Zeit. Nun, das Warten hat ein Ende. Leiht euer Ohr einer Legende”. Lo que sería: “Quien espera pacientemente es recompensado en el momento adecuado. Bueno, la espera ha terminado. Presta tus oídos a una leyenda”. En ese preciso momento cae el telón y da paso a una gran bandera Alemana que es iluminada potentemente desde el fondo del escenario, mientras la voz penetrante de Till Lindemann resuena con la palabra ¡Rammstein!. Entonces un fuerte estallido retumba en todo el estadio y, entre gritos y aplausos eufóricos, cae la bandera negra, amarilla y roja para mostrar a estos 6 hombres alemanes, que aparecen en escena con un semblante rígido para dar comienzo con “Rammlied” canción que ha sido el tema introductorio de su último disco “Liebe ist Für Alle Da” y también presentación obligatoria de sus últimos show en vivo.

Prontamente continuarían con “B*******”, canción con la cual la batería de Christopoh Schneider golpea al mismo tiempo que las 6 columnas de fuego, que se encendían en llamas tan elevadas que lograban alcanzar los focos rojos del techo del escenario, recreando de esta manera el mismo infierno.

Luego entre “Waidmanns Heil” “Frühling In Paris” y “Ich Tu Dir Weh” se encendería el escenario hasta tal punto que un pirómano Till tomaría un lanzallamas y apuntando hacia un gran recipiente de metal, donde se encontraba el tecladista con un traje incandescente, comenzaría literalmente a cocinarlo en llamaradas. Fuego que también era percibido fuertemente por nuestros rostros, y entre piromanía, pirotecnia y un fuerte olor a bencina, llega con ardor a nuestra piel “Du Riechst So Gut” sencillo de 1995 que nos transportó a la etapa más oscura e Industrial de esta banda.

Transcurría casi una hora de concierto, cuando entraría al escenario un gran estanque de Gasolina, que sería prontamente manipulado por Lindemann para comenzar a cantar “Benzin” el elemento necesario para que él, tomando la manguera, pudiera lanzar una gran llama hacia el público. En ese momento se ve a alguien saliendo de un costado del escenario y comienza a bailar cerca de este fuego. A lo que Lindemann responde quemándolo a lo bonzo.

Luego de esta impactante escena llegaría “Du Hast” canción de 1997 que los transformó en una banda de culto en nuestro país y que en esta noche ardiente puso eufórico al estadio en su totalidad en donde las personas saltaban enardecidas con las manos en alto y gritando Du hast mich!!!. Haciendo ecos que retumbaban en nuestras cabezas.

Para finalizar con esta primera parte del show llega “Pussy”, canción cuyo video generó una gran polémica y fue prohibido en varios países. Pero que llega esta noche sin censura por un Scheneider que, subiéndose sobre su batería, comienza a pasar sus manos entre las piernas y sacando un enorme falo empieza a expulsar una gran lluvia de fuego, que pronto imitaría el resto de la banda. Los cuales, aproximándose al borde del escenario, comienzan a lanzar agua y millones de papeles brillantes sobre nuestras cabezas.

Tras este primer corte Rammstein vuelve como un sol que ilumina nuestras retinas con “Sonne” para continuar encendiendo más y más, hasta transformarnos en un mar de gente que deseaba estar más cerca de ellos. Tanto fue el entusiasmo, que un chico sube al escenario con una felicidad incontenible, que es finalizada drásticamente por unos guardias que lo sacan de arriba con una violencia un poco desmedida.

Finalmente, el tecladista en un delirio desbordante, se sube a un bote inflable y se lanza hacia el mar de gente, abriéndose paso con la ayuda de todo el público. Logrando llegar hasta el final de cancha Vip en donde le lanzaron una bandera chilena. Y él, agitándola en el aire, vuelve al escenario entre ovaciones y aplausos.

Es posible que muchos detalles se nos escapen de esta espectacular noche. Pero en resumen podemos decir que Rammstein más allá de buenos músicos y de poseer una puesta en escena extraordinaria, es una banda que maneja perfectamente los sentidos de las personas que asisten a sus show. Ellos son capaces de recrear sobre el escenario el mundo idílico de sus canciones, llegando al límite de lo permitido por el ojo humano.

Definitivamente esta banda se consagra como los dioses del fuego que están adiestrados por años en el arte de manipular este elemento esencial para la creación del Universo. Un mundo que sólo Rammstein es capaz de mostrarnos como un infierno placentero al cual tuvimos el privilegio de entrar.

1. Intro
2. Rammlied
3. B*******
4. Waidmanns Heil
5. Keine Lust
6. Weisses Fleisch
7. Feuer Frei
8. Wiener Blut
9. Frühling in Paris
10. Mein Teil
11. Du Riechst So Gut
12. Benzin
13. Links 2 3 4
14. Du Hast
15. Pussy
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16. Sonne
17. Haifisch
18. Ich Will
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19. Ich Tu Dir Weh
20. Te Quiero Puta

Fotos por Felipe Ramírez A.

Tras poco más de seis años y nuevamente un día jueves, la banda oriunda de Bristol (que participara en 2004 en la primera edición del Festival Santiago Urbano Electrónico) se presentó por segunda vez en nuestro país.

Haciendo una comparación entre ambos shows, el de hace seis años fue más bien austero y al parecer la tardanza y la espera valieron la pena. Esta vez la banda nos deleitó con una puesta en escena en base a tecnología LED y dos invitados de excelencia: Martina Topley-Bird y Thievery Corporation.

La encargada de abrir esta segunda jornada del SUE fue la inglesa Martina Topley-Bird, quien para muchos de los asistentes era desconocida; incluso entre los comentarios varias personas pensaron que se trataba de una DJ. Bueno, para quienes no sepan quién es Martina, ella tiene una interesante carrera musical: debutó como vocalista junto a Tricky, su ex-pareja y con quien tuvo un hijo, participando en los discos “Maxinquaye”, “Pre-Millenium Tension” y “Nearly God”. Después de ese despegue, continuó una carrera solista en la que también se aprecia su habilidad como multi-instrumentalista y donde ha colaborado con otros artistas como Diplo y Gorillaz, entre otros. Dentro del repertorio de su breve presentación, pudimos escuchar temas de sus dos álbumes de estudio, “Quixotic” y “The Blue God”: Lying, Sandpaper Kisses, Da Da Da (tema en que hizo cantar a la audiencia), Phoenix, Poison y Too Tough To Die, donde tomó la guitarra eléctrica, agregó un poco de rock y terminó por conquistar a todos en Espacio Riesco.

Luego salió a escena Thievery Corporation, el dúo de Eric Hilton y Rob Garza, quienes junto a músicos de sesión y cinco vocalistas ofrecieron una presentación impecable que hizo bailar al público y corear algunas de sus canciones al ritmo cosmopolita mezcla de acid jazz, lounge, down tempo, dub, raíces indias y brasileñas.

Finalmente, llegó el esperado turno de Massive Attack. En casi dos horas de espectáculo, nos vimos vulnerables y caímos rendidos ante Robert “3D” del Naja, Grant “Daddy G” Marshall, seis músicos que agregaron un sonido más “orgánico” acorde al último disco y además las voces de la suave y cálida Martina Topley-Bird, el gran Horace Andy (una de las leyendas del reggae y dub internacional) y la potencia y armonía de Deborah Miller.

De comienzo a fin, el setlist se vio acompañado por la proyección de formas y mensajes en las placas LED, dentro de los cuales observamos cosas relativas a la cultura chilena, frases sobre la democracia, la libertad, cifras con datos estadísticos de Chile y el mundo, titulares de noticias en los que obviamente no faltó el tema de los mineros y la despedida del técnico Marcelo Bielsa, además de la aparición de diferentes marcas comerciales, gigantes de la industria a nivel mundial e íconos del capitalismo.

Las canciones que formaron parte de este espectáculo, que a más de alguno mantuvo en trance, fueron United Snakes, Babel, Risingson, Girl I Love You, Future Proof, Psyche, Mezzanine, Teardrop, Angel, Inertia Creeps, Safe From Harm, Splitting The Atom, As You Were Leaving, Unfinished Sympathy y Atlas Air.

No cabe duda que la presentación de Massive Attack fue el broche de oro del Festival SUE, algo memorable, onírico… ¡simplemente maravilloso!