“Siete Almas” está dentro de esta categoría… y a la vez, no.

Ben Thomas (interpretado por Will Smith) es un funcionario de la oficina de impuestos del Gobierno, el cual se encarga de las cobranzas y prórrogas de los ciudadanos morosos. Sin embargo, misteriosamente se involucra más allá de lo meramente laboral con un grupo de siete personas.

No puedo dar más detalles en esta sinopsis, ya que el desarrollo del metraje nos irá dando las pistas que necesitamos para entender el verdadero objetivo del protagonista, ayudado de un montaje no lineal, que tanto resultado le ha dado a directores como Alejandro González Iñárritu.

Will Smith vuelve a hacer dupla con el director Gabriele Muccino, con el cual trabajó en la anterior “En Busca de la Felicidad” (The Pursuit of Happiness, 2006) y, por lo visto, con el realizador de origen italiano, parece haber encontrado su horma a la hora de realizar obras ‘serias’.

El ex ‘Príncipe del Rap’ realiza una de sus mejores interpretaciones, elevando su rol casi al nivel conseguido en “Ali” (personalmente, mi película favorita de Smith) El resto del elenco no desentona, destacando a la ascendente Rosario Dawson, y a Woody Harrelson y Barry Pepper en pequeños pero significativos papeles.

En un post análisis más profundo, “Siete Almas” viene a caer dentro de la categoría anteriormente mencionada, ya que sea o no del gusto del espectador, es una película tramposa, que carece de espontaneidad, sin embargo, está tan bien estructurada y con un montaje que roza la perfección, que llega a sentirse sincera en variados puntos, dejando un buen sabor, a pesar del drama intrínseco de su guión.

En conclusión, puedo recomendarla a todo el público que esté dispuesto a ver un melodrama con tintes de redención, narrado de una forma compleja con un resultado honesto y simple.

En muchas de las relaciones largas de pareja, sucede que, en cierto punto, sientes que la otra persona te falla; comete un gran error el cual te hace pensar si debes dar una segunda oportunidad o hacerte a un lado (¡Lo advertí!) Pues bien, así me sentí hace algunos años con la, hasta ese entonces, impecable carrera de los hermanos Coen, cuando en 2003 estrenaron “El amor cuesta caro” (Intolerable Cruelty). La deducción inminente es que a los dos le había entrado el síndrome de los hermanos Farrelly. Sin embargo, y como muchos otros, no me hice al costado y me fui enamorando de sus siguientes obras, hasta pedirles matrimonio (esto está sonando demasiado extraño, así que me pongo serio).

La trama de “Quémese después de leerse” no es muy simple, debido a la gran gama de actores que la componen y a las diferentes situaciones que enfrentan, así que para no enredarlos ni restarles ciertas sorpresas que deben saborear por sí mismos, sólo anunciaré que la cinta nos expone un collage de vidas que abarca desde agentes secretos del gobierno hasta entrenadores de un gimnasio, cada uno de ellos atraviesa por ciertos momentos que se irán conjugando hasta convertirse en un solo contexto para todos los personajes.

Creo que quedaron igual de enredados, no obstante lo recomiendo así, ya que los que conocen el trabajo de estos hermanitos del cine, sabrán que es la mejor forma de involucrarse y sentir cada una de sus obras, es decir, igual de confundidos y atribulados que sus personajes.

Como siempre, generan un guión excelente, con un humor negrísimo apoyado en la cuidada visualidad que los caracteriza, de aquellas que hasta la acción de fondo fuera de foco, provoca alguna sonrisa. Sin embargo, creo que donde falla la cinta, es precisamente donde triunfa.

Me explico: como sabrán, su elenco lo componen actores como George Clooney, Brad Pitt, Frances McDormand, John Malkovich y muchos otros de renombre; todos ellos probadamente talentosos en su profesión, pero esto de alguna forma diluye la genialidad de cada uno de ellos, lo que no es malo, sin embargo al ser su metraje de tan corta duración (96 minutos) se sienten algo rígidos al tener que entregar mucho en tan poco guión para cada cual. Quizás esta situación en manos de otro director habría resultado un desastre (me acordé de las secuelas de “Ocean’s Eleven), pero bajo la oficiosa batuta de los Coen da como resultado una cinta delirante.

La puedo recomendar a ojos cerrados, como todo lo de estos cineastas, sin embargo no así para los amantes del humor rápido y fácil.

Y antes de cerrar, me gustaría hacer hincapié en la traducción al español del título. “Quémese después de leerse” ¿no les suena extraño?, ¿no habrá sido mejor “Quemar después de leerse” o “Quémese después de leer”? ¿o no estaré muy rebuscado y quisquilloso? Como sea, si no le gusta, puede quemar este comentario.

En una sola palabra: encantadora. Romántica y nostálgica comedia, que nos mantiene esbozando una sonrisa de principio a fin, pasando por la carcajada, en ocasiones. Un humor simple y cotidiano, que nos hace reír sobre situaciones que sentimos como cercanas; un recordatorio de lo que significa la unión familiar, que muchos deseamos y que, los que la tienen, tienden a no darle la importancia que merece.

Un bálsamo para aquellos que gustan de la comedia liviana y emotiva. Habla sobre valores y, en cierto modo, resulta ser pedagógica, poniendo en frente el continuo conflicto entre padres e hijos y su acercamiento basado en la empatía y en la experiencia propia, como solución y puente de comunicación.

Totalmente recomendable.

Ben Willis es un estudiante de arte que acaba de terminar de manera tortuosa la larga relación con su novia Suzy, lo que le causa un terrible insomnio. Para aprovechar las horas perdidas intentando dormir, decide trabajar en el turno nocturno de un supermercado. En aquel lugar, Ben desarrolla la posibilidad de detener el tiempo, y así poder apreciar la belleza desde un singular punto de vista.

Esta sinopsis sugiere de manera inmediata una historia sacada de la cabeza de Charlie Kaufman, sin embargo no hay complicación alguna en esta cinta; el argumento narra la conocida trama del ser que perdió algo y se embarca en la búsqueda de otra cosa que lo pueda reemplazar, claro está que a punta de metáforas visuales y resoluciones filosóficas acerca de, en este caso, el amor.

Sean Ellis, su director, debuta en el largometraje de manera ambigua. Maneja los tiempos en forma adecuada, pero abusa de artificios visuales y sonoros (cámara lenta, aceleraciones, banda sonora cool y muchos otros recursos), lo que provoca cierta incompatibilidad con el tono del guión.

Y hablando del guión, me atrevo a decir que no es la gran cosa: analizándolo con cabeza fría, es la archiconocida historia de amor, aunque a su favor, se rescatan los incontables intentos por no caer en los manoseados clichés del género.

El elenco es competente y destaca Sean Biggerstaff como el protagonista que acarrea el peso del metraje sobre sus hombros. El resto cumple bien con su cometido, aunque forzosamente se incluyen algunos personajes ‘bufones’ para (creo yo) alivianar la atmósfera intrínseca de la depresión sentimental.

“Cashback” es una cinta que se deja ver de manera simple, pero que, debido a su quejumbroso tono amoroso-filosófico-existencial y a una neurótica dirección y montaje, no logra dar con el producto que nos suele hacer replantear (al menos mentalmente) las ideas y sentimientos que se desarrollan en las relaciones humanas. Es resumen, un hermoso arreglo floral con rosas de plástico.

A fines del siglo pasado, era considerado prácticamente un hereje por no conocer a este director español y, específicamente, su película “El Día de la Bestia”. Fue tanta la insistencia de algunas personas, que emprendí la tarea de verla. No sé si fueron muchas las expectativas –debido a la larga lista de elogios que oí-, pero no me pareció la gran cosa, peor aún, hasta el día de hoy creo es una cinta bastante mediocre, con sólo algunos momentos luminosos. Sin embargo, algunos meses después, me encontré con algo que realmente me encandiló: “Muertos de Risa” (1999) y, meses más tarde, terminé de quedar ciego con “La Comunidad” (2000).

Con esas dos joyitas, De La Iglesia ascendió a mi podium de directores favoritos y, por consecuencia, mis expectativas eran altas cuando entré a ver la cinta que nos concierne… y quiero creer que esa es la razón por la que me pareció totalmente tediosa, exasperante e incluso burda… ¡por favor, que sea eso!

No era eso.

Martin (Elijah Wood) es un muchacho de Estados Unidos que llega a estudiar a Inglaterra. A poco de su arribo, su casera es asesinada. En paralelo, el profesor de lógica Arthur Seldom (John Hurt), recibe una nota que le indica que ése es el primero de una seguidilla de asesinatos que se efectuarán. No pasará mucho tiempo para que ambos crucen sus caminos y aúnen fuerzas para encontrar al culpable de los crímenes, los cuales, al parecer, podrían ser descubiertos al resolver una esquiva fórmula matemática.

Así como ha sucedido con varios, era cosa de tiempo para que Alex De La Iglesia fuera tentado por la máquina hollywoodense. Lo que primero se viene a la cabeza del fanático del cine es que su talento, combinado con posibilidades ilimitadas en producción, puede dar como resultado entretenimiento de alto nivel, pero no lo fue en esta ocasión.

Sólo voy a abordar un punto de la parte técnica de la película, ya que, como se podrán imaginar, es muy correcta debido a las posibilidades que mencioné anteriormente. Lo más destacable y llamativo en este aspecto, es un plano secuencia (que no es tal, ya que alberga un buen número de bien logrados trucos visuales) prácticamente perfecto, el cual contiene algunas pistas de lo que ocurrirá en lo que resta del film.

Sin embargo, y algo que personalmente me duele viniendo del mencionado director y de su fiel colaborador como guionista, Jorge Guerricaechevarría, el argumento brilla por su pobreza. A pesar de basarse en la lógica de la matemática, tropieza constantemente en la ilógica, ayudado de insignificantes licencias argumentales y clichés, llegando a su conclusión con pueriles e inútiles manotazos de ahogado, de hecho, son impresentables los cinco minutos finales, en donde no explica (o intenta explicar; o intenta justificar; o intenta pedir perdón a la audiencia) el mamotreto sin sentido que armó en hora y media de metraje.

Lo único rescatable de la cinta, es la aparición del gran John Hurt, quien nos regala una cuota más de su talento, también –para los hombres- lo es Leonor Watling, quien no nos regala talento, sino que un buen vistazo a su sensual y febril figura. El resto del elenco sólo intenta cumplir con los limitados diálogos del guión.

No quiero hablar más de “Los Crímenes de Oxford”, nada más decir que es la película más olvidable y vergonzosa de Alex De La Iglesia y creo que sólo lo hizo por dinero. Espero que tome el primer avión y cruce el atlántico para ver si recupera algo de la magia con la cual nos deleitó en sus anteriores cintas.

En esta segunda parte se suma al equipo el Doctor Johann Krauss, o mas bien su espíritu, que por cosas del destino, perdió su cuerpo y habita dentro de una escafandra. Johann Krauss asume la dirección del equipo en reemplazo del fallecido Profesor Broom.

La historia transcurre en nuestros dias, donde un desaparecido príncipe del reino de las hadas, vuelve para recuperar la corona mágica, que es la llave para despertar al ejército dorado que yace durmiente en las profundidades de la tierra donde fue encerrado hace miles de años. La Unidad de Defensa e Investigación Paranormal (en inglés B.P.R.D.), debe encargarse de que esto no se concrete pues pone en peligro la seguridad del planeta. La película comienza cuando Hellboy (Ron Perlman), supuesto integrante secreto, es descubierto por el ojo público, poniendo de manifiesto todas las actividades paranormales. Esto supone el conflicto del personaje, quien debe proteger a los humanos que lo desprecian por su roja forma, preguntándose el por qué de esta situación. Esto también es uno de los temas principales del film, la discriminación por parte de la sociedad y los supuestos iguales.

En la cinta se nota la marca que dejo “El Laberinto del Fauno” en el director, siendo una película mucho mas llevada al reino misterioso de las hadas y la naturaleza, que tiene una gran fuerza dentro del film, al contrario de su anterior entrega en donde el fuerte eran las fuerzas oscuras y el miedo del hombre hacia lo desconocido, era algo mucho mas lovecraftiano y, que según este humilde servidor, tenía más de la esencia del cómic y su trasfondo, donde está más que claro en que tipo de literatura de basaba Mignola.

Otro punto fuerte son los efectos especiales, donde Del Toro ha mostrado una brillantez al revivir el látex y los maquillajes que ya pensábamos muertos. Lo hace con la maestría de un buen actor como Doug Jones con Abe Sapiens, que también es el Angel de la Muerte y el Fauno, en “El laberinto…”. Todo esto mezclado con efectos digitales pero sin perder el norte.

Si te gusto la primera, no te pierdas esta.

Por Gonzalo Jourdán

“Muerte en un funeral” narra la jornada funeraria del patriarca de una familia inglesa, la cual, por distintas razones, se transforma en un día de enredos y superación de ‘trancas’ varias.

El género de la comedia siempre ha sido una tarea difícil de llevar, más aún cuando su objetivo es hacer reír a través de situaciones cotidianas y no con gags de mal gusto que además no tienen conexión alguna con la narración; se me vienen a la cabeza varios ejemplos, pero no estoy de ánimos para meterme los dedos a la garganta.

Precisamente este es uno de los puntos que elevan a esta cinta, pues se huele su sinceridad y honestidad con los personajes, al dejarlos actuar naturalmente acorde al carácter de cada cual, sin forzarlos a traicionarse o a salirse de los límites de personalidad que se les han asignado.

No obstante a todo lo positivo, el guión no es muy firme, busca y rebusca con sospechosa frecuencia la perfección, encontrándose en demasiadas ocasiones con el tropiezo de la risa fácil o, al otro extremo, con el muro de la pretensión.

El elenco está bien, escasea de “estrellas” pero Oz tiene buena mano a la hora de cuajar a sus actores, sin embargo durante la hora y media de duración, siempre parece carecer de chispa o como se diría en chileno: les falta la chaucha pa’l peso. En general, con algunas excepciones, sólo cumplen.

Otro aspecto que hace que, además de dejarla algo tuerta, renguee, es lo plana que es –en ocasiones- la cámara de Oz: simplemente deja mucho que desear en unas cuantas escenas que podrían haber generado más gracia con menos ingenio argumental y con mejor desplante visual.

En definitiva “Muerte en un Funeral” es una entretenida película que, en su eterna búsqueda de ser intelectual, termina en el cementerio de las comedias light, pero que, gracias a su mayor puntuación positiva y estando del humor adecuado, se deja ver con facilidad… o como diría Yoda: “con facilidad ver se deja”.

La película se trata del típico sujeto con plata (Patrick Dempsey) que se hizo millonario gracias a su invento revolucionario del protector de café, ese cartoncito que le ponen a los vasos en Starbucks para que no te quemes, él es del agrado de todas las mujeres y sólo se deja querer, pero en realidad no le interesa ninguna, excepto Hannah (Michelle Monaghan) su mejor amiga de la infancia que ahora trabaja en un museo.

Hannah viaja a Escocia, donde conoce un duque y decide casarse, al volver a Estados Unidos le cuenta a su mejor amigo y le pide que por favor sea su Dama de Honor. Ahí nuestro protagonista se da cuenta de que en verdad está enamorado de su mejor amiga y trata de ganar su corazón antes de que se case, con la ayuda de sus amigos del equipo de basketball.

Como la mayoría de las “comedias románticas” la trama es completamente predecible de principio a fin, no es necesario decir como termina, por que con ver el trailer ya está todo claro. La película no aporta nada al género y obviamente no merece la pena de verla en el cine.

Si estas buscando una película romántica, te recomiendo un millón de veces arrendar “Cuando Harry conoció a Sally”, que al menos tiene la ventaja de la actuación de Billy Crystal y que es una verdadera comedia.

Por Gonzalo Jourdan

Miranda (Evan Rachel Wood) es una muchacha que se las ha sabido arreglar para vivir sola luego de la muerte de su madre y del encierro de su padre en una institución mental. La cinta comienza cuando, su progenitor (Michael Douglas), ha sido dado de alta y se muda con ella. No pasa demasiado tiempo para que el desaliñado hombre desordene la rutinaria vida de su hija intentando convencerla de que le ayude a encontrar un tesoro del siglo XVII enterrado en algún lugar de California.

A simple vista resalta el parecido argumental con la archiconocida obra de Cervantes “El Quijote de la Mancha”: un hombre que tiene todo en contra, desea conseguir sus sueños por imposibles que sean, pero que sabe no puede lograrlos sin la ayuda de un Sancho. En este caso el Quijote es el personaje de Douglas y su hija su panzón acompañante (aunque ella no tiene nada de panzona, por el contrario es muy guapa), sin embargo, la historia carece de la profundidad de la obra del ibérico escritor y, muy a mi parecer, esto se debe a que la estructura de la película se desarrolla dentro de la plantilla de las últimas entregas del cine indie.

Algunos ejemplos son “Little Miss Sunshine” o “Juno”, entre otras, las cuales por ningún motivo se podrían catalogar como mediocres o malas, pero que obedecen a ciertas ‘reglas’ que caracterizan a este tipo de cine y que, indefectiblemente, en algún momento se agotará.

Por otro lado, es muy agradable de ver, sustentándose en el carisma e interpretaciones de su elenco, con una notable química entre sus dos protagónicos y, principalmente, en la brillantez de Michael Douglas. Su director, que debuta en largometrajes, Mike Cahill, desarrolla un correcto trabajo de cámara y endulza la narrativa con una cuidada selección de la música.

No obstante, hacia el final hay tremendos vacíos en el guión y cierto grado de melodrama revestido de melancolía, pero en definitiva, “El rey de California” es una buena película, la cual logra por momentos tocar nuestros sentimientos, obteniendo sus mejores peaks en unos muy adecuados flashbacks, los cuales nos sumergen en las motivaciones originales de los personajes.

Se me olvidaba algo: lo peor de la película son las burdas tomas del personaje de Douglas tocando el contrabajo. Menos mal que el tipo sabe actuar.

Tres años más tarde ratifico lo dicho, cosa que seguramente, conllevará a que esos mismos amigos, me busquen por todos los rincones del planeta.

En esta segunda entrega, Ciudad Gótica está infestada de mafiosos que tienen a la policía en jaque. Sin embargo, el conjunto de fuerzas compuesto por un intrépido fiscal, el teniente Gordon, Batman y la propia policía logran doblegar, en parte, a la horda de criminales. Cuando los representantes de la ley están a punto de asestar un gran golpe, aparece, para complicar las cosas, un peligroso criminal llamado Guasón.

Personalmente me gustó mucho “Batman Inicia”, considero que Nolan fue más profundo que Burton en entender la complejidad del personaje o por lo menos se le acercó mucho más a lo propuesto por Bob Kane en su historieta; y por supuesto fue mucho más allá de las ridículas “Batman Forever” y “Batman y Robin”, que sólo aportaron millones de litros de vómito y arranques desesperados de pelo por parte del público. He ahí el porqué me estaba empezando a desesperar en los primeros 20 minutos de esta secuela, ya que las escenas de acción se repetían una tras otra. Pero paulatinamente, el ritmo se comenzó a entremezclar con el drama propio de la historia, dando como resultado un gran espectáculo para los sentidos.

Supongo que en todos los comentarios que se realicen de esta película, estará muy presente el nombre de Heath Ledger, y yo no seré la excepción. El fallecido actor nos entrega una fresca versión del Guasón; no hay necesidad de compararlo con el que Jack Nicholson nos entregó hace casi dos décadas, obviamente el punto de vista de Tim Burton influyó categóricamente en su lúdica y traviesa interpretación, y creo que asimismo sucede con Ledger, ya que su personaje es mucho más enfermizo y psicópata, incluso cuando no está en pantalla se puede sentir su maldad, es decir, haciendo a un lado el gran talento que poseía este actor, las directrices del resultado final son obra y gracia del director de “Memento”.

El resto del elenco está a la altura del guión; no es menor tener en una cinta tan taquillera a monstruos como Michael Caine, Gary Oldman o Chritian Bale. La única que me dejó algo de amargura con su desempeño fue la siempre confiable Maggie Gyllenhaal, probablemente el que sea la única actriz que no provenía del elenco original haya influído. Quien sabe.

La cinta también cuenta con unos exquisitos efectos visuales y un score compuesto por (una rareza igual que su precuela) James Newton Howard y Hans Zimmer, los cuales parecen potenciarse creando juntos.

En conclusión, recomiendo a ojos cerrados esta secuela. Espero que Nolan se tiente con una tercera parte, pero rezo para que no le pase lo mismo que a Sam Raimi con “Spider-Man”.

La historia nos cuenta sobre un tipo que es un exitoso escritor de ciencia ficción gracias a su libro “Dracovan”, el cual se está adaptando para el cine. Su mujer murió hace pocos años, por lo que quiere hacer su último deseo realidad: el de adoptar a un niño con la ayuda de su mejor amiga, por lo que opta por el más raro del orfanato: el niño de Marte. Este niño vive dentro de una caja de cartón y usa cinturones con pesos para no verse afectado por la gravedad terrestre; además de odiar el sol, usar lentes oscuros incluso dentro de la casa, y además de tener su propio idioma marciano. Con todo esto se podía hacer algo más o menos entretenido y cómico, pues se presta para múltiples situaciones, pero en vez de eso, los genios creativos se tiran para el lado llorón de los problemas que la adopción de un niño trae. La película presenta algunos momentos cómicos pero contados con los dedos de una mano, en cambio la gran mayoría del metraje es una especie de drama barato que solamente es soportable gracias a Cusack.

Por si fuera poco, hacia el final cuando a uno le gustaría que la película tuviera un giro y “despegara”, no pasa nada y lo único que consigue son caras largas por haber estado sentado en un cine casi dos horas sin haberlo pasado bien, y lo peor de todo, es que son casi dos horas de tu vida que no regresan. Lo más grande es la aparición de Anjelica Huston al final.

Por Gonzalo Jourdan

Lo segundo, y quizás más importante, es el factor de las personas involucradas, llámese primero que nada al Director: Peter Berg, un tipo que está empezando a dirigir películas, Hancock es su segunda, pero que antes de esto era actor, y no cualquier actor, no señores, era lo que llamamos un actor de acción. Básicamente, habiendo actuado en series de televisión como Alias, Chicago Hope, y en películas como Collateral, Lions for Lambs, y Smokin’ Aces, siendo esta última de donde claramente aprendió del oficio del cine de acción y de la que tomó la técnica para realizar Hancock, vemos a un actor que, si, puede dirigir una película. Además le sumamos a Will Smith, que está siendo “re-lanzado” como actor de acción, luego de su fallido intento por ser actor dramático, y a Charlize Theron, que la vimos anteriormente de heroína en Æon Flux. Todas estas cosas no fallan.

Berg nos entrega una película suave en los términos dramáticos donde se mueve, con buenas dosis de acción y con gran cantidad de situaciones cómicas que en realidad son el fuerte de la película.

Hablando un poco de la trama y de la idea de la película, tenemos a un héroe borracho, que aunque podemos decir que lo hemos visto un millón de veces siempre son esos héroes llorones con problemas existenciales, nuestro héroe borracho tenia que ser distinto a eso, no tenia que enternecer al público o dar lástima, sólo tenía que hacer reír, de la mano de situaciones cómicas mezcladas con acción exagerada (como meter la cabeza de un tipo en el culo de otro). Todo esto funciona porque de por si, la idea de un borracho con súper fuerza ya es graciosa, y lo es, porque la película solo te cuenta eso.

Si quieres divertirte dos horas con diez minutos (llorones al final), Hancock vale la pena completamente, si estás buscando la película que acabe con el cine, Hancock no es lo tuyo. Ah y ojo que Peter Berg pretende dirigir Duna para el 2010, habrá que ver como le va.

Gonzalo Jourdan

La nueva película esta ambientada en nuestra época, en donde CONTROL, al parecer ya no existe y sólo se mantiene en el recuerdo de la gente a través de un museo. Maxwell Smart, interpretado ahora por Steve Carrell ( The Office, Saturday Night Live) debe hacer nuevamente de las suyas junto a la Agente 99 (Anne Hathaway) y destruir los planes de KAOS para asesinar a todos los agentes de CONTROL. El Jefe, es interpretado por Alan Arkin, el abuelito de “Little Miss Sunshine” y Sigfrid es nada mas y nada menos que Terence Stamp, el General Zod de “Superman II”.

La película es prácticamente puro humor absurdo de la vieja escuela y muy gráfico. No se cae en ningún momento y las escenas de acción están bastante bien, además de ser una muy buena copia de la original y mantener muchos elementos intactos, para hacer homenaje a la serie, como son el viejo traje del Agente 86 incluido el zapatofono, el auto de Maxwell, un Sunbeam Tigre Mark I de 1965, e incluso un cameo al verdadero Sigfried, conduciendo el auto de la segunda temporada. Notable también la aparición de Bill Murray como el Agente 44, escondido dentro de un árbol, la actuación de Masi Oka (Hiro Nakamura de la serie Heroes) como uno de los inventores y el “Guatón de Borat” interpretando a Shtarker, mano derecha de Sigfried. Al final también tenemos la aparición de Patrick Warburton (La Garrapata en la serie The Tick), como “Jaime El Robot” dando paso quizás a una secuela.

En resumen, una película que no defrauda nunca y una de las mejores opciones para ir al cine por estos días. Kneel before Zod!!!

Gonzalo Jourdan

Dentro de las preparaciones del personaje, fue trasladarse a Rusia y sumergirse en su cultura, yendo al cine, viendo la televisión, poniendo a prueba sus conocimientos del idioma (había tomado lecciones antes). Dicha elaboración generó al reservado y carismático Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen), nacido en Rusia y chofer de Vory V Zakone, una de las familias rusas más importantes del crimen organizado de Londres. Liderada por Semyon (Armin Mueller-Stahl), el Capofamiglia ruso, dueño de un fino restaurante que esconde una naturaleza brutal y fría detrás de su sonrisa, la suerte de la familia se ve afectada por culpa de Kirill (Vincent Cassel), su alocado hijo, que no obedece las ordenes de su oscuro padre. Pero la cautelosa vida de Nikolai cambia de golpe cuando conoce a Anna Khitrova (Naomi Watts), una matrona que trabaja en un hospital en el norte de Londres.

Anna se preocupa por una adolescente que muere al dar a luz y decide buscar a la familia de la chica para que alguien se haga cargo de la niña recién nacida, basándose en el diario de la madre muerta, él único inconveniente es que está en ruso. Helen (Sinéad Cusack), la madre de Anna, le apoya en su intención, pero su arrebatado tío Stepan (Jerzy Skolimowski), que también es ruso, le advierte que este libro le traerá problemas. Al insistir en el diario, Anna desata involuntariamente la ira de los mafiosos rusos. Nikolai no tarda en verse atrapado entre su lealtad de la familia y el cariño que siente por Anna. La familia le presiona, pero, ¿en quién debe confiar? Varias vidas, la suya incluida, dependen de una cadena construida a partir de asesinatos y engaños. La venganza se cierne sobre la familia.

Si bien es interesante la historia y la actuación de Viggo Mortensen, Promesas del Este, puedo haber sido aun más. El tratar el guión tan a la ligera dejó escapar una riquísima historia que en su profundidad podría haber convertido a la cinta de David Cronenberg en una obra maestra. Lo llamativo es lo estable en la consagración de Cronenberg, que en cada película se aprecia su sello que lo ha llevado hacer uno de los directores contemporáneos más destacados del cine.

Como salió todo bien en su debut, Díaz y Zaror volvieron a repetir esa nueva temática de acción y artes marciales con Mirageman, cinta que vuelve a innovar, al tener el primer superhéroe del cine chileno. La fusión y las influencias son muy notorias en la dirección de Ernesto Díaz, si Kiltro tenía muchos tintes coreanos e ideas de video juegos como Street Fighter. Mirageman tiene mucho de los comics norteamericanos como Spider- Man y aires menores de Taxi Driver -como su mismo director señaló-, pero su núcleo es las artes marciales y partes de comedia.

En síntesis Mirageman, se centra en un joven solitario, Maco Gutiérrez, un artista marcial que trabaja como guardia de seguridad, del Passapoga para pagar el tratamiento de su hermano menor que se encuentra postrado en un hospital psiquiátrico, debido a un grave asalto a su familia. Sin embargo, la suerte de este guardia cambia en el momento en que se topa con un robo a una casa, el cual, interviene reduciendo a los rufianes. Por casualidad, la casa asaltada era de una conocida periodista (Carol Valdivieso), quien comienza a hablar de un nuevo héroe anónimo, este suceso, misteriosamente ayuda en el mejoramiento del hermano menor de Maco Gutiérrez de este modo decide volverse el protector de la ciudad capitalina.

Este héroe de carne y huesos, sufre los percances de cambiarse su súper traje en cada misión, dándole realismo a la historia. Lo cómico y punto alto de la cinta es el Pseudo Robin, interpretado por Iván Jara, personaje que encanta por querer ser el camarada y lazarillo de Mirageman.

Un detalle contradictorio fue que está película, demostraría un héroe “chileno”, lo cual, no refleja. Fácilmente Mirageman puede ser un héroe, argentino, paraguayo, ecuatoriano…, o sea como su nombre y sus problemáticas no son particulares de la idiosincrasia chilena, sino globales.

Lo llamativo es que comparando Kiltro con Mirageman, ambas son distintas, aunque no lo parezcan, si bien la primera tiene tiros de cámaras más prolijas y con mayor producción acrobática. En cambio, Mirageman es mucho menos detallada, en esta ocasión hay cámaras al hombro y cortes no tan minuciosos, haciendo este segundo trabajo de Díaz innovador pero a su vez puede ser tomado como un director que se encasille dentro de la temática de la acción del cine nacional.

Mirageman por si sólo genera ruido y hace centrar las miradas de los más jóvenes que se interesan por temáticas nuevas que refrescan y hacen heterogénea la emprendedora industria cinematográfica en Chile.

3:10 a Yuma está bajo la dirección de James Mangold (Walk The Line) y su cinematografía está hecha para el Oeste, enseña lo rústico y árido, sin ahogarla, con paisajes pintados para una postal, mantienendo la realidad y mostrando la crueldad de la época cowboy.

El peso actoral de estos dos actores (Crowe y Bale) pudo haber alterado la historia por la presencia de cada uno, pero al contrario, el hilo central se mantiene estable y con estilo.

Russell Crowe es un destacable actor, con una capacidad para cualquier rol y éste de villano del viejo Oeste lo domina a la perfección. Christian Bale esta en su mejor momento, es uno de los actores más cotizados de Hollywood. Este papel de heroico campesino, no es de sus mejores actuaciones como por ejemplo The Machinist, donde se lució con su drástica transformación.

Este filme es en resumen un divertido Western donde abundan batallas de pistoleros en el Oeste. Para los fanáticos de los vaqueros es muy entretenida; para los que quieran ver algo un poco más profundo que los pistoleros a caballo, también hay bastante para ver y analizar. En síntesis una cinta muy entretenida, buenas actuaciones, invertirás muy bien tú tiempo.

Por Ricardo Dachelet Q.

Director: James Mangold
País: EE.UU.
Año: 2007
Duración: 117 minutos
Reparto: Russell Crowe (Ben Wade), Christian Bale (Dan Evans), Logan Lerman (William Evans), Dallas Roberts (Grayson Butterfield), Ben Foster (Charlie Prince), Peter Fonda (Byron McElroy), Vinessa Shaw (Emma Nelson), Alan Tudyk (Doc Potter), Luce Rains (Weathers), Gretchen Mol (Alice Evans).
Estreno en Chile: 6 de marzo

La cinta narra un pasaje de la vida de Juno (Ellen Page), una adolescente de 16 años que “por aburrimiento” decide tener sexo con su mejor amigo y por consecuencia, queda embarazada. Para no abortar, decide buscar a la pareja perfecta para que se conviertan en los nuevos padres de su bebé en gestación… pero en nueve meses, pueden suceder muchas cosas.

El argumento es simple, casi simplón; es tangencialmente un melodrama, sin embargo el guión apela a la naturalidad y a la reacción humana más común en los personajes y no a poner un grito en el cielo o entregar dudosas moralejas y lecciones que, en manos de otro director o estudio más conservador, habrían ido como estandarte del concepto que aquí se trata. Por el contrario, la guionista Diablo Cody y el mencionado Reitman, prefieren jugársela por la ironía sin dejar de lado los problemas y los sentimientos.

Técnicamente la cinta posee casi más calidad que la parte argumental; una fotografía que grafica, de manera directa, estados de ánimos y una banda sonora totalmente acorde a su desarrollo.

No obstante, lo mejor son los diálogos. No será fácil olvidar una discusión entre Juno y el futuro padre (no biológico) de su hijo acerca de en qué época fue mejor el rock o la naturalidad con que la protagonista trata al ser vivo que lleva en su cuerpo como “la cosa”, todo dentro de un margen que Reitman traza para que la interacción de los personajes no cruce la frontera hacia lo burdo.

Mención aparte para Ellen Page, sin lugar a dudas aquí queda demostrado que es lá (con acento) actriz del momento. Por ahí escuché que la comparaban con Natalie Portman, y con todo el respeto que me merece la reina Amidala, no hay comparación. Su trabajo en muchos aspectos es similar a la chica traviesa de “Hard candy”, pero es notorio el par de peldaños que da con esta actuación.

Personalmente, aún me quedo con el trabajo anterior de este talentoso realizador (“Thank you for smoking”), sin embargo “Juno” es una película que se deja querer, a pesar de estar realizada bajo esa plantilla dulzona que dejaron cintas como “Little Miss Sunshine”. En definitiva, una buena película sin mayores pretensiones.

Por Homero

Director: Jason Reitman
País: EE.UU.
Duración: 96 minutos
Año: 2007
Reparto: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, Olivia Thirlby, J.K. Simmons, Allison Janney, Rainn Wilson
Estreno en Chile: 21 de febrero

Antes reconocido por su opera prima “Orgullo y prejuicio” de la novela de Jane Austen, esta es la segunda película de Wright, adaptada de la polémica y exitosamente vendida novela “Expiación” del escritor británico, Ian McEwan. Es necesario aclarar que el guión del film (a cargo de Christopher Hampton) sigue fielmente al libro, ambos divididos en cuatro partes, claro, podando el boscaje narrativo de la literatura, a ratos como una copia a papel carbón del original, que incluye lineal y textualmente muchos fragmentos y diálogos, hasta un par de secuencias en que se cuenta el mismo relato desde distintas perspectivas como recurso para complementar bidimensionalmente la realidad con la fantasía.

El personaje de Briony es el único que cambia con el transcurso de los años, siendo interpretado por tres actrices. La actuación de Saoirse Ronan (nominada a su corta edad como mejor actriz secundaria en los premios Oscar de este año) como Briony, en la primera parte es sin lugar a dudas, la más destacada. El personaje es clave en el efecto que causa dentro del espectador la sucesión de hechos que vive. La niña crece, y la actriz que la encarna de mujer (Romola Garai) no alcanza el mismo nivel. Vanessa Redgrave solo aparece estar unos instantes en pantalla que son suficientes para comprender las huellas del pasado en Briony.

Dentro de este drama-romántico hay escenas realmente notables, que justifican la atención, como en la que Robbie redacta una carta de “amor” para Cecilia y decide entregársela por medio de Briony; otra, mucho más densa que, posiblemente es la mejor de la película, protagonizada por él mismo pero ahora en medio de la playa de Dunkerque donde se haya rodeado de cuerpos destrozados, escombros humeantes y soldados eufóricos o ensimismados que esperan ser rescatados de la guerra, todo tras el fondo de una rueda moscovita que funciona como si todavía hubiera niños con ganas de divertirse en ese lugar.

Una imagen es el comienzo y final de todo. Parece sacada de un cuento de hadas leído por Briony. Luego la idea de escribir un cuento, pero que tarda en madurar en su cabeza. Finalmente con el tiempo y la experiencia vemos el resultado: una novela contenida dentro de otra novela, que es nada menos que la explicación de su vida, y esta a su vez es la película. Robbie y Cecilia separados por la gran guerra… y Briony. Ella, solo encontrará expiación después de más de seis décadas ante una cámara “…un último acto de bondad, por su felicidad”.

Por Roberto Bayot

Director: Joe Wright
País: EE.UU.
Duración: 130 minutos
Año: 2007
Reparto: Keira Knightley, James McAvoy, Matthew MacFadyen
Nominada a siete premios Oscar: “Mejor Película”; “Mejor Guión Adaptado” (Christopher Hampton); “Mejor Actriz de reparto” (Saoirse Ronan); “Mejor Cinematografía” (Seamus McGarvey); “Mejor Dirección de Arte” (Sarah Greenwood y Katie Spencer); “Mejor Vestuario” (Jacqueline Durran); “Mejor Banda Sonora Original” (Dario Marianelli).

Primero que todo, porque el estatus de criminal de salón queda desmitificado. Entre otras cosas – ya que a fin de escarbar en su origen – el guión ha prescindido de la acostumbrada frialdad del personaje. Ahora, que más que mostrar busca demostrar la tesis del trauma. Ya que más humano de lo esperado, Hannibal Lecter reaparece consumido por la venganza, el dolor, la soledad y la suma de ingredientes que, a esta alturas, ya son un tópico a la hora de concluir en los elementos que dan origen a una personalidad sociópata. Es que, con un talante que en nada tiene que ver con sus anteriores versiones, de adolescente resulta mucho menos intrigante, sofisticado y más parecido a criminal que a un intelectual. No tan refinado y sin un ápice de su ironía. Mucho más cerca del final de un mito que de sus inicios.

Una personalidad que se origina en un ambiente familiar destruido por la segunda guerra mundial. Y donde, curiosamente, el mal queda relegado a un caso psicológico. Histórico si se quiere. Cuando el adolescente, ya becado en la facultad de medicina busca a los asesinos de su hermana, aquellos que los tomaron de niños como rehenes durante la guerra, luego de haber visto como asesinaban a sus padres. Atormentado por el recuerdo. Sin duda un trauma difícil de superar pero que, en cualquier caso, no satisface el desarrollo del personaje.

Pareciera que el mito acabó. O que por lo menos acabó mal. Porque parte del encanto del famoso caníbal estaba en su sangre fría, así como también en los aciertos de “El silencio de los inocentes”, del director Jonathan Demme. Si se quiere, el caso, tiene un origen más que razonable, pero de sobremanera obvio. Del que se hace arte y parte una actuación que cae en los lugares comunes. Sin las sutilezas y matices del personaje original. Con la consecuente espectacularización de una cinta notable. Y de un personaje aún mayor.

La factoría norteamericana, sin duda, hizo mella, donde las actuaciones restan. Porque, pobre por sobre todo, el guión resulta menor para las características del protagonista. Una cinta donde el director, Peter Webber, no ha sabido generar suspenso. Y con una cámara que en nada aporta, y dónde los primeros planos – a la orden del día- son más efectistas que efectivos. Con la clara idea de que la imaginación quede supeditada a imaginar lo que las tomas nos muestran. Si por factura mal, por historia peor. Pues esta última entrega de la saga sólo contribuye a caricaturizar a uno de los personajes más perturbadores del cine norteamericano.

Por Maximiliano Villena

Director: Peter Webber
País: EE.UU., Reino Unido, Francia
Duración: 117 minutos
Año: 2007
Reparto: Gaspard Ulliel, Gong Li, Rhys Ifans, Kevin McKidd

Para bien y para mal, la nueva película de los hermanos Farrelly es una comedia romántica como la que están acostumbrados a realizar. De un humor muy físico, y donde las situaciones priman por sobre los diálogos. De absurdos más que ironías. Y escatológico más que narrativo, pues cuando todos pensaban que después de “Amor en juego” se había decido por darle un mayor peso a la trama, “La mujer de mis pesadillas” viene a resituar la fórmula que les dio tanta notoriedad. Por ello es que la película se parece tanto a las anteriores. Por ello es que los antiguos aciertos terminan por aburrir.

Películas dulzonas para bien. Y el resto no tanto. Los mismos personajes que, un poco neuróticos, tímidos e inmaduros tienen serios problemas para establecer una relación con completa normalidad. Lo que responde a la típica caracterización de sus películas. Protagonistas sometidos a los mismos problemas y en casi idénticas situaciones. Eddie (Ben Stiller), quien, a los 40 años ya empieza a cuestionarse su soltería, conoce a una rubia llamada Lila. Mujer con la que, luego de un extraño primer encuentro, sostiene un romance que lo llevará a casarse por un arrebato. Esta, como todas las decisiones que se toman sin meditar sus consecuencias, tiene sus costos. Horas después de celebrar la boda, mientras los recién casados empiezan a conocerse, Eddie se da cuenta de que ha cometido tremendo error. Así es como al poco andar del viaje se enamora perdidamente de Miranda (Michelle Monaghan), que no tiene ni idea de que Eddie está de luna de miel.

Sus trabajos anteriores, como “Loco por Mary” e “Irene, yo y mi otro yo” tenían la extraña virtud de darle cierta frescura a las comedias románticas de ese entonces. Entre otras cosas por el ritmo que le sabían imprimir a la historia. Así como por las peculiaridades de los personajes, extraños, sólos y con años de un celibato involuntario. Características que, en “La mujer de mis pesadillas”, suenan a una fórmula agotada.

Es que los hermanos Farrelly, en esta ocasión, no supieron acotar la trama. Que de sus chistes hicieron en lugares comunes. A ratos cómica, pero cayendo en el facilismo propio de aquellos quienes trabajan el humor a costa de los estereotipos. Donde corridos 2/3 de la cinta esta ya hace agua. Y donde ciertas secuencias no contribuyen en nada y la extienden de forma innecesaria. Y es que pareciera que el avanzar por sketch ya no les resulta tan fácil. O por lo menos no terminan de decidirse sobre el curso de la narración. Como si estuvieran entre “amor ciego” y “amor en juego” –pues, predecible y prescindible -una película de la que no se puede decir mucho más.

Director: Meter Farrelly y Bobby Farrelly

Reparto: Ben Stiller, Michelle Monaghan

País: Estados Unidos

Año: 2007

Duración: 115 minutos

Inland Empire, el último trabajo de David Lynch, que a las salas chilenas llega como “Imperio”, difícilmente podría pasar inadvertido. No sólo por la polémica que lo acompaña, pues, si bien no hay que descartar el tono paródico en algunas escenas donde, lo que parece haber es una abierta crítica al sistema de los estudios, tampoco el hecho de que es fruto de la maduración estética de su autor.

Para el caso, el director de Blue Velvet prescindió de los estudios, e Inlad Empire fue filmada íntegramente en digital y es distribuida por su propio creador. Y es que Lynch no transa y, como pocos, se atreve a romper moldes. Cuando las grandes firmas de Hollyhood han hecho del remake un género, este viene y, a su manera, reversiona una cinta hasta que cada puesta en escena es un eco más oscuro que el anterior.

Así es como, al poco andar, entramos a una galería donde la protagonista encarna una serie de papeles cuyo número podría elevarse de forma exponencial. La actriz Nikki Grace obtiene el protagónico en una importante película. Sin embargo, casi al partir el rodaje Nikki cae en cuenta de que el guión es un remake de una cinta polaca cuyos actores principales fueron asesinados. Por momentos escalofriante, Inland Empire es una apuesta donde las (re)versiones cinematográficas se chocan unas con otras. Porque, no exenta del espectáculo de fenómenos a los que David Lynch nos tiene acostumbrados, en la misma cinta encajan el terror y algunas coreografías musicales que, difícilmente, se podrían entender fuera de su propia poética. Que el cine hable del cine, esa es una de las pocas cosas que el directo norteamericano ha dejado incólume.

Por ello, desde hace más una década, es que Lynch se han ganado en grande el título de “director de culto”. Pero, más que marcar las líneas de experimentación por las que ha de circular el canon, marca un punto de inflexión dentro de la actual escena americana. Y es que sus excentricidades están a pasos de sobrepasar la línea entre las versiones y sus animadversiones. Más que abrir un camino, fija sus límites. Porque no es tanto la ambientación como la atmósfera; no son las sombras como el uso de los focos, ni críptico ni ilegible y no menos lisérgico que sus anteriores trabajos, pero si subvierte la retórica del cine industrial no es porque su película prescinda de un hilo conductor, sino porque toma el riesgo de ramificarla hacia puntos disímiles.

Sus movimientos de cámara, por otra parte, son inquietantes por la forma en la que sostiene los primeros planos. Incluso la forma en que utiliza los silencios y luces y focos. Sin duda puntos de referencia para una cinta donde la trama queda relegada en beneficio de la experiencia audiovisual. Acaso el desenlace lógico de Lost higway y Mulholland Drive.

Titulo Original: Inland Empire
Dirección: David Lynch
Reparto: Jeremy Irons, Laura Dern.
País: Estados Unidos (2006)
Duración: 180 minutos

Película muy gringa, a la que, como es la costumbre de su protagonista, Adam Sandler (“El cantante de bodas”, “Como si fuera la primera vez”) incluye a algunos de sus ex compañeros del programa Saturday Night Live, que con sus pequeñas apariciones son los que dan la nota cómica a la película, porque esta comedia, en general se nutre de un humor bastante fome y ordinario.

Comienza con un Chuck (Sandler) muy “Cool”, Bombero sex simbol de la ciudad y al más puro estilo Bruce Willis, aunque esté a punto de morir tira la talla igual. Por otro lado esta Larry (Kevin James de la serie King of Queens), un viudo, padre de dos hijos y compañero de chuck, que al verse preocupado por el fututo económico de sus pequeños, no encuentra nada mejor que proponerle a su amigo que se casen y así poder mantener el patrimonio económico de la sociedad conyugal.

Ahí empiezan los enredos, pues el estado comienza a investigarlos ante la duda de si la unión se trata de un fraude. En el ínter tanto contratan a una bella abogada (Jessica Biel, “El ilusionista”) más conocida por al serie Seventh Heaven, que los asesora en la idea de tratar de pasar desapercibidos ante la ley. Agregar que la participación de Biel en el film la limita netamente a mostrar lo envidiablemente bien tonificada que está y no da cabida a un buen trabajo actoral, lo mismo para Sandler y James que a pesar de ser conocidos por hacer comedia en esta ocasión se ven bastante faltos de creatividad.

En resumen, la película transcurre entre una historia absurda y un humor en un 80 % malo, el 20 restante es salvado gracias a notables apariciones de actores como Steve Buscemi, Ving Rhames, David Spade y Rob Schnider. Queda claro que eso no fue suficiente para hacer de “Yo los declaro marido y Larry” una buena comedia, que extrañamente cuenta con una dupla de excelentes guionistas (Alexander Payne y Jim Taylor, “Entre Copas”) que hace pensar que de comedia no saben mucho.

En el fondo es una buena historia con un tema potente al que se le pudo sacar mucho más partido, pero que desafortunadamente el resultado final en la pantalla es bastante pobre.

Titulo Original: I Now pronounce you Chuck and Larry
Dirección: Dennis Dugan
Reparto: Adam Sandler, Kevin James, Jessica Biel, Dan Aykroyd, Ving Rhames, Steve Buscemi
País: Estados Unidos (2007)
Duración: 114 minutos

Para saber de al historia, solo imaginen el cuento de Blancanieves, bastante mâs modernizado y en Nueva York!. Una princesa de cuentos del pasado, transportada por la fuerza de una reina malvada, al presente. Poco después de su llegada, la Princesa Giselle comienza a cambiar su visión de la vida y del amor, luego de conocer a un guapo abogado.

Podríamos decir que se trata del siempre “bien ponderado” cuento de hadas, con su príncipe, princesa y bruja, pero el gigante de la industria infantil se la jugo nuevamente con actores reales y ver si aseguran nuevamente el éxito como ocurrió con Piratas del Caribe, haciendo de este relato una version 2.0 de la noble encantada.

Debo destacar el carisma de Amy Adams (Giselle) conocida en la industria hollywodense por apariciones en series de televisión como “That 70`s show” o “Smallville”, porque hace de la princesa “rosada”, bella y bondadosa alguien a quien extrañamente no queramos golpear, y eso es un merito.

Por otra parte, incluir a un tipo taquillero y atractivo como Patrick Dempsey (greys anatomy) en el papel principal -destronando al verdadero príncipe de la historia- es otro plus para llevar felices a las ya mas creciditas al cine. El principe esta interpretado por James Mardsen (X men) esta en uno de sus mejores papeles, narcisista, noble y gracioso; tiene escenas notables en el film. Por último y en el papel que todas la actrices parecen querer: el de mala, Susan Sarandon, (Dead man walking, Thelma & Louise) quién hace una aparición breve y a mi juicio no tan provechosa dentro de la película, siendo una actriz de peso a la que se le pudo sacar mas partido.

Esta es una película para niños no tan pequeños por cierto, -se pierden un poco con el cambio de animación a realidad- y en general para todas las edades porque si bien será del gusto de niñitas que gozan con películas de Barbie, es un filme liviano, como par pasar una tarde de domingo, para una buena dosis de comedia y musical de la vieja escuela del cine animado pero de la mano de la modernidad. Un homenaje a los cuentos Disney.

Titulo Original: Encantada (Enchanted)
Duracion:120 min.
Año: 2007
Director: Kevin Lima
Reparto: Amy Adams, Patrick Dempsey,James Marsden, Timothy Spall, Idina Menzel, Rachel Covey y Susan Sarandon.

“El Tiempo” es el último largometraje de Kim Ki-duk (“El Arco”, “Hierro 3″, “Primavera, verano, otoño, invierno y itra Vez primavera”). Es su proyecto número 13, realizado un año después de su anterior película “El Arco”. En este film sigue más o menos lo que resulta ser la tónica de sus anteriores obras pero en esta película cuestiona los más básicos fundamentos acerca del amor y la naturaleza humana.

Trata sobre una mujer, So-Hee, que a pesar de ser muy bella y tener una sólida relación de dos años es insegura y obsesiva a tal punto de realizar escándalos públicos si su pareja tan sólo mira a otra mujer. El tiempo, como lo dice su propio título, y las relaciones humanas son un factor que se expresa delicadamente en el film -¿se puede amar para siempre? ¿No se volverá el otro reacio y cansado de uno cuando pase el tiempo? Ese es el dilema de la agobiante protagonista ante los posibles cambios que podría experimentar su relación.

Es por ello, que decide tomar una decisión drástica y dolorosa para evitar que su amado se canse de ella, nada menos que someterse a una cirugía estética para cambiar su rostro y estilo para, según ella, conseguir y reavivar el amor de su novio.

El tema de las relaciones de pareja que Kim Ki-Duk en cada película ha tratado con interés se ve esta vez con una particular y única perspectiva; la de la obsesión y la angustia por evitar el paso del tiempo y la perdida del amor y la pasión. Esto sin embargo toma un vuelco inesperado para la joven Soo Hee.

Los talentosos actores convocados para este nuevo proyecto, poseen mucho más diálogo. Su director también tomó el desafío de filmar varias escenas arriesgadas para lograrse objetivo de cuestionar la naturaleza humana a partir de examinar diferentes personalidades. Sung Hyun-ah (“Woman is the future of man”) en el papel de So-hee, el personaje principal que evoluciona. Para el papel protagónico que acompaña a Sung, Kim Ki-duk eligió a Ha Jung-woo, quien logró un reconocimiento mundial con su papel en la película “The Unforggiven” del 2004.

Esta en definitiva es una buena apuesta del director coreano. Como siempre bella fotografía y excelente musicalizaciòn pero a la vez una llena de pasión, frustración, y por cierto harto drama obsesivo que la hace ser casi un thriller.

Título original: “El Arca”
Año: 2007
Duración: 87 minutos
País: Argentina
Director: Juan Pablo Buscarini
Guión: Axel Nacher y Fernando Schmidt Bescio
Reparto: Juan Carlos Mesa, Mariana Fabianni, Diego Topa, Lalo Mir, Alejandro Dolina

El arca es una película de animación que relata lo que tuvo que pasar Noe para construir y manejar su arca, y lo que tuvieron que pasar los animales para poder llegar a ella, y como tuvieron que organizar todo para poder subsistir en el nuevo mundo que les esperaba después del diluvio.

A pesar de que la película este basada en una historia bíblica, esta, no es netamente religiosa, ya que aquí se ve que dios es un rechonchito caballero que pone este diluvio en la vida de Noe para darle más acción al libro que su ángel secretario estaba escribiendo, ya que los otros dioses tenían buenos libros, con buenas encuadernaciones y él no podía ser menos, de todas maneras esto pasa a segundo plano para que lo importante corra por cuenta de los animales que son los que animan la película, ellos hacen fiestas, molestan, cantan, bailan y todas las cosas que hacen los animales graciosos en película de fábula donde los humanos no son muy tomados en cuenta, salvo en algunas partes, lo cual está bien, ya que la película habría sido horriblemente aburrida si se hubiese seguido todo el rato a Noe. Lo llamativo de “El Arca” es su producción sudamericana, puntualmente Argentina.

Esta cinta, es netamente para ir a verla con niños, ya que a ellos les va a parecer demasiado entretenida la historia, de todos modos, en ocasiones tiene partes con chistes para todas las edades para integrar a las personas mayores que la ven, pero sigue en el fondo siendo una película de niños. Cabe destacar, que “El Arca” tiene muchos valores que deben ser rescatados y que enseñarían a los más chicos cosas necesarias, se recalca mucho el trabajo en equipo, mantener el respeto, y como sin importar las apariencias podemos trabajar todos juntos con un bien común, aunque en realidad ese tipo de cosas se debería aplicar a todas las personas. La película es para los mas chicos, ya que los mas grandes ya nos aburrimos un poco con tanta historia de animal que habla, y pareciera que en todas las películas los animales cumplen el mismo papel; los tigres son los malos, los leones son buenos, los chanchos son amigos del bueno, etc.

En fin, película entretenida para ver con niños o en familia, es una película de animación más, de esas para ver los días en que el aburrimiento acecha, si no, puede ser completamente prescindible.

Título original: “Stardust”
Año: 2007
Duración: 130 minutos
País: EE.UU. / Reino Unido
Director: Matthew Vaughn
Guión: Jane Goldman y Matthew Vaughn
Reparto: Claire Danes, Charlie Cox, Sienna Miller, Ricky Gervais, Jason Flemyng, Peter O’Toole, Michelle Pfeiffer, Robert De Niro

Ya ha quedado demostrado que las adaptaciones de novelas y comics dan resultado en el cine, es por eso que el director, productor y guionista Matthew Vaughn hace lo suyo con “Stardust: El Misterio De La Estrella”, cinta que va por un muy buen camino, ya que, esta superproducción de aventuras y ficción esta destinada a ser un éxito. Además Stardust es una producción bien lograda, con buenos recursos técnicos con un elenco nutrido y de lujo.

La adaptación cinematográfica se centra en Tristán, un joven príncipe, (aunque sin saberlo) y enamorado de Victoria, una frívola mujer encarnada por Sienna miller decide a petición de su exigente amada ir en busca de nada menos que una estrella y al igual como lo hizo alguna vez su padre, cruzar el muro que divide a su pueblo de un reino fantástico llamado Stormhold, en el que podría atrapar la tan ansiada estrella. Y así es que el obstinado protagonista interpretado por el casi desconocido Charlie Cox logra salir de su pueblito de Muro y dar con una luminosa estrella-mujer, la calida Victoria (Claire Danes). La trama va narrada por Ian McKellen (Magneto, Gandalf…).

Sin embargo Tristán no es el único que necesita su estrella porque también los codiciosos hijos del rey de Stormhold, encarnado por Peter O’Toole – que acaba de morir y que tratan de encontrar una joya que lleva en su cuello la misteriosa estrella, para así alguno de ellos se convierta en el nuevo monarca, en este caso el que permanezca con vida.

A su vez y como en todo buen cuento de hadas y de fantasía no puede faltar la bruja malvada, en las manos de la envidiablemente bella, Michelle Pfeiffer, que por cierto no podía volver al cine en un mejor papel. Ella y sus hermanas de varios siglos de vida necesitan del corazón luminoso y poderoso de una estrella para recobrar su juventud. Así que la acción comienza rápidamente para ver quien se queda finalmente con el joven astro.

Un importante punto en la historia es la notable participación de Robert de Niro como el capitán Shakespeare, un pirata volador que ayuda a la pareja terrícola- estelar a llegar a destino. Lo gracioso del personaje es que la usanza Jack Sparrow, este capitán también es dueño de un carisma y humor que se agradece sobremanera. Cuida su fama de pirata rufián a como de lugar, sin embargo no resulta ser tan macho como se muestra y su cabina se asemeja más a la jaula de las locas que a la de un corsario y su forma de ser es la de un buen tipo.

Una recomendable y entretenida película: taquillera, familiar, romántica, de esas que guardan para el final el esperado suspiro del público. Con la justa cuota de acción que te mantiene ahí atento a lo que pasa y hace que las casi dos horas y media de filme se te pasen volando.

“Stardust” se perfila como un acierto en la cartelera, una película para disfrutar a cualquier edad y una buena instancia para dejarse llevar por un par de horas y soñar con el verdadero amor y las estrellas.