El tema principal es el término de las relaciones amorosas, temática que no es nueva para este grupo chileno, ya que muchas de las canciones de sus tres discos anteriores De Saloon (2003), “Morder” (2004) y “Abrázame” (2006), también se enfocan en el dolor de perder a la pareja.

El disco producido por Tweety González y Richard Coleman, se realizó bajo un concepto determinado en término de las letras de las canciones, es decir, “delicada violencia”, tiene que ver con denominar la violencia que se genera cuando yo te digo “Sabes que ya no te quiero más”, así lo explica el vocalista Jean Pierre Duhart.

Sea cual sea el motivo del término de una relación, los fans de De Saloon podrán sentirse identificados con al menos alguna de las diez canciones del cuarto disco. El despecho al terminar, el dolor que se siente cuando uno cree que es el hombre o la mujer de su vida, las promesas que se rompen, la no aceptación del término de una relación y no querer perder, las heridas y recuerdos borrados, entre otros temas de desamor, son los que componen este último trabajo.

Aparte de que el grupo dejó de ser independiente, las nuevas letras al parecer no traen un contenido muy novedoso, sin embargo, el disco llegó a ser uno de los primeros en el ranking de ventas, por algo será.

Lo nuevo de los británicos sólo sorprenderá a los seguidores más fieles de la banda, pues el hecho de volver a un sonido menos comercial, y por lo tanto, más experimental, más de género, sólo segmentará desfavorablemente el éxito comercial de la placa. Alguna vez, en una entrevista, Ashcroft comentó que jamás volvería a reagrupar The Verve, confiando seguramente en su poder de composición como solista. Sin embargo, las ideas le han fallado penosamente en su carrera musical -sólo basta darle una escuchada a su último disco a la fecha, ‘Keys to the World’ (2006)-, y es por ello quizás el porqué de la inminente y quizás hasta innecesaria reagrupación de los ingleses.

El disco tiene pocas sorpresas, pero se disfruta más que sus primeras placas, ya que posee ciertos elementos pop que aligeran el vuelo y desintoxican un poco la humareda atmosférica que, como es de costumbre, se satura cuando sobrepasa los seis minutos de duración. Asimismo, las guitarras de Nick McCabe funcionan más como espasmos-fantasmas de energía espectral que como rasgueo de riffs y cuerdas, y esto repercute controversialmente en el concepto que ‘Fourth’ intenta compendiar.

De lo mejor del álbum podemos destacar a “Sit and Wonder”, temazo de aquellos que abre el disco con ritmo soberbio y a su vez paciente; gran canción con un fraseo memorable, donde aquella exposición de ambientes desoladores y siderales funciona muy bien, y lo mejor de todo es que no pierde la esencia rock casi transparente en el sonido característico de la banda. El primer single del disco es la gran canción “Love Is Noise”, sencillo que definitivamente descolocará en una primera escucha, quizás por tener una onda al “Real Gone Kid” de Deacon Blue, especialmente por esa resonancia de coros insistente hasta el final; no obstante, al repasar el track una vez y otra más terminará gustando más de la cuenta, al punto que será imposible despegarse de su pegajosa melodía.

En un plan más apaciguado está “Rather Be”, pasable propuesta que nos recuerda una pizca al anterior trabajo de los británicos, y demasiado al último intento de Ashcroft por triunfar sin los demás integrantes de la banda; y por lo demás, “Judas”, una dulce tonada de ensueño y misceláneos sabores, con un Ashcroft cantando desde las nubes del paraíso, y un McCabe más lucido que nunca en los efectos y las atmósferas. La batería de Peter Salisbury suena predominante e incluso hipnotizante en “Numbness”, pero la distribución de los arreglos es pomposa y perturbadora, dando como resultado una improvisación de sonidos empalagosos que al escucharla, nos da la impresión de estar arrastrando lo más pesado del mundo en nuestras espaldas.

Lo que ocurre con “I See Houses” es extraño. Al parecer se trata de buena muestra de talento, técnicamente está bien hecha y contiene la mayoría de los componentes adecuados para dar forma a una buena canción. Sin embargo carece de alma, y eso es algo imperdonable en una banda que primero: hace canciones viscosas e indigeribles, como probando el terreno y buscando su identidad, para luego: superarse a sí misma y dar vida a preciosas baladas de sinceras intenciones, como “Sonnet” o “The Drugs Don’t Work”. Lo cierto es que “I See Houses” pasa casi desapercibida siendo la predecesora de la ruidosa y oscuramente ensimismada “Noise Epic”, para algunos lo más irritante del disco, para otros el edén de la neo psicodelia noventera. Los Verve se muestran ácidos creando capas y láminas de grises luminosos, que sirven de telón para un Ashcroft sarcástico, y que sin pensarlo dos veces se vuelve furioso, y a partir del minuto 6:28 hasta el final los demás integrantes despiadadamente crepitan sus instrumentos con violencia, pero sin perder la elegancia que los caracteriza.

“Valium Skies” probablemente sea éste el single en plan balada que edite la banda, pues es una perfecta prueba de que los Verve sí se acuerdan de la música que hacían a finales de los noventa, donde un poco original Ashcroft se adueña de las melodías que acostumbran a crear los hermanos Gallagher, para dar vida a una canción que de haber sido incluida en uno de los discos en solitario del líder y vocalista, sería todo un hit. “Columbo” es otra soporífera composición de siete minutos y algo, creada a base de fango, espesor sonoro, y sobrantes cambios de ritmos, donde las ganas de adelantar este tedio-pseudo-space-rock se vuelven insostenibles. Para finalizar concluye “Appalachian Springs”, una canción que teóricamente podría resumir las verdaderas intenciones de la banda, ya que mezcla una melodía templada y agradable, con aires al ‘Human Conditions’ (2002) de Ashcroft, y que se embalsa en una espumosa -y aunque un poco redundante- evaporización volátil y gaseosa de sutiles eufonías, que desfilan como si estuvieran levitando.

‘Fourth’, lo nuevo de estos británicos da buena muestra de que en el plano musical, como músicos han mejorado sobremanera, y a pesar de que no han esbozado una obra maestra para alardear de un ultra-mega regreso, sí han sabido entretener a sus fans, manteniendo altas las expectativas para la pronta mejora de un nuevo y mejor disco. Por lo pronto, cabe preguntarse: ¿Hacia dónde apunta la banda con éste nuevo álbum? ¿Resumir toda su carrera en un disco de transición para superar el pasado y forjar una especie de “borrón y cuenta nueva”?…  Puede ser. O quizás ni ellos aun lo sepan.

‘Témpera’ representa un punto categórico en la carrera del cantautor, pues ratifica su calidad de compositor y no deja dudas acerca de su talento imaginativo, compendiando todas las armas de su virtuosismo sagaz en una de las actuales propuestas más interesantes dentro la escena nacional. Manuel García escribe una poesía llena de belleza y enigmáticas imágenes, que luego acomoda sutilmente en gráciles melodías tan dulces como taciturnas, y esto es prácticamente lo mismo que han hecho prestigiosos autores como José González o Sam Beam (Iron and Wine) en el mundo, lo que no resta prestigio al trabajo del trovador chileno.

No obstante, ‘Témpera’ puede parecer un ejercicio de introspección demasiado intrínseco, y quizás por esto no produzca la misma sensación que ‘Pánico’, un álbum del cual es difícil no enamorarse. En esta ocasión, García nos presenta 13 temas que esconden paisajes opacos y cuentos íntimos e anímicos, los cuales no identifican del todo al auditor promedio, o no tanto como lo hicieron “La pena vuela”, “Hablar de ti”, “La danza de las libélulas” o “Azúcar al café” en su momento. De esta forma, ‘Témpera’ se enuncia como un álbum sumamente personal, que pretende consumar ciertos pasajes incompletos de la infancia de García, a juzgar por sus retrospectivas letras que, incluso, evocan otros tiempos en el ambiente sonoro en el que se plantean.

Abre el disco “Nadie más que el sol”, una hermosa canción que podría haber sido parte del tracklist de ‘Pánico’, ya que posee características similares al Manuel tradicional, melodías y acordes bañados en fina melancolía e interpretada con una voz en estado de gracia. Una letra que quedará impregnada en la memoria de todo seguidor por siempre: ¿Cómo crees tú que ese juego se te ocurrió?… Aunque sólo a ti te bese el sol, nadie más que el sol. Sigue la mustia “Barcos de cristal”, y la sutileza en la guitarra de palo continúa un rumbo más fuliginoso, con un Manuel yendo a lo más profundo de sí, recitando un planteamiento más críptico y al mismo tiempo fugaz. Con “Ninguna calle”, el autor marca la diferencia, implicando levemente su percepción de la religiosidad y estilando una ardua composición instrumental de trasfondo, cortesía de la contrabajista María Teresa Molina, quien además se encarga de la producción del disco.

“La gran capital” es uno de los temas más entrañables del álbum, aunque poco o nada tenga que ver con el Manuel de siempre. Se trata de una tonada muy alegre y con un buen ritmo, que mira con particular nostalgia –y algo de humor- aquellos tiempos en que un tímido provinciano llegaba a instalarse y probar suerte en tierras santiaguinas. Luego, “Tarde” derriba el muro de regocijo que “La gran capital” habría instado minutos antes, para trazar esa misma timidez pero en un terreno completamente diferente. Un Manuel cantando como si fuera un lamento fragmentos de su pasado que aun repercuten en su presente, expresados tácitamente en el texto y con cierto dejo de rencor. Aquel silencioso clamor se disuelve en “Canción y plegaria”, y es aquí donde la complejidad de los arreglos instrumentales alcanzan su mayor apogeo, con una ancestral introducción de cuerdas de muy buen nivel y una letra casi épica que se nutre de la mejor poesía del artista.

Es recurrente en Manuel García escribir canciones sobre el amor que es tortuoso y confuso, aquellas donde el músico esboza una suerte de análisis acerca de las problemáticas que posee las relaciones sentimentales, todo un universo por describir. “Es bello, es bueno” es una de ellas; una acertada balada acústica que encubre una compleja observación sobre los pros y los contras del corazón, pero con un denotado resentimiento personal que a ratos pareciera desviar el contexto a un plano más surrealista. A partir de “Pañuelí”, Manuel se pone más folklórico y nacionalista, y junto a “Los colores” y “Témpera” (increíble el verso: difícil hacer el amor sin sentir que nos agarramos de una tabla),  recurre a su indumentaria más intimista y apasionada del álbum, con canciones repletas de textos sorprendentes, convenientes armonías de manufactura sencilla, y precisos arreglos nativos en plan artesanal que no fallan a la hora de enganchar al oyente.

En “Perderse”, García arpegia un riff repetitivo y una composición sensible en su letra y en su tonada, incluyendo posteriormente una pegajosa base rítmica muy cercana al rock de Mecánica Popular, agregando beneficiosos arreglos y efectos espaciales en la guitarra eléctrica. Continúa “Piedras” y el concepto musical cambia notoriamente a una atmósfera más añeja, recuperando el sonido básico de las canciones folk-psicodelia de los sesenta -aquellas que requerían palmas para mayor deleite-, y haciéndose innegable la influencia del otrora cantautor nacional, Fernando Ubiergo. Notable el solo con que cierra “Piedras” para dar inicio al final del álbum, “Cangrejo azul”, otro tema en plan folklore que implora por cuadros fantásticos, una rebelión de cuerdas acústicas rugiendo al compás del frío sureño, y un fraseo repleto de imaginación pictórica. Sin dudas, el broche de oro que consuma este gran obra chilena.

Un disco clasificable en su propio género, que se inspira tanto en el folklore más penetrante como en el indie acústico más alternativo. ‘Témpera’ de Manuel García, es una buena muestra de que en Chile hay excelente música que no obvia los sonidos contemporáneos del mundo, ni olvida las raíces con las que se nutre, y que fácilmente podría salir de exportación a conquistar algunas almas en el extranjero, sin perder una gota de la esencia del norte, de la capital y del sur de Chile. Ni una gota de esta témpera de múltiples colores.

‘Konk’ fue registrado en Konk Studios, sala de producción perteneciente a Ray Davies (The Kinks) -de ahí el nombre-, y posee un sonido casi idéntico a ‘Inside In/Inside Out’; casi, pues se puede apreciar ligeramente una valiosa mejora en la producción y comprensión de los instrumentos, a cargo del prestigioso productor Tony Hoffer (Dave Gahan, The Fratellis, Belle & Sebastian, etc.).

En una primera instancia, ‘Konk’ podría sonar uniforme a su anterior placa, pues está conformado de canciones construidas bajo el mismo método aplicado en 2006, planteándose los mismos conceptos narrativos, haciendo uso de las recurrentes armonías que funcionan perfectamente como una segunda parte de su anterior trabajo. No obstante, el segundo álbum de los británicos es más que una aparente continuación, es un compilado de canciones que en cierta medida que buscan fortalecer el sonido de una banda de pop-rock fiel a sus raíces y satisfecha de seguir haciendo lo mismo y haciéndolo bien… o quizás mejor, pues lo que muchos creyeron en 2006 aun es cierto, The Kooks es una de las propuestas emergentes más exitosas de la década.

Al igual que en ‘Inside In/Inside Out’ y “Seaside”, ‘Konk’ comienza con suavidad, presentando una sofisticada y muy anglosajona tonada en “See The Sun”, que en menos de lo que se espera se desvanece rápidamente para dar cabida a los inquietos rasgueos de las cuerdas rítmicas que el vocalista Luke Pritchard esboza reciamente. Gran tema que precede de otro mejor, probablemente el mejor del álbum, “Always Where I Need to Be”, primer single de ‘Konk’ y un excelente ejemplar de carácter pop escurridizo y jubilosamente adhesivo, de lo mejor del álbum. “Mr. Maker” es un concierto pop en potencia, una melodía inolvidable que intenta simular ritmos más añejos, y aunque no lo logre del todo, se trata de uno de los temas más entrañables del disco.

“Do You Wanna”, tercer single del álbum, es palpablemente diferente a lo que estaban acostumbrados a hacer estos chicos, pues se logra apreciar un aire más maduro en su melodía, y en la potencia hipnotizante del coro repitiendo el nombre del tema con logrados matices. Uno de los principales atractivos del grupo es la singular voz de Pritchard, que se destaca mejor en este álbum, y que se eleva juguetonamente en la siguiente pista, “Gap”, pero se desinfla despiadadamente en su coro, y en “Love It All” se transforma en una empalagosa propuesta de 2:50 min. Que no consigue convencer del todo. Por suerte continúa “Stormy Weather”, y el joven guitarrista Hugh Harris (20 años) opta por un rasgueo de cuerdas más britpop del alegre, y junto a una predominante línea en el bajo -del nuevo integrante de la banda, Dan Logan-, retoma las riendas y reafirma la dirección del disco.

Sigue “Sway”, un tema vacío que a pesar de desplegar un ligero impulso de ingenio a medida que transcurren los segundos, no sobresale tanto como lo hace “Shine on”, segundo single y notable pieza melodiosa que resume todas las buenas intenciones de The Kooks por crear una balada plausible en esta nueva producción. “Down to the Market” es movida y refrescante, y está compuesta de una estructura perspicaz, y que no resulta tan monótona como en otras ocasiones acostumbra a sonar la banda. “One Last Time” pasa desapercibida por lo lisa y aburrida que es, y el disco finaliza con “Tick of Time”, temón acústico irresistible, donde se esconde en el final la inédita “All Over Town”, cerrando así correctamente esta segunda placa de The Kooks.

‘Konk’ es un disco dispar a diferencia de ‘Inside In/Inside Out’, pues no posee tantos temas buenos como en su ópera prima, sin embargo los que sí son buenos de este nuevo álbum son mucho mejores que cualquiera de sus anteriores canciones. La inclinación por melodías más pop y asimismo más pegadizas, ha traído buenos frutos en la banda, y se nota, aunque muy poco, una madurez sonora por parte de sus integrantes. Evidentemente, estos ingleses buscan apuntalarse con un sonido característico e innovador, y así como van de seguro lo obtendrán.

Lo nuevo de Beck es extraño y a su vez misterioso, lo que gusta bastante. La esencia de su música no se logra apreciar en una primera escucha, y sin embargo basta con repasar el disco unas cuantas veces para regocijarse develando poco a poco las múltiples y luminosas capas sonoras que aderezan este más-que-interesante compilado: redondeadas -pero con sólidas y pegajosas bases rítmicas-, expedicionarias, y aunque quizás la mayoría de ellas peque un poco de inocencia, en general representan una fiel prueba de que estamos frente a un artista que no se deja seducir con cualquier apuesta para mantenerse en pié, y acepta los retos de una evolución casi imposible, pero refrescante.

El disco comienza con la tremenda “Orphans”, una canción irresistible, rica en instrumentación y eclécticos arreglos muy al estilo “Beck”. En este tema podemos oír la voz de Cat Power (Chan” Marshall), susurrando las radiantes líneas pop del coro, lo que otorga más ingredientes al pastel para que al final su sabor sea tan confuso e incomparable que terminemos extrañamente fascinados. Le sigue “Gamma Ray”, segundo single del disco. Repite la misma fórmula y supera el tema predecesor, invocando ritmos que nos recuerdan al pop sesentero más bailable de la década. Aquí Beck se pone  a recapacitar sobre el calentamiento global, en un discurso que jamás sonará trillado en semejante acompañamiento musical.

Lo mejor del disco es la increíble “Chemtrails”, mega-tonada que está muy por encima de las otras nueve canciones, lo que juega un poco en contra a este ‘Modern Guilt’. El músico aplica una voz desoladora y reflexiva, que se contrasta con la rabia que expulsan los tambores en la gloriosa entrada del coro, y con la plegaria en su narrativa por la imagen agresiva de toda esa gente muerta frente a él. Una composición increíble que contiene aires épicos y simula a la perfección el sonido de “The Four Horseman”, un clásico de Aphrodite´s Child que, según dicen, Beck se inspiró estrictamente en él para dar forma a este, su primer single.

El segmento electrónico del disco comienza a elevar la voz en “Modern Guilt” (la canción), un viaje en el tiempo estático que se nutre de una buena mezcla armoniosa: pop añejo y plataformas métricas contrarias a las melodías. El concepto del álbum es cada vez más claro, y la culpabilidad tecnológica comienza a hacer ruido no sólo en sus letras. Posteriormente los sintetizadores se instalan con las maletas hechas, y es en “Youthless” donde retorna un Beck más terrorífico, y muy en la onda Aphex Twin, agudizando su discurso y culpando a la modernidad de hoy por la juventud adúltera del mañana. O algo así.

Beck canta con matices y tonos sutilmente diferentes en cada tema, y así manifiesta una estructura un poco más versátil de lo que de por sí ya se pude apreciar en cualquiera de sus discos. Un buen ejemplo es “Walls” que arremete contra las guerras de Bush, y deja espacio para que Chan Marshall nuevamente refuerce los coros, surtiendo el festival eléctrico con violines y distorsiones varias para rematar. Una base muy compleja abre “Replica”, y si no fuera por el excelente efecto atmosférico que ofrece un casi improvisado juego de voces, no terminaría de convencer una canción que podría haber escrito Thom Yorke como solista.

El blues híbrido, viscoso y muy ácido de “Soul of a Man” es como el polvo y los escombros del fin del mundo creado por el hombre, y el protagonismo de la guitarra es sublime y a su vez lúgubre, pero sin perder el ritmo: ¿Qué hace Beck para incursionar en los pasajes más recónditos de las melodías infinitas y nunca perder el ritmo? Mientras se pierde el tiempo en responder una improbable contestación, el sonido contagioso de “Profanity Prayers” se asoma, los hilos se tensan en una cadencia rígida, pero suculenta e imposible de no saborear, y  un inesperado puente que libera un par de notas acústicas al slide, sólo engrandece la capacidad compositiva de uno de los mejores solistas que ha parido la década pasada. Beck, el magnífico, cierra el álbum con “Volcano”, donde se siente más taciturno, trata de imitarse a sí mismo en “Chemtrails”, y roba algunos tonos que logra reciclar en una apuesta mucho más abstraída y melancólica, como si fuera un b-side del ‘Sea Change’ remezclado en los studios de Danger Mouse.

Es cierto que Beck hizo más ruido con ‘The Informaton’ (2006) que con esta original propuesta, pero es innegable que el poder imaginativo se haya más presente en estas diez honestas y simples (aunque no lo parezcan) canciones, las cuales se inundan de acomodos disonantes y divertidos, bañados en tendencias de antaño y tecnología de punta. Un muy buen disco que se disfrutará cada vez más a medida que se vaya escuchando, ya que al igual que ‘Pet Sounds’ de los Beach Boys, ‘Modern Guilt’ esconde una amalgama rica en variedades sonoras en espera de ser descubiertas.

Ocurre esto con las bandas del género post rock: nacen tan maduras y ya tan evolucionadas de algún sonido convencional pero misterioso, que les cuesta satisfacer a un público que espera nuevas maniobras y notoria reinvención por sobre todas las cosas en un nuevo disco. Esto es complejo de analizar, porque no se sabe si el crear un disco similar al anterior es señal de desgaste imaginativo o no en el grupo. No obstante, ‘Með suð í eyrum við spilum endalaust’ contiene varios elementos que se destacan por sobre sus discos anteriores, especialmente de su predecesor, ‘Takk…’ (2005), y aunque no es el mejor LP de toda la discografía, sí es el más asequible a la popularidad, tanto por la composición general de sus temas, que es más colorida, luminosa, y menos espesa que en otras ocasiones, así como también la duración de sus canciones (sólo tres de ellas duran más de cinco minutos, pero ninguna está por encima de los diez). Bajo esta perspectiva, Sigur Rós consigue dar otra vuelta de tuerca en su carrera sin perder en el intento.

Es interesante lo que hace esta banda en la estructura de sus álbumes, ubicando las pistas más optimistas y alborozadas al comienzo para finalizar con melodías más mustias y oscuras. Esto se puede constatar mayormente en sus últimos placas, como ‘( )’ de 2002, o el antes mencionado ‘Takk…’, donde el júbilo va cediendo a la incertidumbre y desesperanza musicalizada, sin disgregarse de un sonido glorioso y muy propio de la banda, característico además de los pasajes más dulce de nuestras vidas.

Más o menos lo mismo ocurre con lo nuevo de los islandeses, pero en vez de ir de lo claro a lo oscuro van de la felicidad a la tristeza, que es algo parecido al concepto planteado anteriormente, y sin embargo marca la diferencia de forma notable. Existe cierto contraste entre los temas “Gobbledigook” -que abre el álbum-, y “All alright” (Sí, “All alright” ¡Y está cantada en inglés también!) -que lo cierra-, ya que en las cuatro o cinco primeras pistas se logra apreciar una tendencia exquisita de pop muy bien elaborado y perspicaz, donde se deja entrever una alegría orquestada diferente a lo que la banda nos tenía acostumbrados. Estructuras complejas y a su vez repleta de arreglos minimalistas, que se disuelven en dulces melodías de lo más entrañables que nos ha regalado el conjunto. Más adelante la atmósfera, sin tornarse densa y aun contando con ciertos rasgos refulgentes mostrados en un comienzo, se vuelve más introspectiva y melancólica, predominando el uso de las teclas y la temática taciturna que provoca más sensaciones de abatimiento que de nostalgia.

Comienza con “Gobbledigook”, canción que representa cabalmente el resto del primer tramo que divide el disco, y que además supone un cambio en la instrumentación común de la banda, donde las guitarras acústicas toman el protagonismo esencial de una canción que pone contento a cualquiera. En la misma línea pop continúan sonando “Inní mér syngur vitleysingur” y “Góðan daginn”; la primera mantiene un ritmo más radiante y acorde a las características mencionadas de esta primera parte, mientras que la segunda representa un poco el sonido más apaciguado que la banda ha desarrollado anteriormente. Sin embargo, en ambas se puede notar la dicha que desprenden unos sonidos hermosos de una elegante manufactura post rock. Un punto aparte es “Við spilum endalaust”, una tonada rítmica exquisita que sobresale de las demás, por poseer una melodía increíblemente sobrecogedora y armoniosa. De lo mejor del disco.

Continúa “Festival”, la canción más larga del disco, y a su vez la más significativa en cuanto a la representación del concepto que nos otorga la banda. “Festival” suena a gloria de comienzo a fin, un tema realmente precioso que cuenta con un in crescendo sobrecogedor, emulando antiguas armas de la banda y explosando de forma colosal una melodía inolvidable. Lo interesante de este tema es que contiene dos partes muy marcadas, una perteneciente al segundo tramo, que era el tramo más entristecido, y la otra al primero. Con este tema se da paso entonces al segundo trayecto del disco, que a pesar de contener preciosas y valorables canciones como la memorable “Með suð í eyrum”, la épica y muy distinguida “Ára bátur”, o la ya mencionada “All alright”, resulta menos sugestivo que los primeros minutos del disco.

Pero a grandes rasgos se trata de un punto a favor para los islandeses, estos seres pertenecientes a otro mundo, duendecillos mágicos que quién sabe cómo transforman la música como la conocíamos en la sustancia más dulce, espacial, eterna y sabrosa que jamás vamos a poder describir con palabras. Hay gente que definitivamente no puede oír a Sigur Rós. Así es, simplemente no pueden. El grado de sentimentalismo y afecto en sus canciones es tal que a las almas demasiado sensibles podría destruir en cosa de segundos. ‘Með suð í eyrum við spilum endalaust’ continúa forjando ese poderoso artefacto que nos retuerce el alma, pero esta vez esgrimiendo elementos más viables a la generalidad, lo cual se agradece… y bastante, principalmente porque han logrado equilibrar un leve pero importantísimo cambio en su música, sin perder su identidad en lo absoluto.

Si hacemos un recuerdo, Weezer con lo exitoso de su disco debut Blue Album se consagró como una de las destacadas bandas de los noventas, vendiendo más de 3 millones de copias en EE.UU, luego tras el “fracaso” de Pinkerton (1996) se borraron del mapa, irónicamente este mismo disco para los fanáticos del grupo se volvió esencial, debido a que sus letras, que apuntaban a fracasos, frustraciones, a un estilo emocional, haciendo de Weezer una banda de culto. Aunque Cuomo ratifique a este segundo álbum como el peor de su carrera. Tras ese largo silencio de cinco años, el cuarteto tuvo su resurrección con otro disco de colores, Green Album que muy similar al primer disco tomó la misma senda, con sonidos menos crudos y cargado al pop. Facturándose 2 millones de copias sólo en Estados Unidos.

Y luego otro bajón, tras la salida de los bajistas Matt Sharp (Blue Album – Pikereton) y Mikey Welsh (Green Album), reclutan a Scott Shriner para grabar Maladroit (2002), álbum que no tuvo el éxito esperado, a pesar que su composición tuvo un feedback con los fans, además se presentaron los problemas de Rivers Cuomo con sus compañeros, ya que, consideró que todos eran reemplazables. Luego Make Believe fue considerado como el último disco en la historia de Weezer, ya que, se rumoreó una separación definitiva, lo que desmintió su productor Rick Rubin quien anunciaba que la banda estaba preparando un nuevo trabajo discográfico. Finalmente llegamos a Red Álbum, un nuevo material que viendo el historial de la banda vaticina un buen auguro.

Este sexto material esta compuesto por diez temas y se suman cuatro más en su edición de lujo. “Troublemaker” da un potente puntapié y llama la atención de que el cuarteto está más vivo que muerto, seguido “The Greatest Man That Ever Lived” tiene la eventual de tener variados cambios que melódica y armónicamente funciona bastante bien.
Su primer single “Pork and Beans” resume el sello de Weezer, directo, oreja y pegajoso, tema que a su vez se burla de las numerosas colaboraciones del productor Timbaland y a la vez se inyectan de actualidad al realizar el video clip en honor al fenómeno de Youtube. “Heart Songs” es una linda y también ya clásica composición pop de Cuomo. Hasta el momento, lo corrido de Red Álbum suena bastante entretenido. “Everybody Get Dangerous” corrobora que la banda pese a sus 18 o 20 años de carrera pueden sonar frescos pero con la estampa de maduros. Lo melódico y heroico suena en “Dreamin’” un tema que también tiene variados cambios de ritmo, dándole agilidad. “Cold Dark World” junto a “The Angel and the One” vienen siendo los temas más equilibrados y acordes con los años recorridos.

Nos detendremos un rato en “Thought I Knew” y “Automatic” temas que por primera vez pese a las 18 años de carrera de que hablamos y seis discos editados, aparecen en esta lista de temas que anteriormente las composiciones sólo fueron facturadas por Rivers Cuomos y sus eternos camaradas, el guitarrista Brian Bell y Patrick Wilson en batería quedaron al margen y tuvieron que hacer sus carreras paralelas para saciar el deseo de crear, por lo mismo Red Álbum da esa libertad, sean regulares o no los temas, que estaba muy hermética por parte de Cuomo.

En sí este álbum tiene detalles externos que hace enriquecedor a este sexto trabajo del cuarteto de California, que pese a los largos años como agrupación si pueden hacerse llamar al fin, “banda”.

Track list:

1. Troublemaker
2. The Greatest Man That Ever Lived (Variations on a Shaker Hymn)
3. Pork and Beans
4. Heart Songs
5. Everybody Get Dangerous
6. Dreamin’
7. Thought I Knew
8. Cold Dark World
9. Automatic
10. The Angel and the One

‘Viva la Vida or Death and All His Friends’ supone una evolución musical de los anteriores trabajos de Coldplay, tal como lo comentó Chris Martin casi un año antes de su lanzamiento. Se trata de una etapa de exploración, de la cual los mismos integrantes del grupo han afirmado que es el estilo y el sonido definitivo que han estado buscando hace tiempo. Esto es debido en gran parte al mítico Brian Eno, quien ha engomado hasta el fondo toda esa esencia que alguna vez implementó en discos como ‘The Unforgettable Fire’ (1984), la cual es tan propia de U2 que a ratos resulta decepcionante reparar en que una de las propuestas más fuertes de la música actual no sea más que un refrito de un cuento que ya hemos escuchado antes una y otra vez, y lo que es peor… que antes lo hayamos escuchado mejor aun.

Si bien es cierto que el disco prometía ser una reivindicación del talento compositivo que alguna vez la banda ostentó, la ambición que despilfarran sus canciones y ese aire seudo futurista y pomposo que otorga su envoltura –y que es, sin dudas, el antónimo de su álbum debut y obra maestra por excelencia, ‘Parachutes’ (2000)-, en rigor, han decepcionado a algunos y a otros han convencido sólo apenas. Claro, porque el hecho de que ‘Viva la Vida…’ supere a su predecesor, el fallido ‘X & Y’ (2005), no quiere decir que sea, por consiguiente, el disco definitivo de la banda. En lo absoluto.

Y es que saciar las expectativas de un público que esperaba una continuación de ‘A rush of blood to the head’ (2002) de todas formas era algo ilógico, Coldplay debía hacer algo diferente; había que evolucionar, mas sin perder la delicadeza y esa aura melancólica y perspicaz que en sus inicios el conjunto había demostrado a la perfección. Pero Coldplay optó por “revolucionar”. El guitarrista Jonny Buckland añadió sonidos Post-rock, riffs espaciales muy bien trabajados (emulando a otros contemporáneos más ingeniosos, como Sigur Rós o Arcade Fire), pero a la larga descontextualizando la labor en ritmos poco adecuados, haciendo que las cuerdas suenen excesivas, llegando incluso a abotagar los oídos. Con ese sonido ya no podían seguir interpretando de la forma intimista como lo hacían antes, por lo mismo se les ocurrió mezclar las atmósferas con las típicas melodías que Bono aplicaba para su grupo, y he allí el error.

Graso error también fue alardear sobre la inclusión de sonidos latinos y elementos de otras partes del mundo, o innovar con una categórica carátula que habría de expresar el sentimiento revolucionario al cual pretendían apostar como banda. De eso hay poco o casi nada, y las agigantadas expectativas inevitablemente se parten en mil pedazos. Mucho ruido y pocas nueces.

De todas formas el disco tiene buenos momentos que son dignos de subrayar. Tal es el caso de “42” o “Lovers in Japan/Reign of Love”, dos canciones que sorprenden sobremanera, porque es en ellas donde la fórmula que intentan aplicar sí resulta. Dulces melodías que suenan frescas y muy propias por lo demás, dejando claro que en una primera instancia había inspiración después de todo. Otra que vale la pena repasar es “Viva la Vida” (la canción), ya que a pesar de los fuertes rumores de la existencia de un desvergonzado plagio a otra banda de un perfil más bajo, los chicos de Londres tocan el cielo y alcanzan el climax del disco con una tonada increíble, que hace un muy buen uso de cuerdas clásicas y ritmos contagiosos. Del single “Violet Hill” sólo cabe destacar su coro, que es lo más parecido al Coldplay que uno ya está acostumbrado, pero aun así no posee la fuerza suficiente para haber sido escogida como el primer single promocional de la placa. “Death and All His Friends” es otra que recomendaría, por su estructura en plan in crescendo, y cuyo tramo concluyente (“The Escapist”) se desconecta gradual y enternecedoramente con un talante casi glorioso.

No obstante, y en un ámbito general, la ausencia de chispa en ‘Viva la Vida…’ se nota a todas luces. Esas honestas y conmovedoras composiciones de sus primeros trabajos simplemente se han esfumado. En su reemplazo ahora se escucha una ensalada de aparatosas melodías pop, que además de sonar a falsedad pura (en algunas ocasiones), están en su mayoría fabricadas con los mismos artilugios archiconocidos de siempre, forjando una puesta en escena arrogante, muy parecida a la que la banda adoptó en el malogrado ‘X & Y’. Sin embargo las intenciones de Coldplay por compenetrarse con la música de autor y tratar de variar la tendencia en cada álbum es un hecho que se agradece, y si Chris Martin y compañía continúan trabajando así de esmerados, esperaremos con ansias entonces el próximo disco. Si es así, por ahora podríamos decir que los ingleses han perdido la guerra, pero no la batalla.

Pero ¿cual es la sorpresa que nos da el señor Ben Gibbard y compañía? Nos entrega un disco arrollador y avasallador como lo es “Narrow Stairs”. Lo dijo en el video teaser, que lanzaron a finales del año 2007, claramente “no hay que probarle nada a nadie, solo a nosotros mismos”, lo que no se esperaba era que el disco prueba a los fans y de paso los deja felices. Es el salto de ser una banda indie mas hacia ser una de las bandas importantes de USA, gracias a ese “probarse” a ellos mismos.

Todo parte con “Bixby Canyon Bridge” (un guiño a uno de los escritores mas importantes de estados unidos, el señor Jack Kerouac y su obra “Big Sur”) que comienza haciendo reminiscencias del tema que abría el anterior álbum de Death Cab, pero rápidamente hace un giro impresionante que deja a quienes se encuentran escuchando maravillados ante la vuelta del grupo al disco “Photo Album”, claramente es un disco que es mas corazón que cerebro.

Toma protagonismo a través del álbum el bajista de la banda, los bajos suenan más potentes y le van dando un sabor diferente a las canciones (“No Sunlight”), que toman una atmosfera de rudeza amable, de una dureza repasada con azúcar o miel, que te recuerdan que a pesar de todo, estas escuchando un disco de Death Cab for Cutie. Sucede aquello con canciones como “Long Division” (que agrega a la mezcla sonido de sus coterráneos Minus the Bear) y “Pity and Fear” (que tiene una atmosfera muy tribal, demasiado para lo que Death Cab es).

Van saltando maravillosas interpretaciones en canciones como “Cath…”, “Talking Bird” (la canción lenta del disco, pero para nada parecida a “I Will Follow You Into The Dark”, si no que parecida a las lentas del “Something About Airplanes”) donde la guitarra de Walla muestra la clara evolución hacia el poderío de una guitarra afilada con actitud de querer ser mas que solo los simpáticos del curso con los que todos hablan, quieren ser el presidente del colegio. Se nota ambición, de la buena.

Es tanta la ambición que incluso se dan el lujo de tirar una canción muy “Pet Sounds” como “You Can Do Better Than Me” donde demuestran que se puede ser grandioso solo con los sonidos que puede lograr implantarte a tu forma de crear en el estudio.

Claramente el Plans era un disco para poder mostrarse a mucho mas publico, claro, si lo estaban sacando con una multinacional. Pero el Narrow Stairs es para mostrarles a esos fans nuevos de que se trataba la banda antes del traspaso a Atlantic, a lo mejor a los fans nuevos no les guste el cambio, pero los fans antiguos quedaran más que satisfechos, de saber que Death Cab sólo estaba descansando; que ahora despertaron y con ansias de tomarse el mundo.

Además The Raconteurs tuvo la eventualidad y originalidad de anunciar su segundo álbum Consolers of the Lonely a una semana de su salida a las tiendas, esta estrategia se logro que los críticos no tuvieran el tiempo suficiente para analizar el disco, dejando necesariamente esta tarea a sus seguidores. Su trabajo debut Broken Boys Soldiers (2006), caminó en paralelo a The White Stripes, pese a tener un llamativo gancho llamado Jack White, su inicio fue desde cero.

Consolers of the Lonely rompe esa siempre difícil brecha de superar al disco debut. La experiencia de los miembros de la banda sintetizada en este álbum, genera un sonido equilibrado y sólido. Al oír los catorce temas se respira el aporte de cada integrante, descentralizando la fuerza creativa de Jack White.

El primer track es el tema homónimo que anuncia que el arranque es netamente enganchador y directo, no titubea en experimentación o arreglos complejos. “Salute Your Solution” es el primer single y como tal tiene que seducir, con las guitarras que toman parte protagónica. “You Don’t Understand Me” y “Pull This Blanket Off” cumplen como las baladas del álbum con un piano melancólico en ambas.

El éxito de Icky Thump sigue penando en White y “Old Enough” y “Top Yourself” tienen mucho de ese tinte folk, muy sureño que rescató dicho trabajo de los Stripes. “The Switch and the Spur” es la primera joyita de esta segunda producción. Un tema heroico que se incrementa aun más con los bronces, aquí si que hay trabajo instrumental, totalmente catalogable como opera rock.

“Hold Up” es todo lo opuesto, un tema rápido menos cerebral que el anterior, al igual que “Five on the Five” y Attention” son lo más “bajo” de un álbum entretenido e interesante en su textura sonora.

Y para finalizar, un cierre de lujo, “Rich Kid Blues” un cover de Terry Reid, aunque el tema no es de The Raconteurs, la atmósfera creada es sorprendente, la fusión de guitarra acústica con eléctrica le da un sello provocador. Otra pista deslumbrante es “Many Shades of Black” que saca la voz melancólica de Brendan Benson que juega con el dramatismo y hace recordar el rock de los 50 con aires de pop. Y las sorpresas no paran “These Stones Will Shout” ese de esos temas que matizan con varios quiebres, el inicio es muy acústico y luego se metamorfosea en un potente hard rock.

Sella Consolers of the Lonely, “Carolina Drama” que muy al estilo de White, narra una historia que al igual que la melodía, tiene inicio desarrollo, climax y desenlace, una bella canción que pone culmine a un disco que tiene personalidad y se agradece que pese a lo contemporáneo suene a clásico. The Raconteurs es la banda que estaba haciendo falta para ponerle pilas nueva al rock del nuevo milenio.

1. Consoler of the Lonely
2. Salute Your Solution
3. You Don’t Understand Me
4. Old Enough
5. The Switch and the Spur
6. Hold Up
7. Top Yourself
8. Many Shades of Black
9. Five on the Five
10. Attention
11. Pull This Blanket Off
12. Rich Kid Blues
13. These Stones Will Shout
14. Carolina Drama

REM descarga su energía desde el arranque con “Living well is the best revenge” y suena bastante punk/rock, que se complementan en un comienzo irresistible a “Man-Sized Wreth”, pura rabia al estilo REM, para chuparse los dedos. Este papel protagonizado por los sonidos incendiarios se siguen oyendo y el primer single del disco, “Supernatural Superserious”, tiene esa esencia de los primeros trabajos de la banda, del viejo rock universitario.

“Hollow Man” inicia con una madura y rasposa voz de Stipe junto a un pasivo piano para luego pasar a un delirante y guitarreado coro. “Houston”, “Sing For The Submarine” y “Until The Day Is Done” suenan a la clásica canción protesta norteamericana que claramente no podrían quedar marginadas de un disco que habla de la rabia con rabia.

El tema homónimo (Accelerate) y “Mr. Richards” suenan bastante actuales, por la poderosa guitarra del veterano Peter Back que se luce aquí y en todo el álbum, siendo el pilar de está sólida construcción, detallando el por qué son pioneros del rock alternativo estadounidense.

Los rápidos 34 minutos que dura “Accelerate” hace recordar los simples y directos discos de agrupaciones punk, que en dos minutos te podía parar una obra maestra de la historia del rock con sólo tres acordes. “Horse To Water” y “I’m Gonna DJ” sellan lo excelente y divertido que puede llegar hacer un disco de veterana banda que tuvo que recurrir a lo más vertical y espontáneo en el sonido.

1. Living Well’s The Best Revenge
2. Man Sized Wreath
3. Supernatural Superserious
4. Hollow Man
5. Houston
6. Accelerate
7. ntil The Day Is Done
8. Mr Richards
9. Sing For The Submarine
10. Horse To Water
11. I’m Gonna DJ

Doce temas resume esta historia de juegos con el más allá, que pese a la mala suerte de inundárseles su estudio de grabación, realizaron un excelente trabajo, que retoma el poderío, la velocidad y los matices sonoros. Y “Aberinkula” y “Metatron” se encargan de subrayar dichos elementos. “Ilyena” y el single “Wax Simulacra” pone el tinte melódico y más lineal. Hasta el minuto, no han aparecido, las ya clásicas peladas de cable, lo que permite hacer un poco más digerible y masticable su sonido y concepto.

Sin duda que “The Bedlam in Goliath” es bastante directo, cayendo poco en las improvisaciones, un sonido que se extrañaba para una banda tan rica en raíces sónicas y “Goliath” detalla ese abanico donde reúne resonancias latinas sintetizados con la rudeza rock.

“Askepios” es lo más mezquino del disco al igual que “Tourniquet Man” que hubiese sido una gran “balada”, de no ser por, la distorsión vocal. “Cavalettas” es el tema más extenso del disco y pese a durar 9:32 no varia en ritmos. “Agadez” es un gran tema que pone una breve pausa a este veloz juego espiritual, matizada con el sonido latino que correo por las venas de The Mars Volta.

“Ouroboros” a percepción personal es mi tema favorito, donde reúne una melódica y frenética melodía que centra un contagioso coro. “Soothsayer” es la composición más atmosférica y diversa de The Bedlam in Goliath”, dejando de pisar el acelerador, da respiro a un álbum desbocado por un lineal camino. “Conjugal Burns” juega con ese gancho que es la Ouija, son voces de ultratumba y un incendiario ritmo pone termino a un cuarto material que aparte de consagrar su sonido, establece el concepto y política de The Mars Volta.

La banda tiene también planeado lanzar su primer DVD. Filmado por Jorge Hernández Aldana, el DVD consistirá en un concierto de la banda en su reciente gira australiana

Además, se esperan un filme de Rodríguez-Lopez que muestre la historia de la banda, que incluiría material de archivo y filmaciones del backstage. Otro es un disco en vivo similar a Scabdates, pero con temas de Frances the Mute y Amputechture.

Track list:

1. Aberinkula
2. Metatron
3. Ilyena
4. Wax Simulacra
5. Goliath
6. Tourniquet Man
7. Cavalettas
8. Agadez
9. Askepios
10. Ouroboros
11. Soothsayer
12. Conjugal Burns

“Hourglass” esta compuesto por diez temas y está colmado de dramáticos y heroicos teclados, ritmos contagiosos que gustarán a sus seguidores, ya que, son muy del corte de Depeche Mode. Canciones electrónicas se matizan con sonidos guitarreros que parecen haber salido de los 80, muy a lo David Bowie.

Esta segunda producción tiene un excesivo tono melancólico, canciones como “Deeper And Beeper” y “Use You” suena bastante industrial, algo parecido a Nine Inch Nails. “Endless” pretende recapturar el electro-glam. El single “Kingdom” es algo frío, pero lo salva su gran melodía y, al igual que “Down”, “Miracles” y “Saw Something”, es de lo mejor de un álbum tan irregular como lo fue su debut. Su debut “Paper Monsters” era más áspero y con mucha guitarra, este nuevo trabajo de Dave Gahan está más cercano al electro de Depeche Mode, lo que no es para nada comparable, ya que, el grupo ingles tiene su basta y potente carrera.

Además Andy Fletcher al igual que Dave Gahan, se encuentra promocionando su segundo disco solista, en cambio Martin Gore tiene escritos unos catorce temas para el que será su doceavo álbum de estudio como Depeche Mode, el cual podrían comenzar a grabar en 2008 y publicarlo ese mismo año. Es de esperar que con este nuevo álbum de DM, lo traiga por segunda vez a nuestro país.

Track list:
01. Saw Something
02. Kingdom
03. Deeper & Deeper
04. 21 Days
05. Miracles
06. Use You
07. Insoluble
08. Endless
09. A Little Lie
10. Down

“Sawdust” no es el clásico recopilatorio de los grandes hits de la banda de Las Vegas, sino que reúne lados-b aparecidas en singles (aunque han sido nuevamente grabadas para este disco) y rarezas nunca editadas anteriormente, provenientes de sesiones del “Hot Fuss” y “Sam’s Town”.El vertiginoso y veloz ascenso de The Killers al mainstream o mejor dicho a las ligas mayores de la alicaída industria musical, se debe evidentemente por su trabajo sonoro, como a la buena campaña marquetera y también, como a otro fenómeno norteamericano que seduce primero en Europa, antes que en su propio país –Blondie, Ramones, The Strokes, Interpol entre otras corrieron la misma suerte-. Sus dos álbumes, ya sea, el exitoso debut “Hot Fuss” (2004) y “Sam’s Town” (2006), con cinco años de carrera, han dado un precoz reconocimiento al cuarteto de Las Vegas, Nevada, los cuales, aprovechan de lanzar este no común material, que los mantiene actualizados y frescos en las filas musicales.

Ya finalizando la gira promocional de “Sam’s Town”, la cual, los trajo por primeras vez a tierras sudamericanas, donde hace tres semanas se presentaron en nuestro país en una notable noche, bajo el marco del Fénix Festival junto a Starsailor y los escoses Travis que también realizaron una destacable actuación. Dentro del repertorio de The Killers en la noche de domingo 4 de noviembre, estuvo incluído dos de los 18 temas que incluye “Sawdust”. Los mismos que abren este álbum de curiosidades, el single y tema inédito “Tranquilize” que tiene la particularidad de tener una celebre colaboración, ni más ni menos que Lou Reed, quien hace dúo con Brandon Flowers, en un interesente tema de protesta, que como la política sonora de The Killers, maneja el dramatismo con lo épico de una base de rock.

“Shadowplay” ya lleva sonando un tiempo, ya que, el cuarteto incluye el cover de Joy Division en su repertorio en vivo, la cual, forma parte de la cinta “Control”, película basada en la vida del difunto Ian Curtis. “All The Pretty Faces” y “Where The White Boys Dance”, también se escucharon previamente, siendo bonus track de “Sam’s Town”, en la edición británica. A su vez, “Move Away” forma parte de soundtrack de “Spiderman 3″, más la versión demo de “Glamorous Indie Rock And Roll” de Hot Fuss (2004), más la electrónica interpretación de “Mr. Brightside” (Jacques Lucont’s Thin White Duke Remix) y la adaptación acústica de “Sam’s Town” en vivo, serian lo relativamente conocido con anterioridad.

Lo llamativo de este disco de lados-b, excluyendo los temas “conocidos”, “Leave The Bourbon On The Shelf”, “Sweet Talk”, “Under The Gun” que tiene un leve parecido a “Mr. Brightside” y “Show You How”, son el material destacable de este largo disco, de más de una hora. Además “Sawdust” tiene otro cover del músico country Kenny Rogers & The First Edition’s, donde “Ruby, Don’t Take Your Love To Town” se acopla al sonido del cuarteto norteamericano.

“Sawdust” es sin duda un disco para catalogarlo y tomarlo tal como se presenta, un álbum de lados-b, covers y rarezas, donde demuestran a un The Killers que se niega a callarse y seguir dentro del sendero musical.

Track list:
01. Tranquilize (Feat. Lou Reed)
02. Shadowplay
03. All The Pretty Faces
04. Leave The Bourbon On The Shelf
05. Sweet Talk
06. Under The Gun
07. Where The White Boys Dance
08. Show You How
09. Move Away
10. Glamorous Indie Rock And Roll
11. Who Let You Go?
12. The Ballad Of Michael Valentine
13. Ruby, Don’t Take Your Love To Town
14. Daddy’s Eyes
15. Sam’s Town (Abbey Road Version)
16. Romeo And Juliet
17. Change Your Mind (Bonus Track)
18. Mr. Brightside (Jacques Lucont’s Thin White Duke Remix)

Después de la inserción de Silva en el mercado nacional, muchos fueron los músicos que se motivaron y quisieron imitar al virtuoso de las 6 cuerdas. En la actualidad encontramos a Lukas Yaksic(Dogma), Gabriel Hidalgo(Six magics), Claudio Cordero(Matraz) entre otros maestros, todos alineados bajo la marca de guitarra japonesa Ibanez.

Muchos creían que el hecho de que una banda no tuviera un vocalista, sería la razón para que el proyecto no tuviera chances de funcionar. Alejandro Silva con su esfuerzo y sus dos primeros discos (Volumen I y Dios Eol) pudo demostrar a la escena musical lo contrario, llegando muy alto a lo que respecta una carrera en Chile.

Posteriormente llegó al mercado un disco y DVD en vivo, la tercera producción de su carrera. Alejandro Silva Power Cuarteto, es la banda que apoya al músico en sus presentaciones en vivo, y esta integrada por extraordinarios músicos: Cristóbal Arriagada (guitarra) también del Ibanez Army, Gonzalo Muga (batería) y Rodrigo García (bajo).

Ha pasado el tiempo y por fin Alejandro Silva Power Cuarteto saca este año su tercera producción en estudio titulada “Orden & Caos”. Álbum que traía varias expectativas debido a que el guitarrista a principios de año si no me equivoco protagonizó un accidente que lo tuvo fuera sin poder tocar su instrumento por varios meses.

Se pensó inclusive que el virtuoso de las 6 cuerdas no podría tocar nunca más sobre un escenario. Menos mal, el accidente no pasó a mayores y Alejandro se pudo recuperar satisfactoriamente, situación reflejada en “Orden y Caos”, un discazo de lo mejor de la carrera de Silva, un álbum redondo que mezcla diferentes estilos, pero en donde la virtuosidad y los sonidos heavies son la tónica del asunto.

El disco comienza con “NewChaos”, el músico demuestra por que es uno, si no el mejor exponente de la guitarra eléctrica en Chile, una canción sólida que muestra un acompañamiento de sus camaradas, la pieza tiene los sonidos que caracterizan a Alejandro Silva, poder y mucha técnica , una canción realmente entretenida, sin duda una de las mejores del disco.

“4+”, es la siguiente canción, aquí el guitarrista nos muestra su influencia hardrockera de los años 80, un Tracks que engancha y que perfectamente será del agrado de los más fanáticos

“Jakobshavn”, un tema que comienza muy funk, pero en el transcurso de los minutos asoman sonidos metálicos que van creando una atmósfera especial y virtuosa, los solos es la constante de la canción, van oscilando una batalla de melodías.

Le prosiguen “Marea Solar”, “Retrievolución” y “BlackIron”, los temas más pesados de la producción con unos riffs demodelores y que sin duda te dejaran con dolor de cuello. Me gustaría escuchar estas canciones en vivo y en directo. Deben sonar simplemente sólidas. Le sigue “Mantis A”, la clásica balada que ponen los virtuosos de la guitarra, lo ha hecho Satriani y Vai, no veo por que no podía hacerlo Silva.

Le siguen “Omicron” y “Prostitución”, canciones con tintes más funkies y progresivos, continua el track numero 10 “Respira”, el primer tema en la carrera del virtuoso de la guitarra, donde involucra un vocalista llamado Pancho Rojas, si señores el mismo que cantaba en Mandrácula, Rekiem y actual frotman y guitarrista de Damajuana. Sin dudas una de las canciones más interesantes del álbum que dan a pensar en un futuro donde el virtuoso haga un disco en su totalidad con un vocalista o varios vocalistas invitados, bueno ese es otro tema.

“El llamado”, es una introducción de 1:20, donde suenan calidas guitarras acústicas y sirven de obertura para el tema siguiente titulado “el reto”, uno de los temas más rápidos y en donde los músicos demuestran el por que son una de las bandas más pesadas y talentosas, una canción rapidísima que no deja tiempo para respirar, otro de los puntos altos del álbum.

“Purificación”, “Lo desconocido” y “Metalhimmo” son los últimos tres temas de la producción, y son un gran cierre para un gran álbum no es por exagerar pero “Orden y caos”, es de lo más sólido y creíble que ha realizado el virtuoso de las 6 cuerdas, no por nada Alejandro Silva es invitado constantemente a tocar a diversos países de Latinoamérica y cuando vienen los alienígenas de las 6 cuerdas, Silva es el primer invitado en sus shows.

Simplemente recomendar y avalar la carrera de Alejandro Silva, esperamos que siga en la misma senda de hacer buenas canciones de rock and roll.

Track list:
01. NewChaos
02. 4+
03. Jakobshavn
04. Marea Solar
05. Retrievolución
06. BlackIron
07. Mantis A
08. Omicrón
09. Prostitución
10. Respira
11. El Llamado
12. El Reto
13. Purificación
14. Lo Desconocido
15. Metalhimno

Lo mejor no es eso. Es la música. Es verdad, la banda innovó una vez más y eso se aplaude. Pero hay un punto, a lo menos curioso, en todo el asunto: descargar “In Rainbows” gratis o pagando poco es injusto porque, pese a que todos soñamos alguna vez con este sistema de distribución, el disco vale mucho más de lo que uno podría pagar.

Mirado desde la otra vereda, es excelente acceder a tan buena música pagando nada. Porque ese es el punto: “In Rainbows” no sólo entró a la historia por su forma de venta sino que porque es un gran disco, una obra calculada y craneada con maestría. Cada canción es parte de un único gran concepto, pero es, en sí, un mundo paralelo que te invita a viajar por el espacio, hundirte en el océano ó navegar por tu mente. Una agradable volada rock; como diría un amigo.

El séptimo trabajo de los ingleses es envolvente desde el primer segundo y también, desde la primera vez que uno lo escucha. Otros discos son como una patada al hígado: te contaron que era bueno, pero por más que lo escuchas una y otra vez, no hay caso y te golpea, te duele. “In Rainbows” es al revés: mientras más veces lo escuchas, mejor; más elementos descubres y más profundo te adentras en lo que el disco propone.

La propuesta del disco es amplia e inagotable. Con elementos sacados de todos los álbumes anteriores (aunque sean sutiles) y rescatando virtudes del proyecto solista de Thom Yorke, “The Eraser” (2006), el concepto es fresco e innovador. Sin seguir una sola línea, el disco viaja por variados estilos que tienen como eje la voz siempre sobrecogedora de Yorke, pero apoyada en todo momento por la banda. El grupo completo alcanza un gran nivel.

“In Rainbows” nos enseña que aunque una agrupación haya realizado cosas geniales antes, nunca hay que creer que no se pueden superar o reinventar. Sin desmerecer ningún álbum de Radiohead, este último material entró de lleno a pelear por el premio al mejor. “Quizá po aí” (término netamente futbolero; gracias Matador) es una exageración, pero también grafica de alguna manera la potencia del disco.

Todas las canciones, por el concepto antes mencionado del mundo paralelo, son claves. Hay unas que gustan más que otras, pero se debe reconocer que hace mucho tiempo no aparecía un trabajo tan sólido, compacto, preciso y, además, con hits tan hermosos como “In Rainbows”.

Justamente, cada hit es una razón para escuchar el disco. Por lo tanto, hasta el 3 de diciembre -fecha en que sale el trabajo en formato vinilio y cd- tenemos diez perfectas razones para escuchar Radiohead. Motivos que son como un río y su cascada que fluyen desde los orígenes de la Tierra, y que nada, ni siquiera las fallas geográficas o la explotación humana, logran alterar su curso.

Por lo tanto, hacer una mención para cada hit es casi imposible porque, insisto, son un mundo en sí, profundo y único. Entre todos forman, en conjunto, una gran obra sublime que supera por mucho a lo que se hace hoy generalmente en el planeta de la música: muchas veces vale más el negocio y las ventas, en desmedro de la calidad del trabajo.

Radiohead es un ejemplo de que las cosas se pueden hacer más por el contenido que por lo superficial (ventas). Podría seguir adentrándome en “In Rainbows” y todo lo que conlleva, pero estaría mucho tiempo dando vueltas y, de seguro, acabaría perdido.

Sólo me queda recomendar este disco porque es una oportunidad, hoy, de escuchar algo notable, innovador e único y de volver a creer en que aún se pueden hacer cosas que rompan con lo típico a lo cual cada vez nos hemos acostumbrados sin darnos cuenta.

Track list:
01. 15 Step
02. Bodysnatchers
03. Nude
04. Weird Fishes/Arpeggi
05. All I Need
06. Faust Arp
07. Reckoner
08. House Of Cards
09. Jigsaw Falling Into Place
10. Videotape